CRITICAS

Las Sociedades Primitivas

2011-11-23T06:39:00.001-08:00

El género o rol sexual está definido socialmente.[ ] Nuestra comprensión de lo que significa ser una mujer o un hombre evoluciona durante el curso de la vida; no hemos nacido sabiendo lo que se espera de nuestro sexo: lo hemos aprendido en nuestra familia y en nuestra comunidad a través de generaciones. Por tanto, esos significados variarán de acuerdo con la cultura, la comunidad, la familia, las relaciones interpersonales y las relaciones grupales y normativas, y con cada generación y en el curso del tiempo.

Las desigualdades entre los géneros están muy arraigadas en las sociedades, las reivindicaciones en torno a la igualdad de género se van arrastrando históricamente como una asignatura pendiente que ha ido trayendo el proceso inacabado de la modernidad.

A tales extremos se erige el fundamento y la necesidad de contribuir con la igualdad de sexos, en el cual pueda desarrollarse un camino y una continuidad, traducida en la formulación de políticas y compromisos elementales que se adhieran a las sociedades civiles, eliminando el efecto enraizado de todas las forma de discriminación contra la Mujer.

Esto visto desde una óptica global en la cual el empoderamiento político y económico sea el referente de las mujeres, tanto de países latinos e iberoamericanos como la de mujeres en países árabes.

La lucha se gesta por conseguir un cambio institucional, jurídico y cultural en el cual se cuente por igual con ambos sexos para los círculos decisorios en estamentos públicos y privados, que engranen fehacientemente la apuesta intelectual e imaginativa a favor de un contexto complejo de diferencias reconocidas y mínimos universales contrapuestos.

En el marco de la campaña Únete, que lanzo el secretario general de las Naciones Unidas Ban Ki Moon para poner fin a la violencia contra la mujer y cuyo objetivo es generar una mayor conciencia pública para incrementar la voluntad política hacia estos temas, es que se presenta esta exposición, que es sin lugar a duda una respuesta decisiva y esencial, formulada en imágenes para la adhesión de responsabilidades y la construcción de una nueva realidad.

Los artistas aquí reunidos evidencian la preocupación para erradicar todo tipo de violencia contra la mujer y concertar así un diálogo que produzca en el espectador un agente catalizador que lo incorpore a las perspectivas que aquí se inscriben, mientras más y definitivamente nos alejemos de antiguas estructuras como la que expuso en su momento Lewis Henry Morgan*, fundador de la antropología moderna, más nos alejaremos de aquella idea de sociedad primitiva que mal hemos erigido y nos ha llevado nueva e infructuosamente por un camino de deshumanización.

©Pablo Villaizán
Lima, Noviembre del 2011

----------------------------------------------------------------------------------------------
*Lewis Henry Morgan (21 de noviembre de 1818 – 17 de diciembre de 1881) abogado, antropólogo, etnólogo y escritor estadounidense. Quien dijo una vez que la humanidad en sus orígenes pudo estar constituida por comunidades matriarcales.

Rutas Alternas

2011-03-14T23:51:00.000-07:00

Carolina Cardich (Lima 1979) Presenta en esta su primera individual 7 fotografías en soporte analógico, trabajadas en blanco y negro e impresas sobre digital, en las cuales explora y contrapone elementos de la metrópoli y el paisaje natural.

Las imágenes se inician con la intervención en el propio medio natural, en el cual se anteponen elementos de manera concreta, invitando al espectador a regresar la mirada a estos espacios inherentes a los que pertenece.

El tono fotográfico utilizado se vuelve un referente en el que recae la simplicidad para exponer de manera elemental las reflexiones mas profundas sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza, entre el mundo trascendente y el mundo natural.

Estas reflexiónes ahondan en el sentido de la existencia y en la de los mundos de lo visible, lo indivisible y lo invisible. Las fotografías de Cardich nos llevan hacia una meditación cercana a la imposibilidad que tiene el hombre de separarse de la naturaleza siendo por antonomasia él, pieza de la esencia natural pura.

Todas estas señales instauradas en la cotidaniedad toman un valor nuevo al confrontarlas sobre la natura, generando la voluntad y la intención de un inédito desplazamiento.

El arte de la naturaleza conocido mejor como Land-art actúa con una conciencia de dialogo en la cual pone en manifiesto el comportamiento colectivo sobre su medio ambiente, siendo parte activa de un desarrollo , de una búsqueda y de una invitación a tentar aquella mirada postergada.

La observación de los escenarios, la intervención y la captura de estos entornos mas próximos son el punto de escape que organiza el todo como un inventario y un registro en el que bosques y riberas, parques, lomas y playas son pensadas en el curso de un primigenio habitad.

El proceso creativo de artistas Land-art elementales como Richard Long o Andy Goldsworthy es siempre el registro fotográfico de lo intervenido, en el cual la práctica de orden natural es pensada hacia la definición de nuevas rutas en las que ciertamente la temporalidad surja atravesando el paisaje.

Referido todo esto hacia un reencuentro habría que dejar prontamente obrar a la naturaleza y que nuevamente nuestra orientación interior cansada de progreso nos lance a seguir la vía más certera.

©Pablo Villaizán
Lima, Marzo del 2011

POLARIZACION EN LAS CRITICAS DE ARTE

2011-01-05T17:52:00.000-08:00

En algunos medios de prensa últimamente se tiende a polarizar opiniones, especialmente en lo que respecta a los recuentos anuales de la crítica, tanto en literatura como en las diversas disciplinas del arte. Y aunque en algunos casos se hacen encuestas, que de alguna expresan las preferencias de los lectores y del público consumidor, en lo que se refiera a las muestras de arte se desea mantener una especie de autoridad: se “preseleccionan” las propuestas artísticas de la manera más subjetiva y dejando de lado cualquier posición ponderada y profesional.

Nadie que se considere serio en su oficio puede seleccionar “a dedo”, una muestra que ha curado, o en la que se vio enteramente involucrado con la museografía o el texto curatorial. Sería una total falta de ética el haber sido contratado por una institución cultural y luego pretender imponer que esta labor sea considerada la “mejor”; o que mereció más o que fue la más prometedora. Nada más ajeno al quehacer propio de la crítica especializada de arte, a su compromiso con los lectores. No se puede caer en esas malas prácticas por más que uno represente a cierto sector importante dentro de la escena artística limeña.

Seremos más exactos: toda esta polémica empezó con los artículos que aparecieron durante la primera quincena de diciembre en el diario El Comercio, en los que se pretendía imponer a cada evento la evaluación de un rating soso y hasta ridículo. Se comprende que cada una de las exhibiciones y propuestas sea evaluada y valorada de acuerdo a algún tipo de "barómetro" que respete las complejidades y dificultades específicas; pero no se pueden deslizar opiniones inexactas y hasta, en muchos casos, contrarias a la verdad. Mucho menos hacer afirmaciones que perjudiquen a los artistas que desearon mostrarnos con ímpetu y empuje creativo sus obras y propuestas a lo largo del año que se fue.

La valoración y selección debería hacerse, en primer término, bajo parámetros exactos y rigurosos, partiendo quizá de las opiniones de los mismos artistas, museólogos, críticos, historiadores que no estén involucrados con las muestras que se están comentando.

En la publicación de El Comercio en la sección Luces de hoy (2 de enero del 2011) se anuncia a todas "luces" y con un estruendoso título “La gran Panorámica del Año (I)”, cual entrega de un premio Grammy, sin menospreciar a este popular premio. Un diario serio como El Comercio no puede afirmar, en palabras de Élida Román, que “De las numerosas exposiciones visitadas en el año… hay olvidos y arbitrariedades”, lo que desecha de antemano cualquier juicio definitivo. Líneas atrás se puede leer que la misma crítica sugiere que las muestras que ella menciona fueron las mejores o las que tuvieron un nivel destacable. En varias de esas muestras ella estuvo directamente involucrada (las de Miró y de Calder, por ejemplo y qué decir de las del Británico), lo que no es obstáculo para que ella las nombre, dejando de lado otras que si debieron ser mencionadas (y que pretende echar al olvido de los lectores).

De la prensa cultural ciertamente puede esperarse muy poco. Cada día hay una mayor tendencia al espectáculo y a la falta de precisión; cada vez se apoya menos a los jóvenes valores o a los mismos maestros artistas que no se han alineado con los intereses del medio correspondiente, o que no se someten al gusto arbitrario del comentarista. Crítica siempre habrá y de todo tipo, con sustentos sólidos o caprichosos, según el oficio de cada especialista. Lo que no se puede negar es que el 2010 fue un año fructífero para el siempre efervescente mundo del arte peruano.

Se nos viene “La gran Panorámica del Año (II)”.

Joseph De Utia

DONDE HAY MUSICA

2010-12-12T08:54:00.000-08:00

"...se trata del misterio esencial que conecta todas las cosas. En el corazón de aquella conexión está el color y el ritmo."

Steen C.

Las percepciones básicas del mundo

“Con la pintura, la música tiene una afinidad…, en parte a causa de la predominante interioridad de la expresión, en parte también debido al tratamiento de la materia, en el que… la pintura puede intentar aproximarse al ámbito de la música.” Hegel

Desde la Antiguedad, los músicos aprovecharon el lenguaje del color para traducir sus conceptos abstractos; no cabe duda que son múltiples los préstamos semánticos que un arte ha hecho al otro. El color (croma entre los griegos) es una palabra que se utiliza como equivalente de timbre y el adjetivo brillante es una cualidad indiscutible del color empleado por los músicos en el sentido de nitidez.

La Música y la pintura han estado siempre relacionadas entre si, ya a partir de las vanguardias de principios del siglo pasado. M.K. Čiurlionis, el primer pintor abstracto, antes de Kandinsky, llamaba a sus obras "preludios" y fugas", él era compositor también; Kandinsky quien escribió una vez a Schoenberg: "usted ha hecho realidad en su obra lo que yo ando buscando de manera incierta y con tanto anhelo para la pintura: el camino de las disonancias en el arte".

Al compositor Pierre Boulez le preguntaron una vez qué compositores le habían influido más y el respondió que las pinturas y escritos de Klee.

Henri Matisse era violinista al igual que Paul Klee, este útimo opinaba que la música y la pintura vivían en epocas distintas y que por lo tanto, eran artes desfasadas. Dado que la música ya había resuelto el problema de la abstracción en el siglo XVIII, la pintura tendría que comenzar por el barroco y superar la confusión que trajo la música programática del siglo XIX.

Muchos artistas encontraron en el lenguaje musical la pureza de la expresión a través de múltiples conceptos, como la armonía del color, el ritmo de las líneas y las formas, la representación del objeto, la situación musical en la pintura, la expresión del sonido interior creada en estado meditativo. Cada método, técnica, estilo tenía una filosofía, una teoría creada por cada artista, grupo de artistas o escuela. Esta búsqueda obligó al ejecutante a un ejercicio de introspección para entender mejor sus asociaciones sinestésicas y emocionales sobre las percepciones básicas del mundo. Muchos artistas como Kandinsky y Kupka, experimentaron esto conscientemente, con la intención de ampliar su comprensión del génesis del universo.

La música siempre ha encerrado en su terreno, emociones de un momento vivido que, finalmente, emanado y disperso se almacena en la memoria, esta encuentra total disposición de emerger cuando aquella tonada resuene nuevamente y sume el conocimiento del pasado con el del presente; para las artes, nutridas entre ellas, la música no es un equivalente de sonidos en color, sino también el de una emoción profunda, sublime e intuitiva que expresa los cambios anímicos de la vida moderna.

Las experiencias visuales y sonoras asumen en el consciente una fascinación múltiple, entre lo impronunciable y lo trascendente, cercano a experiencias difíciles de explicar o comprender, de hecho la mayoría de las veces en que un artista llega a uno o a todos estos estados, no sabe por sí mismo qué le está pasando, lo único cierto es que lo incomprensible no esta dado para ser inapreciable. Dicen que donde hay música hay prados todavía, imágenes constantes que esperan ser tomadas, con el intento de combinar los dos sentidos y ponerlos siempre en continuo dialogo.

©Pablo Villaizán

Barcelona 01 de Agosto del 2010

CACA DE ELEFANTE

2010-12-12T06:55:00.000-08:00

El arte contemporáneo. En 1997, en una de sus habituales columnas de “Piedra de toque”, Mario Vargas Llosa escribió este magnífico texto sobre sus impresiones respecto al arte actual. Lo reproducimos debido a su gran vigencia.

Por: Mario Vargas Llosa

Domingo 12 de Diciembre del 2010

En Inglaterra, aunque usted no lo crea, todavía son posibles los escándalos artísticos. La muy respetable Royal Academy of the Arts, institución privada que se fundó en 1768 y que, en su galería de Mayfair suele presentar retrospectivas de grandes clásicos, o de modernos sacramentados por la crítica, protagoniza en estos días uno que hace las delicias de la prensa y de los filisteos que no pierden su tiempo en exposiciones. Pero, a esta, gracias al escándalo, irán en masa, permitiendo de este modo –no hay bien que por mal no venga– que la pobre Royal Academy supere por algún tiempito más sus crónicos quebrantos económicos.

¿Fue con este objetivo en mente que organizó la muestra “Sensación”, con obras de jóvenes pintores y escultores británicos de la colección del publicista Charles Saatchi? Si fue así, bravo, éxito total. Es seguro que las masas acudirán a contemplar, aunque sea tapándose las narices, las obras del joven Chris Ofili, de 29 años, alumno del Royal College of Art, estrella de su generación según un crítico, que monta sus obras sobre bases de caca de elefante solidificada. No es por esta particularidad, sin embargo, por la que Chris Ofili ha llegado a los titulares de los tabloides, sino por su blasfema pieza Santa Virgen María, en la que la madre de Jesús aparece rodeada de fotos pornográficas.

No es este cuadro, sin embargo, el que ha generado más comentarios. El laurel se lo lleva el retrato de una famosa infanticida, Myra Hindley, que el astuto artista ha compuesto mediante la impostación de manos pueriles. Otra originalidad de la muestra resulta de la colaboración de Jack y Dinos Chapman; la obra se llama “Aceleración Zygótica” y, ¿cómo indica su título?, despliega a un abanico de niños andróginos cuyas caras son, en verdad, falos erectos. Ni qué decir que la infamante acusación de pedofilia ha sido proferida contra los inspirados autores.

Si la exposición es verdaderamente representativa de lo que estimula y preocupa a los jóvenes artistas en Gran Bretaña, hay que concluir que la obsesión genital encabeza su tabla de prioridades. Por ejemplo, Mat Collishaw ha perpetrado un óleo describiendo, en un primer plano gigante, el impacto de una bala en un cerebro humano; pero lo que el espectador ve, en realidad, es una vagina y una vulva. ¿Y qué decir del audaz ensamblador que ha atiborrado sus urnas de cristal con huesos humanos y, por lo visto, hasta residuos de un feto?

Lo notable del asunto no es que productos de esta catadura lleguen a deslizarse en las salas de exposiciones más ilustres, sino que haya gentes que todavía se sorprendan por ello. En lo que a mí se refiere, yo advertí que algo andaba podrido en el mundo del arte hace exactamente treinta y siete años, en París, cuando un buen amigo, escultor cubano, harto de que las galerías se negaran a exponer las espléndidas maderas que yo le veía trabajar de sol a sol en su chambre de bonne, decidió que el camino más seguro hacia el éxito en materia de arte, era llamar la atención. Y, dicho y hecho, produjo unas ‘esculturas’ que consistían en pedazos de carne podrida, encerrados en cajas de vidrio, con moscas vivas revoloteando en torno. Unos parlantes aseguraban que el zumbido de las moscas resonara en todo el local como una amenaza terrífica. Triunfó, en efecto, pues hasta una estrella de la Radio-Televisión Francesa, Jean-Marie Drot, le dedicó un programa.

La más inesperada y truculenta consecuencia de la evolución del arte moderno y la miríada de experimentos que lo nutren es que ya no existe criterio objetivo alguno que permita calificar o descalificar una obra de arte, ni situarla dentro de una jerarquía, posibilidad que se fue eclipsando a partir de la revolución cubista y desapareció del todo con la no figuración. En la actualidad todo puede ser arte y nada lo es, según el soberano capricho de los espectadores, elevados, en razón del naufragio de todos los patrones estéticos, al nivel de árbitros y jueces que antaño detentaban solo ciertos críticos.

El único criterio más o menos generalizado para las obras de arte en la actualidad no tiene nada de artístico; es el impuesto por un mercado intervenido y manipulado por mafias de galeristas y marchands y que de ninguna manera revela gustos y sensibilidades estéticas, solo operaciones publicitarias, de relaciones públicas y en muchos casos simples atracos.

Hace más o menos un mes visité, por cuarta vez en mi vida (pero esta será la última), la Bienal de Venecia. Estuve allí un par de horas, creo, y al salir advertí que a ni uno solo de todos los cuadros, esculturas y objetos que había visto, en la veintena de pabellones que recorrí, le hubiera abierto las puertas de mi casa, aunque me lo suplicaran de rodillas.

El espectáculo era tan aburrido, farsesco y desolador como la exposición de la Royal Academy, pero multiplicado por cien y con decenas de países representados en la patética mojiganga, donde, bajo la coartada de la modernidad, el experimento, la búsqueda de “nuevos medios de expresión”, en verdad se documentaba la terrible orfandad de ideas, de cultura artística, de destreza artesanal, de autenticidad e integridad que caracteriza a buena parte del quehacer plástico en nuestros días.

Desde luego, hay excepciones. Pero, no es nada fácil detectarlas, porque, a diferencia de lo que ocurre con la literatura, campo en el que todavía no se han desmoronado del todo los códigos estéticos que permiten identificar la originalidad, la novedad, el talento, la desenvoltura formal o la ramplonería y el fraude y donde existen aún –¿por cuánto tiempo más?– casas editoriales que mantienen unos criterios coherentes y de alto nivel, en el caso de la pintura es el sistema el que está podrido hasta los tuétanos, y muchas veces los artistas más dotados y auténticos no encuentran el camino del público por ser insobornables o simplemente ineptos para lidiar en la jungla deshonesta donde se deciden los éxitos y fracasos artísticos.

A pocas cuadras de la Royal Academy, en Trafalgar Square, en el pabellón moderno de la National Gallery, hay una pequeña exposición que debería ser obligatoria para todos los jóvenes de nuestros días que aspiran a pintar, esculpir, componer, escribir o filmar. Se llama “Seurat y los bañistas” y está dedicada al cuadro “Los bañistas de Asniéres”, uno de los dos más famosos que aquel artista pintó (el otro es “Un domingo en La Grande Jatte”), entre 1883 y 1884. Aunque dedicó unos dos años de su vida a aquella extraordinaria tela, en los que, como se advierte en la muestra, hizo innumerables bocetos y estudios del conjunto y los detalles del cuadro, en verdad la exposición prueba que toda la vida de Seurat fue una lenta, terca, insomne, fanática preparación para llegar a alcanzar aquella perfección formal que plasmó en esas dos obras maestras.

En “Los bañistas de Asniéres” esa perfección nos maravilla –y, en cierto modo, abruma– en la quietud de las figuras que se asolean, bañan en el río, o contemplan el paisaje, bajo aquella luz cenital que parece estar disolviendo en brillos de espejismo el remoto puente, la locomotora que lo cruza y las chimeneas de Passy.

Esa serenidad, ese equilibrio, esa armonía secreta entre el hombre y el agua, la nube y el velero, los atuendos y los remos, son, sí, la manifestación de un dominio absoluto del instrumento, del trazo de la línea y la administración de los colores, conquistado a través del esfuerzo; pero, todo ello denota también una concepción altísima, nobilísima, del arte de pintar, como fuente autosuficiente de placer y como realización del espíritu, que encuentra en su propio hacer la mejor recompensa, una vocación que en su ejercicio se justifica y ensalza.

Cuando terminó este cuadro, Seurat tenía apenas 24 años, es decir, la edad promedio de esos jóvenes estridentes de la muestra Sensación de la Royal Academy; solo vivió seis más. Su obra, brevísima, es uno de los faros artísticos del siglo XIX.

La admiración que ella nos despierta no deriva solo de la pericia técnica, la minuciosa artesanía, que en ella se refleja. Anterior a todo eso y como sosteniéndolo y potenciándolo, hay una actitud, una ética, una manera de asumir la vocación en función de un ideal, sin las cuales es imposible que un creador llegue a romper los límites de una tradición y los extienda, como hizo Seurat. Esa manera de ‘elegirse artista’ parece haberse perdido para siempre entre los jóvenes impacientes y cínicos de hoy que aspiran a tocar la gloria a como dé lugar, aunque sea empinándose en una montaña de mierda paquidérmica.

Diario El Comercio/El Dominical

DE PROFUNDIS

2010-11-29T20:32:00.000-08:00

«Detrás de la alegría y la risa, puede haber una naturaleza vulgar, dura e insensible. Pero detrás del sufrimiento, hay siempre sufrimiento. Al contrario que el placer, el dolor no lleva máscara.»

(Behind joy and laughter there may be a temperament, coarse, hard and callous. But behind sorrow there is always sorrow. Pain, unlike pleasure, wears no mask).

Desde el abismo

Joseph De Utia, (Lima 1968) Artista visual de imágenes reconocibles con sentido para lograr una postura estética y alcanzar una crítica en las sociedad de consumo modernas presenta una serie dedicada a Oscar Wilde, en la cual explora la vida y obra del poeta y dramaturgo.

A través del retrato De Utia se vale para introducirnos en tendencias icónicas o neo representativas utilizando el Pop Art, para formular un discurso envuelto en la manifestación del estilo de vida, de una época. Siendo este el mecanismo empleado, se posibilita un contenido apreciable en sus formas sin dificultad; esta asociación, surge por su interés en el entorno crítico de medios socioculturales, utilizando en este caso el referente de la literatura.

Wilde fue un esteticista por antonomasia, definiendo una actitud egocéntrica respecto a la belleza, en la cual se reducía a la contemplación al puro disfrute subjetivo, convirtiendo su objeto en simple instrumento para alcanzar el placer estético. Esteticismo y Decadencia, fueron dos tendencias de la época, cuyos manifiestos programáticos pudieron ser novelas, como El retrato de Dorian Gray y los rebuscados y artificiosos dibujos de Audrey Beardsley*, en parte, una reacción estética frente a gustos anteriores, como el Realismo naturalista, y en parte también a la afirmación de un nuevo papel moral del arte y del artista ante la sociedad.

En estrecha relación con estos enfoques hasta cierto punto, no figurativos del mundo plástico, cobra real importancia el principio del "arte por el arte", que es derivado de la visión de Kant en la cual afirmaba que el arte tenía su propia razón de ser; y como la realidad se compone de arquetipos o formas, que están más allá de los límites de la sensación, y que son los modelos de todas las cosas que existen para la experiencia humana, los objetos que los seres humanos pueden experimentar son ejemplos o imitaciones de esas formas, el artista copia el objeto experimentado o lo utiliza como modelo para su obra.

Con De Profundis, De Utia quiere elevar epistolarmente el diálogo de la creación desde su parte experimental, componiendo sensorialmente la transformación de los sentimientos, de las libertades, de la contemplación y principalmente, la del dolor, que es finalmente, el conocimiento más profundo de uno mismo, pues el sufrimiento se vuelve una exaltación para el alma y una revelación que permite alejarse de la futilidad para apreciar el mundo desde un punto de vista cercano a cuestiones universales.

©Pablo Villaizán
Barcelona, Noviembre del 2010

José Bedia es reconocido con el Primer premio de la IV Bienal Internacional de Beijing

2010-11-11T04:24:00.001-08:00

Enlace Arte Contemporáneo se complace en compartir con el público peruano el reconocimiento otorgado a uno de sus artistas representados: JOSÉ BEDIA (La Habana - Cuba, 1959). Dicho artista obtuvo el Primer Premio en la categoría de pintura por su obra: Seguido por la tormenta y El intrépido; se trata de un gran díptico en técnica acrílico y mixta sobre tela.

La Bienal de Beijing se viene realizando desde el año 2003 y este año (en su cuarta edición), ha convocado hasta 81 países participantes, llegando a reunir a un total de dos mil artistas y un millón de visitantes. Convirtiéndose en una plataforma importante para el intercambio cultural a través del arte. Este año se realizó en el Museo Nacional de Arte de China (Beijing), desde el 20 de Setiembre al 10 de Octubre pasados. Como cada año, los organizadores del evento proponen un tema que unifique las propuestas presentadas, y, siguiendo esta costumbre, este año el tema fue la preocupación por el medio ambiente y la existencia humana.

Bajo este criterio, la obra de José Bedia se enmarca perfectamente, siendo actualmente uno de los principales artistas latinoamericanos que nos presenta, a través de un lenguaje pictórico intimista y sensual, la preocupación de las comunidades nativas americanas y africanas (mal llamadas primitivas), por su habitat y por mantener siempre el equilibrio entre hombre-naturaleza, generándonos una honda reflexión por nuestro papel como hombres y mujeres “civilizados” en relación al tema. La personalísima obra de Bedia, inspirada en las denominadas culturas primarias, se caracteriza por el alto nivel de síntesis y el gusto por la silueta negra portadora de fábulas de carácter sentencioso. Su propuesta, de alto sentido ético, significa una alternativa a la historia hegemónica de un Occidente agotado, proponiendo la reconciliación con nuestras raíces prístinas, allí donde el arte se reconcilia con la vida.

José Bedia se formó en la Escuela de Arte San Alejandro y en el Instituto Superior de Arte, de la Habana. Emigró a México en 1991 y a los Estados Unidos en 1993. Ha realizado exposiciones individuales en Cuba, México, Estados Unidos, Santo Domingo, Venezuela, Brasil, Perú, Panamá, España, Italia, Argentina, México, Costa Rica, Irlanda, Francia, Colombia, Filipinas y Canadá. Premios/Becas, destacados: Gran Premio, Salón de Paisaje, La Habana (1982); Finalista Premio Fundación Joan Miró, Barcelona, España (1982); Premio Instalación, 2ª Bienal de La Habana, Cuba(1986); Guggenheim Memorial Foundation Fellowship, Nueva York, Estados Unidos (1994) y Oscar B. Cintas Foundatión Fellowship, Nueva York, Estados Unidos (1997). Su obra se encuentra representada en las colecciones del: Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney y el Museo Guggenheim de Nueva York, asi como la del Museo de Arte de Filadelfia, entre otros.

Cabe destacar que en estos momentos se esta presentando una muestra individual de pinturas de José Bedia en el IVAM, Instituto Valenciano de Arte Moderno, la misma que estará abierta al público hasta el 23 enero del 2011

http://www.ivam.es/exposiciones/2785-jos-bedia-entre-dos-mundo

A propósito de la Metamorfosis en la obra de Patricia Eyzaguirre

2010-11-07T12:40:00.001-08:00

Mucho puede decirse acerca de la relación de un artista con su obra. En principio podríamos decir que al hacer el artista su obra, esta simplemente es un producto de el. Pero si lo que queremos es acercarnos realmente a la relación artista-obra, tendríamos que renunciar a ese esquema de una sola vía y abrirnos a otro tipo de relación un poco más compleja.

Este podría ser el primer paso –imprescindible-para asomarnos a la obra de Patricia Eyzaguirre. Al conversar con ella podemos rápidamente advertir que la relación que mantiene con su obra no puede ser pensada como una relación sujeto-objeto. Para empezar, habría que decir que cuando esta artista crea, no crea objetos. El grado que le otorga a lo que crea no es ese. En su caso, más que de creaciones se trata de criaturas: no se desenvuelven como objetos, se desenvuelven como seres.

Como seres, tienen un nacimiento. Acontecen, surgen. Irrumpen en el espacio-tiempo. También se modifican, cambian. Jamás los concluye: los abandona.

Esto se hace más evidente aún en la temporalidad presente en ellos. Atendiendo a ella, nos encontraremos con un tiempo que no es lineal. Como la artista bien dice, “es un tiempo que no tiene nada que ver con el real”. En efecto, no se trata del tiempo objetivo sino de uno más propio: un tiempo inmanente.

A través de la superposición de materia, el ocultamiento de unas formas , el surgimiento de otras, este tipo de temporalidad se manifiesta, dejándonos en claro el punto de partida: la propia experiencia.

Como ella misma nos cuenta, su proceso creativo inicia en la propia experiencia. A partir de sus vivencias, o mejor dicho, con ellas, compone, descompone, juega, crea. Nunca hace boceto. Como en la vivencia misma, no hay lugar a ensayo previo. En sus mismos procesos intervienen los materiales: lleva la oscuridad de un periodo a su pintura, cierra etapas cerrando maletas, muda de piel envolviendo en papel a una muñeca. A tal punto está integrada la obra a la vivencia que difícilmente podríamos escindirlas.

“Metamorfosis” podría ser un claro ejemplo de esto. En ella, la artista nos entrega su vivencia a través de trabajos de pintura, collage y dibujo realizados en distintas épocas. Quizás sea esto último (el que sean trabajos de distintas épocas) lo que mejor evidencie la sinceridad de la muestra. Dado que las obras ya existían y no requirieron ser creadas especialmente para ella, podemos palpar fácilmente que se trata de un proceso vivido y no creado.

Posiblemente esta apertura a los otros de algo tan intimo como este tipo de proceso nos sorprenda, pero en el caso de esta artista, el rol que juegan los otros es esencial.

Así como sus obras nacen de su propia experiencia y participan de sus procesos, estas necesitan de la interacción con el otro para seguir haciéndose, creciendo. De este modo, la importancia del dialogo espectador-obra se subraya, adquiriendo un valor fundamental para la constitución de la obra misma.

En consecuencia, lo que la obra de Patricia Eyzaguirre nos demanda no es mera contemplación sino, ante todo, participación. No nos pide ser simples espectadores sino ser espectadores-participantes, espectadores-constituyentes, en pocas palabras: intervenir en la obra misma entrando en conversación con ella. Es así como, mediante este tipo de dialogo, sus trabajos pueden volverse también nuestros, haciéndolos atravesar de esta manera la esfera de lo privado, para que, luego, ellos como seres, se transformen, se emancipen y trasciendan.

Sandra Rivera Florez

De Colombia Ana Mercedes Hoyos

2010-10-19T18:03:00.001-07:00

“Ana Mercedes Hoyos ha tomado el camino más difícil de todos, reinventar su pintura, sin apenas cambios de estilo o de temática apreciables a simple vista en el espectador, pero si existe un nuevo enfoque en el trasfondo de su pintura, sin que eso quiera decir que ha cambiado su profunda investigación en torno al mundo de la esclavitud que se inicia con la llegada de los españoles a América en el siglo XV, y el impacto que esta esclavitud ha tenido hasta nuestros días.

En otros ensayos que he escrito sobre la obra de Ana Mercedes Hoyos, menciono que el concepto y la idea están siempre presentes e intrínsecas en sus composiciones, y profundizo en el estudio y desarrollo etnográfico y antropológico, que ella ha llevado a cabo en estos más de treinta años de carrera, quiero profundizar un poco más en la idea de la contemporaneidad de su propuesta artística, contrariamente a lo que muchos otros artistas más preocupados por las tendencias y las modas del momento, y que se autoproclaman abanderados de la contemporaneidad. Detrás del trabajo de Ana mercedes Hoyos existe un trabajo de campo de muchos años, de inmersión y estudio, de preparación teórica e ideológica digna de grandes historiadores y humanistas más propias de otros tiempos pasados.

En las obras de Ana Mercedes, las palenqueras, mujeres que cada día van desde San Basilio de Palenque (el primer pueblo libre de la esclavitud en todo América) hasta las playas de Cartagena de Indias a vender frutas a los turistas; las frutas y las palanganas son conceptos radicalmente abstractos, y a su vez actores principales de sus composiciones. Sus lazos, en los que aparece otra clara conexión con el trazo de Chillida, son abstracción pura, síntesis de conceptos importantes. La luz de sus pinturas es otro elemento conceptual que emerge desde la profundidad de la obra y dota a los elementos compositivos de sus bodegones, de una vida, una magia y una atmósfera, propias de las obras de Zurbarán, sin duda otro de los maestros rabiosamente contemporáneos, que más han impactado a Ana mercedes Hoyos.”

Julio Niebla. Curador. Barcelona, octubre de 2010

CONSECUENCIAS NO LINEALES

2010-10-10T08:47:00.007-07:00

La línea como elemento básico del dibujo guarda en sí infinitas posibilidades. Muchas veces se asume tan sólo como el primer paso para la composición sin antes reparar que dicho elemento también puede convertirse en el protagonista de esta. Consecuencias Lineales nace de una reflexión sobre la línea como recurso artístico a partir de los casos de tres jóvenes artistas: Jairo Robinson, Guillermo Ayala Jacobs y Julius Sobrino. Cada uno de ellos, empleando medios distintos, nos muestran múltiples maneras de usar este recurso, con diversas consecuencias: Jairo Robinson a través de la pintura, Guillermo Ayala Jacobs por medio del diseño digital, y Julius Sobrino mediante el dibujo a mano alzada y retoque digital.

Poseedores de lenguajes plásticos disímiles, cada uno de estos artistas ha desarrollado una manera muy propia de integrar la línea a su trabajo. Jairo Robinson alterna líneas de distinto grosor para generar una multiplicidad de planos en sus composiciones geométricas, logrando, de esta manera, efectos de profundidad y movimiento. Guillermo Ayala Jacobs, remitiéndonos claramente al Op-Art, hace emerger lúdicamente a la forma gracias a un juego visual que implica una bien pensada combinación de líneas, espacios y tiempos. Por su parte, Julius Sobrino, utilizando tan sólo variaciones de intensidad y dirección en la línea, brinda a sus dibujos volumen, textura y movimiento.

Nos ubicamos, de este modo, ante el despliegue técnico y conceptual que el manejo de un recurso básico ha dado origen, invitándonos no sólo a contemplar dicho suceso sino también a hacernos parte y preguntarnos desde lo acontecido, aquello que está por acontecer.

Sandra Rivera Florez

ZENSUALIDAD DE CARLA CHAVEZ KELLER

2010-10-10T08:47:00.005-07:00

“Escribo desde nuestro lenguaje, nuestras desarticulaciones… ser mujer es mi campo.”

Marcela Serrano

Zen-sualidad es la décima muestra individual de la artista plástica Carla Chávez Keller, quien a partir de un acontecimiento que marco su vida, hace una reflexión y replantea su condición de mujer en esta sociedad enfrentándose a sus propios recuerdos ella decide, reconocer enfrentar y redescubrir su cuerpo, su sensualidad y por que no decirlo su sexualidad, Carla se reinventa y además da una mirada a las diferentes culturas que aparentemente son distintas, pero están unidas con el común del genero.

Chávez Keller nos tiene acostumbrados a sus bellos paisajes de la serranía del Perú y las puestas de sol de su querido Tumbes, verla en esta nueva etapa de su pintura es mas que una referencia estética, nos invita a una meditación profunda sobre la manera de como las mujeres manejamos nuestro cuerpo, y vamos llegando a los 40s volviéndonos mas seguras, mucho mas intensas en todo el sentido de la palabra, a veces este cuerpo femenino que albergo en su vientre la maternidad dejando huellas que se establecen como un rictus que nos acompaña a través de los años volviéndolo mas interesante y atractivo. Selene Cixous, plantea que la mujer tiene que escribir: “sobre si misma sobre su cuerpo e incrustarse dentro de su propia historia y dejar constancia genérica-sexual.” Chávez lo hace a través de su leguaje plástico.

Chávez Keller ha tomado su pintura como una herramienta y un pretexto para hacernos entender que podemos despojarnos de los temores y mostrarnos con natural sensualidad, con desenfado y hasta con actitud de entrega en muchas ocasiones y que esta condición no se contradice con ser luchadora, guerrera, escritora, madre, hermana, amiga y compañera.Zen-sualidad es una muestra que vale la pena observar con atención y así poder entender los lenguajes y la magia del cuerpo femenino.

Esther Oblitas Vallejo

TERESA BURGA - Informes. Esquemas. Intervalos.17.9.10

2010-10-05T17:39:00.000-07:00

Esta exhibición antológica resitúa la presencia decisiva -tanto por su audacia experimental como por su lucidez– de una trayectoria que ha resultado un caso marginal

e inexplorado para la historia del arte peruano contemporáneo. La obra y proyectos de

Teresa Burga (Iquitos, 1935) aquí desplegados no se proponen simplemente ampliar los

referentes de una narrativa ya consolidada, sino sacudir los criterios a través de los

cuales –a falta de un debate e investigación continuos, coludido con una empobrecida

recepción– se ha construido un consenso más o menos homogéneo sobre lo que el

circuito local de las artes visuales pondera. Frente a esa historia esta exhibición marca

un recorrido disidente, y pretende ser menos una contribución que la puesta en

evidencia de un permanente conflicto.

Es desde aquella discontinuidad que su obra comienza hoy a sostener un enrarecido

diálogo con experiencias del arte más reciente. Esta producción se caracteriza por una

enérgica disolución del objeto (artístico): una erosión y señalamiento crítico de sus

soportes materiales, pero así también sociales. No es difícil leer tras los desencuentros y

silencios alrededor de su trabajo las rupturas e ilusiones desplazadas del anhelo

desarrollista a mediados de los 60, las posteriores contradicciones de la promesa

revolucionaria, así como las diásporas en el escenario de violencias extremas de los 80.

Para éstos últimos contextos, las tentativas de Burga serían poco menos que

compresibles. Pese a ello, la ostensible vitalidad revelada (muchas de sus obras son aquí

por primera vez exhibidas) nos introduce a uno de los más intensos itinerarios en el

reverso de la historia.

Obra que desaparece

Egresada de la Universidad Católica en 1964, su trabajo recorre el campo de la pintura y

el grabado en la primera mitad de los 60. Su serie de linóleos Lima imaginada (1965)

ofrece representaciones urbanas realizadas a partir de imágenes guardadas en la mente,

suprimiendo con ello el protagonismo del referente concreto. Poco después, Burga

participa de las transformaciones renovadoras en la plástica y la consolidación de

tendencias de vanguardia a través del Grupo Arte Nuevo (1966-1968). Tras una

ausencia de dos años a fines de esa década, la artista regresa a Lima luego de sus

estudios en el School of the Art Institute de Chicago. Desde entonces incorpora

procesos experimentales y nuevas estrategias creativas: el uso de tecnologías de la

información, registros científicos y un claro interés en trabajar con ‘conceptos’. Su

trabajo deviene muchas veces en reportes, descripciones y esquemas que documentan

acciones o propuestas a realizar, utilizando la estadística para releer el entorno. Y en

otros casos, traduciendo la realidad y el lenguaje a diferentes códigos, cuantificando y

problematizando una existencia que suponemos concreta y que Burga ausculta con

cierta obstinación, ya se trate de su propio cuerpo, un poema, una comunidad definida o

un segmento concreto del espacio urbano.

Escasas serán, sin embargo, las posibilidades de mostrar su experimentalismo más

enérgico. Serían tan solo dos sus apariciones públicas en el contexto artístico limeño de

los 70: Autorretrato. Estructura-Informe 9.6.72 (1972), y 4 mensajes (1974), ambas

exhibidas en la salas del ICPNA. En aquel reformismo militar su propuesta será una

afrenta prácticamente sin interlocución. Burga emprende, no obstante, un

ininterrumpido trabajo que abarca series de dibujos, juguetes no-útiles y proyectos

imposibles.

Perfiles y brechas

Reaparece en la escena a inicios de los 80 cuando presenta, junto a Marie-France

Cathelat, el proyecto Perfil de la mujer peruana (1980-1981). Expuesto inicialmente en

el I Coloquio de Arte No-Objetual y Arte Urbano en Medellín y luego en el Auditorio

del Banco Continental en Lima, esta obra despliega una investigación y estudio

sociológico sobre la situación de la mujer de 25 a 29 años de la clase media peruana,

realizada a través de encuestas sobre la condición femenina desde sus aspectos políticos,

económicos, religiosos, raciales, jurídicos y sexuales. Ya en 1967, a través de maniquíes

y ambientaciones pop, Burga había adelantado una reflexión sobre el sentido común que

asocia indiferentemente lo doméstico y lo femenino. Manteniendo un mismo aliento, la

brecha entre ambas propuestas es también el periodo de consolidación de una nueva

agenda feminista local.

Como los intervalos de tiempo rigurosamente consignados en varios de sus dibujos --a

modo de cronómetro que registra el proceso de producción de la imagen-- esta

exposición es también un intento de tomar el pulso al presente. Así como Burga ha

producido un conjunto de documentos rigurosos del pasado reciente, y no solo en el

terreno de lo artístico, el recorrido que aquí se propone es una suerte de archivo que

pone en intervalo precario las bases en las que se ha consolidado el lugar común de la

historia del arte en las últimas décadas.

Emilio Tarazona + Miguel A. López

Lima, agosto 2010

VISION Y SIMBOLO

2010-09-26T06:44:00.000-07:00

Las culturas precolombinas siempre tuvieron un tipo de cosmovisión holista: todo es uno y lo mismo, finalmente. El espíritu del cerro, el espíritu de la laguna, el espíritu de las plantas, todo eso estaba integrado en una unidad indivisible, y, al entrar en comunicación con alguno, entraban en comunicación con el todo.

Para lograr esto, estos hombres se valían del uso de ciertas plantas que ellos consideraban “sagradas” y que ahora nosotros denominamos “psicotrópicas”: la Ayahuasca, la hoja de Coca, el cactus San Pedro. Ellas les permitían un grado de apertura al cosmos que los volvía extremadamente receptivos a todas las manifestaciones de los espíritus, haciéndolos trascender su experiencia privada y llegar a una experiencia cósmica. Era en esta experiencia, en este tipo de visión, que ellos encontraban las imágenes de sus deidades y las hacían parte de su mundo iconográfico.

Belinda Tami, Consuelo Amat y León y Narda Allende nos invitan a presenciar sus interpretaciones de este proceso de constitución que va desde la visión hasta el símbolo. Cada una de nuestras artistas ha decidido mostrarnos un lado del proceso distinto. Belinda nos ofrece, mediante sus trabajos de pintura y grabado, los hallazgos de una investigación sobre la hoja de Coca que la ha llevado por países como Alemania, Bélgica y España. Consuelo Amat y León comparte con nosotros a través de sus pinturas su profunda investigación sobre la Ayahuasca y el espíritu de la serpiente (Amaru). Por su lado, Narda Allende nos presenta sus reflexiones sobre la presencia del cactus San Pedro en las imágenes que espontáneamente a veces nos brotan.

Estamos, en suma, ante tres ópticas distintas y complementarias que intentan no solo reinterpretar vivencias milenarias sino también mostrarnos su vigencia en la actualidad, reconociendo en la experiencia chamánica la actualización de dicho proceso y en nuestra búsqueda de espiritualidad, esa necesidad de conexión con el todo.

Sandra Rivera Florez

Hilo Global Conductor

2010-09-20T09:52:00.000-07:00

“Como el himno de Nazca sus líneas treinta y ocho millones de años, después de que la luz grabó una orden en la tierra, en su memoria restaura para siempre el lenguaje que convierte la luz ultravioleta e infrarroja, en hilo global conductor del poder popular del arte.”

La luz para los humanos es visible por cinco variaciones de color, y aun mas, dos colores que sumados conforman el total del rango lumínico, el ultravioleta y el infrarrojo, que son parte de la estructura formal de la verdadera luz de los colores invisibles, una armonía perfecta en la cual sin ello la vida y las formas (tales como las conocemos) carecerían del verdadero sentido, de lo integral, de lo que suma y se encuentra en la armonía perfecta.

Ajenos a la vista aquellas gamas no aptas para el ojo sucumbieron al olvido, sin embargo aquella luz interior diseña un lectura total en el planeta que habitamos y que el común denominador ve sin aquellos ases; Con la armonía completa e indivisible a la luz de las sombras, la lectura acarrea otros principios, que son también universales, aquella claridad del espectro nos señalaría una lectura dirigida a otros destinos.

Los rayos son las líneas que dibujan los contextos, las lecturas de las mas ambiciosas esperanzas, las de conseguir a fuerza, el mensaje de su primigenia y primitiva intuición, la de la geometría del espacio que representa.

Son estos hilos signados por las fluorescencias que suscriben un paisaje cultural que manifiesta la verdadera expresión del todo y que son la fiel impresión de la geometría global a la que se integra el tiempo.

©Pablo Villaizán
Barcelona, Setiembre del 2010

JUSTO Y NECESARIO

2010-09-13T21:09:00.000-07:00

El Perú, pareciera, vive una REVOLUCIÓN CAPITALISTA que dinamiza económicamente a la sociedad como probablemente nunca antes en su historia republicana. Jamás lo suficiente, claro, y con las consabidas INEQUIDADES. Pero esta exposición no se ubica bajo el horizonte remoto de UTOPÍAS sin mácula, sino en la brega inmediata por la dignificación gradual y FACTIBLE de nuestras existencias ciudadanas.

Las luchas por la CIUDADANÍA PLENA en un país donde las muchas renovaciones no siempre se ven acompañadas por un Estado letárgico, reacio ante los IMPERATIVOS HISTÓRICOS de sus propias reformas: la actualización urgente, pero una y otra vez postergada, de estructuras que se mantienen peligrosamente anacrónicas, COLONIALES casi, en contradicción con el contexto general de TRANSFORMACIONES múltiples.

Un Estado PRE-moderno en una sociedad sesgadamente POST-moderna. O al menos así parece percibirlo la imaginación popular. También cierto IMAGINARIO artístico, evidenciado en parte por esta exposición: la personal y subjetiva interpretación de nuestro sistema de ADMINISTRACIÓN DE JUSTICIA en la mirada de cinco artífices, incitados por el taller de artes serigráficas LLAVENELOJO, de CARLOS TRONCOSO, a participar en la especial carpeta de grabados comisionada por el estudio jurídico DEUSTUA & HALPERÍN, Abogados.

El décimo quinto aniversario de ese bufete sirvió precisamente de motivación primera para una iniciativa que, sin embargo, se proyecta hacia CRITICIDADES más amplias. Para mejor perfilarlas, esta muestra suma a los cinco grabados otras obras de sus mismos autores, bajo un título que recoge cierta fórmula legal de ambivalencia inquietante: DEBIDO PROCESO. Una reivindicación histórica de los DERECHOS inalienables de toda persona inmersa en una situación judicial, sin duda. Pero también un recurso para MANIPULACIONES maliciosas que entrampan procedimientos e investigaciones buscando torcer la razón jurídica con dilaciones KAFKIANAS.

Un tema que en estos días ha adquirido escandalosa pertinencia por el decreto que consagra pretextos procesuales para obtener la IMPUNIDAD ante las violaciones de los derechos humanos. Algo significa el que la gran controversia resultante coincida con la apertura de esta exposición, programada meses antes. El AZAR no existe.

Menos aún la ARBITRARIEDAD: aunque en registros muy diversos, cada uno de los artífices aquí participantes ofrece sentidas y poderosas reinterpretaciones de las relaciones ciudadanas con la justicia.

A veces desde claves abiertamente SARDÓNICAS, como en la estampa de PIERO QUIJANO, inspirada en la “Tremenda Corte” de Leopoldo Fernández, el popular cómico Tres Patines. Y en el acompañamiento preciso de los cinco dibujos seleccionados del archivo interminable de las viñetas periodísticas que han hecho de su autor nuestro implacable cronista gráfico. Una suerte de DAUMIER peruano.

Ironías que adquieren pautas DRAMÁTICAS en las trasfiguraciones expresionistas con que la serigrafía de JORGE CASTILLA BAMBARÉN somatiza las desgracias del reo “empapelado” por demandas interminables e interesadas. Un DESBORDE de códigos insinuado también, con vocación distinta pero en interesante analogía, por el notable retablo anterior que en esta exhibición le sirve de correlato.

Un CONTRAPUNTO objetual, formulado con otras maneras e intenciones por la fuerte carga simbólica de una multitud de manos cerámicas reflejadas en negativo “bajo la mesa” y “a medias tintas”: son los elocuentes títulos escogidos para la serigrafía de CARLOS RUNCIE TANAKA, aquí reelaborada con las piezas que le sirvieron de modelo. Y con otra mayor que le otorga ominosa literalidad a la metáfora vulgar de la MANO ROTA por la corrupción.

Atención a la enorme sutileza artística que asoma tras LA EXPLICITACIÓN DE LO EVIDENTE. Estrategias llevadas a otro extremo por SUSANA TORRES MÁRQUEZ en su opción radical por la sobria pero siniestra materialidad del ready-made: las fotografías de fichaje policial que, sin embargo, personalizan sus certificados de “buena conducta”. En el Perú es la INOCENCIA la que debe ser siempre demostrada. Burocrática y DUDOSAMENTE.

Pero hay inteligencia y SEDUCCIÓN tras ese frío despliegue documental. Como en la totalidad de una exposición en la que al repertorio de MISERIAS legales los artífices oponen el despliegue crítico de GOCES. Sensuales y conceptuales. Como en el (melo)drama CHOLO-POP en que los autorretratos de CLAUDIA COCA subvierten con sus MESTIZOS llantos propios a los COSMOPOLITAS de las chicas-Lichtenstein. También desde pensamientos gráficamente revelados que friccionan discursos EJECUTIVOS con coplas PLEBEYAS de Felipe Pinglo, “el hijo del PUEBLO, el hombre que supo amar”.

Como amamos nosotros esta libérrima capacidad lúdica y creativa y crítica de un arte que apuesta por una peruanidad nueva, por una CIUDADANÍA TOTAL.

Es JUSTO y necesario.

Gustavo Buntinx

DE LO SUBJETIVO DE LO COTIDIANO

2010-08-28T08:13:00.000-07:00

La fotografía tiene como principal objetivo capturar imágenes comunes y simples a la vista de la mayoría. Pero si miramos con detenimiento a nuestro alrededor podemos descubrir un mundo casi paralelo que nadie mira pero que existe y está siempre para mostrarnos su inmensa belleza. Es así que 5 artistas visuales luego de observar hacia donde la mayoría no mira han descubierto un mundo casi paralelo con una impresionante estética, todo esto conseguido en lugares cotidianos de su entorno.

Puntos de luz en habitaciones a oscuras, restos de pintura luego de terminar de pintar un cuadro, paredes escarchadas, azúcar rubia, vidrios de colores, agua, aceite y colorantes para repostería son los elementos que han servido para crear estas fotografías complicadas de entender a primera vista pero que transmiten una gran estética visual.

Fabián Rivera Fernández

Curador

UTOPIA DE LA IDENTIDAD

2010-08-25T14:20:00.001-07:00

¿Cómo reconocer nuestra identidad, quiénes somos y qué seremos en el futuro?

Son algunas interrogantes y reflexiones que nos plantean siete artistas residentes en Trujillo.

La diferencia entre lo que somos y lo que quisiéramos ser, entre nuestra realidad y la manera como la imaginamos, así como nuestros problemas y aspiraciones, forman parte del rasgo definitorio de las obras expuestas. En ese plano también se ubican: la necesidad de entender la creación contemporánea como herramienta de reflexión, acción, interacción, intercambio, aprendizaje, comunicación; es decir el Arte como un espacio generador de propuestas utópicas y de mecanismos simbólicos donde se intenta reflejar el sentir de un colectivo humano.

De esta manera, el proyecto “Utopía de la Identidad” recoge el interés del arte por nuestro presente social, económico, político y cultural, en el que la sensación acelerada de transformaciones forma parte del estado de normalidad.

“Utopía de la Identidad” se presenta como un discurso que enlaza distintas visiones de nuestra sociedad. En definitiva, la exposición recrea un escenario de rearticulación de discursos, cuestionamientos y reflexiones críticas entorno a la construcción, reafirmación y desarrollo que viene adquiriendo el término identidad en relación con los cambios que vive el colectivo humano de Trujillo, asimismo, la posibilidad de metaforizar e idealizar la complejidad de nuestro contexto social desde una óptica estética-experimental, no objetual. Es decir de formas desmaterializadas de arte.

Participaron en esta muestra:

Alejandra Delgado / Juan Chávez / Wendy Castro / Paúl Zelada / Grace Sandoval / Oscar Vega / Juan Carlos Alvarado

Curaduría:
Carlos Chávez Alvarado

OSCAR ARARIPE

2010-08-24T16:59:00.001-07:00

AS FLORES DE OSCAR ARARIPE

Pocas entre as inumeráveis formas de vida que acompanham a aventura humana na Terra alcançaram a presença simbólica das flores, e isso desde a noite dos tempos. Como as pedras preciosas entre as formações inorgânicas, as flores se nos revelam como as criações esteticamente mais altas do fenômeno vital, acrescentando a seu encanto o encanto oposto ao daquelas, ou seja, a sua extrema brevidade no tempo, ao contrário da incomensurável duração dos minerais e das gemas. Símbolos da vida, que através delas se espalha no reino vegetal, são igualmente símbolos da morte, por acompanharem os homens em sua última viagem, desde as mais remotas civilizações. Na Idade Média, período onde a simbologia alcançou requintes inéditos, foram elas elevadas a elementos caracterizadores de santos e de reis, de exércitos e de povos.

És a partir das flores que se constrói a sutilíssima arte de Oscar Araripe, um dos poucos artistas brasileiros a alcançar o difícil equilíbrio entre a exatidão e a leveza. Suas flores, ou melhor, suas naturezas-mortas onde os vasos de flores assumem o papel central, são ao mesmo tempo puras formas e puras flores. As toalhas que sustentam tais vasos quase imateriais, que atravessam às vezes a transparência dos mesmos, são formas puras igualmente, ou ondas, os reflexos horizontais da quase verticalidade dos caules, ou pequenas esferas luminosas, translúcidas. Vez ou outra, uma paisagem inspirada na perfeita harmonia das cidades setecentistas de Minas evoca-nos o grande Guignard, apaixonado, como Oscar Araripe, por essa ambiência específica, que alcança uma harmonia entre o natural e o arquitetônico única na visualidade brasileira. Mais do que tudo, no entanto, as flores dos seus quadros são como borboletas, as suas pétalas são asas, e não sabemos se as flores são borboletas pousadas nos caules ou se as borboletas são flores que passaram a voar. A bidimensionalidade dominante em seus quadros remete-nos, por outro lado, a algo da pintura oriental, a pintura desse Extremo Oriente onde o sentido da natureza ritmava e conduzia todas as coisas. O que domina fulcralmente a sua pintura, no entanto, é um cromatismo muito característico, um cromatismo eternamente diverso e invariavelmente único, que cria o amálgama formal de todos esses elementos.

É con grande orgullo que a Galeria Manuel Bandeira acolhe, portanto, a presente mostra desse grande artista brasileiro, pleno de vitalismo e de autenticidade, esta autenticidade que talvez seja a mais importante, ainda que tão rara, postulação de qualquer artista verdadeiro.

Alexei Bueno, poeta e escritor, curador da Galeria Manuel Bandeira, da ABL.

Latifa Echakhch : LA RONDA

2010-07-22T17:19:00.000-07:00

«Me gusta trabajar con lo que suele llamarse “herencia cultural”, pero los materiales que empleo son muy banales, como clichés, como bloques de azúcar, puertas, cuscús, alfombras, documentos oficiales.»

Latifa Echakhch

Hace seis años, Latifa Echakhch (El Khnansa, Marruecos, 1974) expuso su French Touch (autorretrato): se trata de la fotografía en color, de tamaño natural, de un brazo –su brazo–, alzado verticalmente, con la mano cerrada mostrando las uñas en las que se aprecia la manicura «francesa» –de color tenuemente rosado y con un ribete blanco en la parte exterior– que la artista de origen marroquí posee de forma natural. Un gracioso juego de palabras alusivo a la ambigüedad de su «identidad» nacional, su adscripción a la Francia no solo de adopción como inmigrante, sino incorporada a su propia constitución biológica, según demuestran de manera fehaciente las uñas, así convertidas en un inmanente Documento Nacional de Identidad.

Los deslizamientos de sentido como este, desde la convención semántica a la identitaria y viceversa, con todas sus contradicciones implícitas, sus paradojas, sus irrisiones y hasta sus posibles escándalos, son característica fundamental en la estrategia contestataria de Latifa Echakhch. Igualmente cruciales son los desplazamientos físicos de los signos de identidad hacia contextos o soportes donde cobrarán uno o varios sentidos nuevos, o revelarán aspectos inesperados y chocantes de su sentido original (y donde pueden, además, irradiar la sugestión subversiva y fascinante propia del «objeto encontrado» surrealista). A partir de sus raíces en el arte conceptual, Echakhch recurre a cualquier lenguaje y técnica a su disposición, sean instalaciones, vídeos, objetos escultóricos, materiales humildes de la vida cotidiana o happenings.

Por ejemplo, en Alien of Extraordinary Ability (2005), la reproducción, en una solemne placa de metal dorado y bruñido, del visado estadounidense que se concede a «Extranjeros con habilidades especiales». O el Certificat de Vie (2002) que un ciudadano marroquí puede adquirir en la embajada de su país en París y que demuestra que el ciudadano en cuestión está vivo y puede usar ese papel para demostrar su existencia. Documentos administrativos así artísticamente descontextualizados desprenden su extrañeza, difunden el sentimiento de absurdo burocrático o de injusticia y se transforman en invitaciones a la reflexión crítica.

La artista suele aprovechar los espacios donde se le invita a exponer para encontrar pistas que le orienten y le permitan realizar un trabajo específico sobre el terreno. Por ejemplo, el vídeo Sin título (2005) describe la marcha de una nutrida manifestación de protesta política por un bulevar de París y, tras su paso, la rapidísima y muy eficiente tarea de barrenderos y basureros, que dejan impoluto el bulevar. La manifestación de protesta y la limpieza de los papeles, envoltorios, pancartas y demás parafernalia que ha dejado a su paso dura exactamente 23 minutos. La reintegración del escenario de la protesta a la rutina diaria –y secular– tiene aspectos cómicos y también alucinatorios. El vídeo es, por supuesto, una declaración de escepticismo. «En París se celebran cinco manifestaciones por semana», explica la autora, «pero no cambia nada, es como si no hubiera pasado nada. Ese es el pobre legado de la Revolución Francesa y del 68».

Invitada a exponer en Bangkok en 2003, Latifa Echakhch colgó de la pared de la galería una decena de sobres de correo aéreo abiertos para recibir el serrín producido por la perforación de otros tantos agujeros de un diámetro de 9 milímetros –calibre habitual de los proyectiles de las pistolas–. Estos sobres estaban remitidos por ella, desde su dirección en Bangkok, y dirigidos a ella misma, en su domicilio europeo. Era su forma sutil, provocativa y también estéticamente llamativa de invitar a considerar los sangrientos acontecimientos relacionados con la lucha contra el narcotráfico que, en las breves semanas de su estancia en la capital tailandesa, había provocado 1.500 muertes violentas.

Latifa Echakhch hace extensiva su invitación a la reflexión crítica –y la ambigüedad en el estricto sentido lingüístico a la que nos referimos al principio de este texto– a su propia condición de artista internacional en nuestro mundo globalizado. Así, en Hospitalité (2006) graba de una manera tosca en lo alto de la pared de la galería el texto «Espace à remplir par l’étranger» («Espacio a rellenar por el extranjero»), texto que figura en los formularios administrativos que los inmigrantes deben cumplimentar para obtener el permiso de residencia. «Esculpida» en la galería, la frase sugiere, entre otras cosas, una invitación a participar. Y al final de la exposición, por supuesto, la pared deberá ser restaurada y la cavidad creada por el texto deberá ser «rellenada» para que quede como estaba antes: tarea típicamente reservada a los trabajadores inmigrantes.

En la exposición del MACBA, Latifa Echakhch presenta tres instalaciones realizadas a propósito para este espacio. Dos de ellas se refieren a los flujos humanos que, procedentes del norte de África, se han dirigido tradicionalmente a Europa y en parte se asientan en España, huyendo de la miseria o en expediciones bélicas. La pieza central, Fantasia (2010), está constituida por catorce mástiles de bandera distribuidos en diferentes ángulos por todo el espacio expositivo.

Su título alude a la «Fantasía marroquí», alarde festivo y deportivo tradicional de Marruecos en el que un grupo de jinetes cabalga y dispara al mismo tiempo sus armas de fuego, de manera que todos los tiros suenen al unísono. Y simultáneamente alude a la imagen característica de las plazas de Estrasburgo donde tienen sede los organismos internacionales, frente a los cuales suele exhibirse una batería de banderas con los colores de los diferentes países representados. Desnudos de sus telas con los escudos nacionales, y distribuidos estratégicamente para sugerir distintas perspectivas y ritmos volumétricos, los mástiles de esta Fantasia invitan a meditar sobre el carácter reversible y relativo de los símbolos nacionales y de la identidad que representan, y apelan a la idea de multiculturalidad.

En la segunda pieza, Eivissa (2010), los naipes de la baraja española que se usan para jugar a la ronda tanto en Marruecos como en España asoman bajo pedazos de las plataformas de hormigón que se construyeron en Eivissa, durante la guerra civil, para asentar los campamentos de los soldados marroquíes que el general Franco enroló en su ejército faccioso. La contigüidad de ambos elementos, espacios y rituales de transición entre dos países, entre dos culturas, propone relaciones dialécticas entre el juego y lo dogmático, lo compartido y lo impuesto, lo que pregona su naturaleza fluida y transitoria y lo que se impone como definitivo pero está igualmente sujeto a su propia ruina.

Latifa Echakhch vive y trabaja en Paris y en Martingny (Suiza). Su trabajo ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas,en Le Magasin de Grenoble,la Tate Modern de Londres, el CAC de Vilna , en la bienal Artfocus de Jerusalém, en la manifiesta 7 de Bolzano en Italia, la Kunsthaus de Zurich y el Swiss institute de New York ,entre otros. Esta es su primera exposición en España.

Publicacion obtenida de la serie Capella MACBA

Lluvia de color / Obras de Manuel Armas

2010-06-13T21:16:00.001-07:00

El proceso artístico del artista Manuel Armas, te introduce al goce y al disfrute del juego, donde la intención de apoyar los ojos en las cosas simples, frescas, espontáneas y directas que incitan a jugar, te establece un punto de partida a lo esencial, a lo que te lleva a ser niño otra vez.

Recuerdos que siempre están en su mente, juegos, robots, muñecos, osos, animales, y hasta dioses creados por su imaginario, como los niños o bebes, transformados en pequeñas figuras haladas, otorgándoles personalidad con un sin fin de detalles, nombres y hasta minúsculas figuras de animalitos, florcitas, que los conduce a la vida a través de materiales diversos, como lo es la resina, (su principal aliado en la creación de sus obras), las cuentas de colores, figuras infantiles y “abarrotamiento” del color convirtiéndolos en golosinas, lluvia de colores…

Color que fluye, que da alegría, que da vida, eso místico, que se une con lo espiritual y lúdico a la vez, de una fiesta infantil, en un solo instante donde convergen ese goce de vida, de felicidad, de dulce, que se encarga de transmitir a través de tiernos osos saturados de cuentas de colores que te trasladan a un mundo, o a su propio mundo, donde coexisten con la realidad y la fantasía, dándole vida a unas ilusiones infantiles.

Al ver y conocer la obra, el artista ansia rebautizar la ilusión, necesitando recobrar la distancia de lo perdido y esperando atrapar de la memoria de algún espectador, un eslabón olvidado que pertenezca a su historia personal, convirtiendo en un pretexto, la experimentación con materiales, color y diseño; guiándose a través de señales que organicen su proceso creativo, lo cual lo lleva a reinventar objetos, que luego convierte en elementos lúdicos, como lo son sus obras.

Lic. Julia Mariexy Villasmil.
Museóloga

FIJACIONES DE DANIEL VARGAS

2010-06-05T11:37:00.000-07:00

Lima y sus calles. Tiendas, cafés, aparadores, cromos y espejos, vitrinas y reflejos. Somos millares, somos ninguno, somos todos. Es la gran urbe, donde cual moderno laberinto, el individuo divaga en búsqueda de su camino, de su ser. Múltiples rostros habitan estos lienzos expuestos, quebrados, fraccionados. Ciudad de geografías intrincadas, de miradas y visiones a la vez que moradas que refugian y guardan, sobretodo que esconden.

Lo que nos devela en su segunda individual Daniel Vargas Rodríguez, artista egresado de la casi centenaria Bellas Artes es el apabullante desborde de jóvenes fascinados ante esta ciudad de neón y cromos. Extraños seres que han llegado a confrontar con desparpajo toda nostalgia, toda melancolía pasada, buscando cancelar fracasos y falsas promesas de adultos que deambulan por una ciudad que los aterra, que la desconocen en su falso deterioro y distorsion, mayores desilusionados y envejecidos. Esta Lima no es mas su ciudad.

FIJACIONES es así la profusa crónica personal que en sus colores y su mirada nos habla con ironía y con furia, de la búsqueda de protección y sentido, de la urgente necesidad de una nueva utopia urbana para las individualidades de la actual generación. Generación cansada de sueños prestados, del gastado reflejo de lo colectivo, hoy confundido en los referentes masificantes, expresión vacía y exagerada de la individualidad. Envilecida careta del individualismo.

De esos jóvenes hombres y esas jóvenes mujeres vienen sus fulgores y esperanzas. De ellos son la nueva historia nacional.

César Augusto Ramos Aldana
antropólogo y curador independiente

Bellver : Andanzas, danzas y mudanzas 1976- 2010

2010-06-02T18:50:00.000-07:00

Fernando Bellver (Madrid, 1954) Premio Nacional de arte grafico 2008 es uno de los artistas plásticos españoles más reconocidos en España y en el ámbito internacional, hecho que avalan sus 516 exposiciones a lo largo de tres décadas. Descendiente de una estirpe de escultores Bellver es nieto de Ricardo Bellver y biznieto de Francisco Bellver-, este pintor, dibujante, grabador y escultor ejerció también una notable actividad en el mundo de las artes gráficas como fundador del Taller Mayor 28 de Madrid.

La obra de Bellver ha sido expuesta en prestigiosas galerías, instituciones y museos de cuatro continentes. Numerosos han sido también sus viajes y estancias en diversos lugares del mundo, a los que ha acudido para impartir clases de grabado como profesor invitado, abrir talleres como experimentado grabador e impresor, dar conferencias y participar en jurados.

El temprano descubrimiento de su irrefrenable vocación y de sus extraordinarias dotes para el dibujo impulsó a la madre de Fernando Bellver a matricularle con 11 años en la Escuela de Artes y Oficios de la calle Don Ramón de la Cruz de Madrid. Para ello hubo de vencer obstáculos estatutarios y prejuicios morales, dado que el candidato no reunía la edad mínima reglamentaria y que los rectores de la institución temían que el pequeño pudiera sufrir algún trastorno a la vista de las modelos en las obligatorias clases de dibujo de desnudo natural. Gracias a la insistencia maternal y a la celebridad artística de sus antepasados familiares, pudo el atribulado candidato someterse a las pruebas preceptivas de dibujo con una modelo desnuda. El éxito fue tan rotundo que el precoz estudiante accedió directamente al 2º curso y además obtuvo sus primeros ingresos vendiendo desnudos a los compañeros del colegio. En 1972, con 18 años, realizó Bellver su primera exposición de dibujos en la Librería Machado de Madrid.

Su temprana vocación artística se manifestó también en el campo de la escultura, donde siguió una formación intensa, pese a lo cual no pudo realizar sus proyectos escultóricos hasta décadas más tarde, en que ya dispuso de medios económicos suficientes para costear la fundición de sus obras.

En los años 70, la entrada en contacto con el grabador Dimitrio Papageorgio, que mantenía un taller en la calle Modesto Lafuente, fue determinante para su aprendizaje del aguafuerte y el inicio de su celebrada trayectoria en el campo del grabado.

Los méritos artísticos de Fernando Bellver han sido reconocidos con valiosos premios, entre los cuales destacan: la Medalla de Plata de la Bienal de Grabado de Ljubljana, la Medalla de Oro de Grabado de la III Bienal de El Cairo, la Medalla de Oro de Grabado de la Bienal de Alejandría y el Premio Nacional de Arte Gráfico 2008

Bellver se dedica tres meses del año a pintar, tres a esculpir, tres a grabar y el resto a viajar. Los cuadernos de viaje que escribe y dibuja durante sus periplos por Egipto, Sudán, México, Nicaragua, Cuba, Nueva York, Tokio o Hongkong son cautivadoras crónicas de vivencias personales y fuente inagotable de ideas y ocurrencias que le sirven de inspiración para sus posteriores trabajos en el estudio.

Andanzas, danzas y mudanzas

Es la exposición con la que la galería Círculo del Arte celebra el retorno de Bellver a Barcelona tras más de diez años de ausencia. La muestra recoge por vez primera piezas representativas de todos los campos del quehacer artístico de este proteico creador, que transita con enorme libertad, humor e ironía por la historia del arte y se nutre a placer de su arsenal de temas y lenguajes.

©Pablo Villaizán
Barcelona, Junio del 2010

EL VACIO COMO EXPRESION

2010-05-17T18:40:00.000-07:00

Carlos Runcie Tanaka presenta “Into White / Hacia el Blanco” en el ICPNA de Miraflores hasta el 20 de junio.

Para los antiguos caldeos el cangrejo estaba relacionado a la renovación y el cambio. Justamente, y de forma deliberada, se pueden asociar estos dos conceptos a la intensa y novedosa propuesta que presenta Carlos Runcie Tanaka en el ICPNA de Miraflores, quien expone luego de dos años de ausencia en salas limeñas. Esta gran instalación, pone en evidencia, y en cuestión, la pertinencia de aquel “cubo blanco hermético” como dijo H. Sayre (1989). Definitivamente, este proyecto en una puesta en escena, casi escenográfica, donde los espectadores son por instantes parte de la obra.

El minimalismo es entonces incontenible y exacerbado, por momentos gélido. Se trata de una propuesta en la que no se exponen los treinta y seis cangrejos que acompañan el recorrido por el espacio. No se exponen elementos como el papel, el cristal, la cerámica o la video-proyección. Aquí se expone contundentemente la ambientación, el espacio y la atmosfera. Se expone el vacio en su máxima expresión.

La propuesta museográfica es imponente. Un papel continuo blanco delimita un recorrido cargado de trasparencias y reflejos, al final de todo esto un corazón late en una proyección circular. Estamos entonces mirando nuestro propio cuerpo (alma). Decisivamente, se trata de un momento de introspección y de paz. En esta exposición no se debe pretender ir a ver obras de arte, se tiene que ir a vivir –y sentir– un espacio y un momento, el aquí y ahora en un lugar. Una múltiple interconexión de disciplinas afines donde arte, arquitectura, diseño de interiores, de iluminación y de sonido forma parte de una intensa teatralización del espacio. Impulso y necesidad. El propio Runcie Tanaka califica así esta ambientación: “Este trabajo es una respuesta a la situación no esperada que viví en el año 2008. Surge entonces el impulso y la necesidad de encontrar nuevos asideros para juntar mente, cuerpo y alma: de realizar un acto de sinceridad y consecuencia con la vida misma”.

Explícitamente podemos leer la manera como tras superar una situación extrema son vitales esos momentos de limpieza emocional, corporal, mental y religiosa. En consonancia al concepto de cangrejo, y su antigua interpretación caldea, la renovación y el cambio es también una purificación, es la catarsis redentora. El profesionalismo de este artista visual, del curador Jorge Villacorta y del equipo técnico es patente en cada detalle de este gran proyecto. “Into White / Hacia el Blanco” es una propuesta prefabricada y con una gran manejo de presupuesto, la cual evidencia esas nuevas dinámicas que dominan las artes visuales (y su exhibición) en el panorama internacional. Una gran producción, para una gran ambientación.

DAVID FLORES-HORA

CELEBRANDO A VAN GOGH

2010-05-08T11:10:00.000-07:00

¿Qué seria de la vida si no tuviéramos el valor de intentar algo nuevo?
Vincent Van Gogh

Habrá que hacerse la pregunta, ¿por qué pensar hoy en VINCENT VAN GOGH en una ciudad como Lima y en este momento del siglo XXI? ¿Porque fue un pintor vehemente que rozó con la locura? ¿Porque fue uno de los pintores mas personales y audaces de todos los tiempos? ¿Por que todos lo amamos? Y encontraremos que sea cual sea la razón o pretexto para hacerlo, lo más importante resulta la respuesta: por educación.

Durante los últimos 20 años, la “Educación por el Arte” ha sido desterrada de las escuelas públicas (salvo honrosas excepciones) dejando grandes vacíos de conocimiento en el futuro público, y es posible que ningún niño, ninguna niña haya oído ni oirá hablar nunca de VAN GOGH en su aula. Obviamente, tras haber perdido este tiempo; esta oportunidad para formar la sensibilidad de nuestra población es un privilegio que no podemos soslayar.

La interconexión de los tiempos actuales ha permitido que, más allá de las valoraciones y características específicas de cada cultura, se tenga a la mano el conocimiento y que todos los seres humanos tengamos una mirada “estándar” del mundo. Pero también es importante el reconocimiento hacia el otro y en este caso éste otro es para nosotros VINCENT VAN GOGH . Vincent no sólo fue pintor si no también un escritor notable, sus extraordinarias Cartas a Theo así lo demuestran y nos brindan un material indispensable para poder entenderlo y comprenderlo.

En esa medida, recrear la obra del genial pintor holandés desde la mirada de los artistas peruanos es un homenaje a la universalización de la cultura y, al mismo tiempo, un canto al mestizaje. Una conexión de sensibilidades que, en momentos como los actuales, escapa a la definición de las fronteras.

Un objetivo adicional de esta muestra colectiva ha sido “perseguir” a VAN GOGH a través de su obra y entender cómo ésta se ilumina a medida que él, paradójicamente, va perdiendo lucidez. Parte importante de nuestras referencias proviene de las cartas que le escribe a su entrañable hermano Theo. En ellas, el artista revela cómo su pasión por el arte termina socavando su espíritu, aislándolo y traicionando su propia esencia.

“CELEBRANDO A VAN GOGH”, la muestra que hoy presentamos, es el resultado de la voluntad de un grupo de artistas por resucitar, desde sus propias vivencias, el alma inmortal de VINCENT VAN GOGH. Para elaborar su obra, cada uno de ellos ha debido “meterse” en la mente del Pintor, entender sus tormentos e investigar a fondo su vida y su obra. Tanto el proceso como los resultados han sido enriquecedores y estimulantes.

Hemos incluído, además, una biografía cronológica del artista y la instalación de su famoso dormitorio en Arles. Siéntese en su silla, recuéstese en su cama, mírese en su espejo… esperamos encuentren adentro parte de ese indomable espíritu y apasionado amor por el arte.

Esther Oblitas Vallejo
Miraflores, 10 de abril de 2010

Picasso y la estampa erotica japonesa

2010-02-15T13:51:00.000-08:00

El Museo Picasso de Barcelona exhibe imágenes Secretas. Picasso y la estampa erótica japonesa, una exposición que por su contenido puede catalogarse como extraordinaria, ya que por primera vez se podrán apreciar algunas de las estampas japonesas que el artista tenía y con las que establece un diálogo «muy revelador» a través de sus grabados.

Que a Picasso le gustaba el sexo más que la miel al oso es cosa sabida. Toda su obra resume erotismo y así ha quedado claro en las diversas exposiciones sobre que se han venido haciendo. Lo que no era tan conocido es que atesoraba una excelente colección de estampas eróticas japonesas y que éstas, además, le influyeron en algunas de sus series de grabados. Pues, aunque no hay una estricta correspondencia formal, sí que pueden apreciarse curiosas coincidencias de composición en la manera de acoplarse de los amantes o en el interés por forzar la postura de manera que se aprecien los órganos genitales. Un poco a la manera de los shunga japoneses, una versión erótica de los ukiyo-e, de utilidad meridiana, en la que la delicadeza del dibujo no impide mostrar los coitos con todo detalle.

Con el fin de establecer un diálogo sugerente, se han seleccionado algunos de los grabados eróticos del mismo Picasso , se verán por primera vez 19 de los 61 grabados japoneses que atesoraba y que ahora guardan sus familiares, entre otras obras de diferentes autores (japoneses y occidentales) que nos aproximan al fenómeno de la difusión del arte japonés y nos revelan cuáles fueron los vínculos entre este arte y la obra picassiana.

Picasso, recuerda la comisaria, no se desprendió nunca de su colección de estampas japonesas sino que las fue juntando con las obras de otros artistas, estas lo acompañaron siempre en sus múltiples cambios de residencia, por lo que no es extraño que en algún momento se fueran convirtiendo en fuente de inspiración

Gual, comisario también de la muestra argumenta que el itinerario expositivo de la presente exposición establece "un diálogo abierto tanto en las soluciones compositivas similares, como en el tratamiento formal utilizado para describir el desnudo femenino y la exploración del deseo masculino y el acto amoroso".

El director del museo Picasso, Pepe Serra, también ha destacado que "esta exposición supone una aportación inédita por el conocimiento de la obra, los intereses y las fuentes de referencia del artista, y abre nuevas vías de investigación para dotar a la obra picasiana de contextos que permitan una nueva y mejor interpretación".

La muestra está formada por más de un centenar de piezas de las cuales destacan, como núcleo central, las 19 estampas japonesas de los siglos XVII, XVIII y XIX que formaban parte de su colección.

Aunque esta claro que la mayoría de la obra de Picasso está imbuida en el erotismo y la sensualidad, los especialistas consideran que en los períodos en que se dedicó de una manera más intensa a esa temática fue en la etapa de sus inicios (1900-1908) y en la final (1964-1972)

La tesis que plantea la exposición de Picasso, da luz sobre los orígenes de los grabados eróticos del pintor malagueño, pues "hasta ahora se pensaba que el arte japonés lo había influido de manera indirecta a través de la influencia recibida por pintores como Manet, Monet, Van Gogh, Toulouse-Lautrec o Gauguin".

De hecho, cuando Picasso llega a Barcelona, con 14 años, el japonismo ya se había arraigado, y en el ambiente en que después se movió en la ciudad, el japonismo se manifestó sobre todo en el café-restaurante Quatre Gats.

En la exposición se exhibe por primera vez el dibujo erótico "Mujer y pulpo", realizado en Barcelona en 1903, que sigue la iconografía erótica que partía de la obra de Katsushika Hokusai "Buceadora y pulpo", en la que el animal hacía un cunnilingus a una mujer mientras la poseía con sus tentáculos.

Además se pueden ver un proyecto de cartel encargado a Picasso por la actriz Sadayakko para las actuaciones que tenía previstas en 1901 en el Théâtre de l'Athénée de París.

Una de las grandes exposiciones de la temporada llegará el 15 de octubre del año en curso. En ella se vinculará a Picasso con Edgar Degas, y sólo se podrá ver en el Clark Art Institute de Massachussets (Estados Unidos) y Barcelona. «Demuestra hasta qué punto Degas es importante para Picasso», aseguró Serra.

http://www.bcn.cat/museupicasso/ca/exposicions/encurs.html

Ambas muestras se centran en revelar nuevas fuentes del artista y analizar su mirada hacia la tradición pictórica

©Pablo Villaizán
Barcelona, Febrero del 2010

MONET*

2010-02-15T13:12:00.001-08:00

El museo Von der Heydt de Wuppertal (oeste de Alemania) presenta la mayor retrospectiva hasta la fecha organizada en un centro de arte alemán de Claude Monet (1840-1926) con cerca de cien obras del padre del impresionismo.

La abstracción del gran pintor impresionista francés - Monet – fue ocasionada por su obsesión en representar la instantaneidad en sus obras. A mediados del siglo pasado, la joven generación de pintores abstractos americanos y europeos - redescubre su arte y lo encumbra como profeta indiscutible de las corrientes matéricas de la abstracción, situándole en el lugar fundamental que hoy ocupa en la historia del arte.

Nunca antes se ha mostrado la obra del artista de forma conjunta, a pesar de que en 2001 el Hypo-Kunsthalle de Múnich exhibió "Claude Monet y los Modernos", en 2005 el Kunsthalle de Bremen hizo lo propio con "Monet y Camille", y tan sólo un año más tarde la Staatsgalerie de Stuttgart organizó "Campos en Primavera".

La exposición, que lleva por título "Monet" -a secas-, pretende recorrer toda la trayectoria del artista, desde sus primeros intentos de juventud, en los que pasaba verdaderas penurias económicas, hasta el final de sus días cuando alcanzo el éxito a nivel mundial.

Entre los trabajos reunidos se incluyen sus primeras caricaturas tanto como sus obras más tardías, a partir de 1890, cuando se estableció en Giverny (norte de Francia), en donde levantó una especie de "jardín japonés" el cual le sirvió para la realización de las célebres series de plantas acuáticas y nenúfares.

Este es un recorrido por todas sus facetas y etapas hasta que se convirtiera en uno de los artistas más influyentes en Europa, dijo Gerhard Finckh, director del museo Von der Heydt de Wuppertal.

Una de las piezas centrales es el cuadro "Ninfeas", cedido temporalmente por el museo Marmottan Monet, de París, que ha servido de apoyo durante todo el proceso de preparación de la muestra.

Muy influenciado por la "Escuela de Barbizón", considerada el antecedente directo del impresionismo y a la que se unió en generaciones posteriores con Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley, renovando las antiguas leyes técnicas sobre perspectiva y el arte de plasmar la naturaleza -plein-air-.

Sus cuadros son entendidos como símbolos máximos de la técnica impresionista al conceder un papel principal al estudio de la luz., de hecho, fue su pintura Impresión. Amanecer (1982) fue la que sirvió para bautizar a todo un movimiento de artistas del que formaban parte Edgar Degas, Camille Pissarro y Paul Cézanne, entre otros.

"Monet", se expone en el Von der Heydt de Wuppertal hasta el próximo 28 de febrero.

http://www.monet-ausstellung.de/

©Pablo Villaizán
Bonn, Enero del 2010
Todos los derechos reservados.

------------------------------------------------------------------------------
*Notas adicionales:

Falsificacion a Orillas del Sena en Port Villez

La obra “Orillas del Sena en Port Villez“, adjudicada al pintor francés Claude Monet, ha resultado ser falsa, según declaró un portavoz del Museo Wallraf-Richartz de Colonia (Alemania). Expuesto desde 1920, era considerado un integrante de una serie de lienzos que Monet habría pintado entre 1880 y 1890.

Según Stefan Swetrz, esto se descubrió cuando “el departamento de restauración analizaba unas 70 pinturas impresionistas con rayos X e infrarrojos para explicar la técnica pictórica, con motivo de una exposición que se llevará a cabo en dos semanas“. Agrega además que “una serie de elementos los llevó a examinar más detenidamente la obra y se confirmó que ese cuadro no fue pintado por Monet”.

Las pruebas realizadas fueron, primero en la firma, la cual fue retrazada más tarde para hacerla más oscura, algo que “los artistas nunca hacen con un original ya que los artistas se contentan con garabatear sus obras“.

Otra prueba es el descubrimiento de una sustancia incolora agregada a la obra, cuyo fin principal es otorgarle un aspecto más antiguo. El tercer indicio, fue el descubrir “un dibujo bajo la pintura, el cual no era del estilo de Monet“.

MUSICA: EL SONIDO Y EL SILENCIO

2010-02-08T12:26:00.000-08:00

En momentos donde la tecnología revoluciona (y evoluciona) nuestra forma de actuar y sobretodo de sentir, aún nos quedan experiencias que nos llevan a estímulos naturales, a sensaciones puras sin intervenciones de artificiales circuitos que nos mimetizan en un mundo antes futurista y que ahora existe casi inadvertido.

La música y la pintura se plantean aquí como dos motivaciones humanas, que el ser aún puede experimentar a pleno en su elaboración. La figura y la melodía, en una armonía tan personal como los gustos de cada uno, son tan auténticas como las infinitas “culturas” que cada día se descubren desde barrios locales hasta continentes lejanos.

La diversidad de conjuntos melódicos debido a pensamientos y costumbres de pueblos, ciudades, países, es importante por cómo la gente busca relacionarse de una manera sensible, quizás pacífica o unificadora y que al mismo tiempo anhela vías alternas de una comunicación más emotiva. Así también sucede con nuestras imágenes, la extensa predilección del artista y sus espectadores por los varios estilos pictóricos, históricos y contemporáneos, hacen que las oportunidades de darle a nuestro banco de imágenes sea más rico y a la vez nos permita dar rienda a la imaginación y su lectura.

En Música: el sonido y el silencio, se parte de la premisa de fusionar dos tipos de arte tan vastos que pueden ser diferenciados por el tiempo de su percepción (aparte del modo de apreciarlos), la música siendo un arte efímero, se vuelve aquí mediante la pintura o las artes visuales en material contemplativo perdurable, ya sea desde un punto de vista intimo o de reflexión general pudiendo comprobarlo con los trabajos de impacto pop de Joseph de Utia, la fineza de Lucía Fernandez, el suspenso expresivo de Castilla Bambarén, la penumbra nostálgica de Patricia Eyzaguirre, la ciencia dimensional de Iturburu, los maquinarios sueños de Ramos Cucho, la personalidad contemporánea de Natalia Revilla y el trazo de buen gusto musical de Piero Quijano.

Música: el sonido y el silencio se descifra en la primaria teoría musical como base de las melodías, ritmos y armonías; sin embargo como segunda causalidad (y como casualidad) es la intención de perennizar, más que homenajear, a la música dentro de colores y formas, maestría natural que caracteriza esta exposición.

Felipe Mayuri Poma
Curador independiente

Lucía Fernández en Bruno Gallery

2010-01-11T06:09:00.000-08:00

PAPEL SOBRE PAPEL

El lacónico título de esta tercera exposición individual de Lucía Fernández nos describe con sencillez la labor del collage. Así, los primeros, casi siempre impresos con imágenes y cortados, montados sobre los otros, de superficies claras y neutras, esta técnica desplegada con énfasis durante el siglo 20 parece en estas obras retomar esa juventud alegre y divertida, sin perder la astucia y el ingenio que son claves.

Aquí, el empaste en donde los objetos convocados coinciden sobre una superficie regular y liza, le permite a la artista, no obstante, mantener una de las características más interesantes de este procedimiento, llevado también a cierto registro anímico: el encuentro fortuito de un conjunto de objetos, convocados sobre la mesa de disección –con todas sus resonancias surrealistas- que le sirve de fondo y plataforma, no merma la inestabilidad danzarina en la que los elementos se equilibran, pero parecen siempre a punto de caer.

Aleteando como mariposas sobre pequeños abismos, poblados aquí de muebles y enseres domésticos, de los cuales, con vuelos frenéticos o desordenados, parecen también reclamar liberarse al fin.

Emilio Tarazona

Diciembre 2009

JASKI CHARGERS : FELIX ANAUT

2010-01-04T06:17:00.000-08:00

Spanish born artist Felix Anaut is now based in South West France, though also spends a lot time in Ireland. In recent years he has had considerable success and recognition, been embraced warmly by the European Art Scene, exhibiting widely in both public and private sectors, notably in France, Spain, England, Italy and Ireland, as well as other European countries.

Winter 2003 he was invited to participate in the Florence Biennale, where he won the award "Lorenzo el Magnifico of the city of Florence" for his artistic career, in front of some 890 artists from around the world. In 2005, he participated in the Biennale de Basse Navarre, and was invited to exhibit work permanently in a new Contemporary Art Museum in Casoria, Naples. Works by him are also in the collections of various other museums, art institutions and other public spaces. Last year, 2006, he was listed in the Spanish national newspaper, "El Mundo" in their supplement of the "500 most influential Spanish people, 2006", under the Arts section, alongside seven other artists, including such names as Tapies.

He started his academic studies with classes at the "Circulo de Bellas Artes" in Madrid, finishing studying at the "Ecole de Montparnasse d'Art et Dessin" in Paris in 1978-79. After Paris he returned to Madrid to continue painting, followed by spending time living in Tangier and Ibiza (1982-83). During this period he developed his interest in abstract painting, largely inspired from arabic calligraphy.

In 1983, after studying a course on the history of porcelain at Christie's in London, he decided to stay in England and continue painting, ending up settling in Belfast, where he co-founded a contemporary art gallery. During the 7 year duration of the gallery, Anaut dedicated less time to his personal work, due to his obligations with the gallery, however continued to paint and exhibit sporadically.

In 1989-90 he returned to Spain and to painting full-time, returning to Ireland regularly. From these dates onwards he has been dedicated to the development of his work, returning to a strong investigation of figurative painting. In 2001 Anaut moved his base from Spain to South West France, where he continues working, reflecting back in some of his new work to his past abstract painting, and keeping in line also his powerful figurative work.

He has had numerous public interviews on television and radio about his work and career, and wide press coverage in magazines, newspapers, etc, throughout his career.

Some of his more notable exhibitions have included "Los Artistas", an exhibition where Anaut showed alongside 3 of his greatest heroes in the history of modern art, Picasso, Miró and Bacon, sponsored by Arttank in Belfast, Ireland. Also, his solo show in the Museum of Isaba, in Navarra, Spain and a Retrospective at the Galerie des Tanneries in Nerac, France.

In 2005 he exhibited work in a new contemporary art museum in Casoria, Naples, Italy, which remains in the permanent collection. He also had a solo show at the Museum Albert Marzelles, Marmande in France, who have purchased work for their permanent collection.

In 2006 he had a huge solo exhibition under the title of 'Bacchanal - Art or Decadence' at the Raymond Farbos Contemporary Art Centre, Mont de Marsan. He also participated in the Belfast Arts Festival, with an exhibition under the title 'No Hay Camino, Se Hace Camino Al Andar' ('There are no paths, one makes a path by walking', Antonio Machado, 1875-1939).

2007 included his participation in the Process-Art Festival in Bulgaria, and participation in various art fairs in France & Spain. During 2008 Felix has severalsolo shows including a large show at SEVEN, Bedford Row, London, followed later by the Market Place Arts Centre, Armagh, Ireland, and at FOUR in Moncuq, France, plus a large show at the Tanneries Galerie, Nerac, France. Finally a show with the Zimmer Stewart Gallery, as part of the Arundel Summer Festival. He will be participating in other European festivals and art fairs.

H.Carey Good

GRAPHIAS

2009-12-22T19:33:00.000-08:00

GRAPHIAS do papel ao pixel (del papel al pixel) busca principalmente reunir artistas cuyos procesos de creacion utilizen medios digitales y manuales, o referencias de ellos como una herramienta para hablar de las diversas problematicas que se podrían relacionar a una identidad latinoamericana.

Es una exposicion colectiva que fue concebida como una Trienal, es ademas la última exposición del 2009 con la que se cierra el año de los 20 años del Memorial Da America Latina en Sao Paulo. El curador de la muestra Saulo Di Tarso, estuvo buscando a artistas jovenes brasileros e internacionales para participar de esta muestra. Viajo a algunos paises y al mismo tiempo hizo una búsqueda bastante amplia por internet.

Participan artistas de Brasil, Uruguay, España, Sudáfrica, etc. la unica peruana es Marita Ibañez este es el link para la nota de prensa que hizo el Memorial de America Latina

La expo inauguro el 16 y va del 17 de diciembre del 2009 hasta el 31 de enero del 2010.

Galeria Marta Traba ~ Fundacion Memorial de America Latina ~ Av. Auro Soares de Moura Andrade, 664 Sao Paulo.

http://mostragraphias.blogspot.com/

"Alles war in Ordnung, bis das Unerwartete geschah"

2009-08-24T14:16:00.000-07:00

Todo estaba bien hasta que sucedió lo inesperado

El kunstverein de la ciudad de Konstanz alberga la exposición del artista Chino Zhou Jin Hua, la cual ha sido especialmente elaborada para esta sala y en la cual se puede evidenciar las múltiples facetas y procesos de cambio que ha tenido en los últimos años la sociedad China.

Hábil observador asume su pintura con impactantes y a la vez sutiles escenas en las cuales ironiza en diversos escenarios de la vida cotidiana , su expresión visual esta constituida por un sentido en donde los escenarios se precipitan a tal grado que sus dimensiones contienen un espacio-ficticio , bullido por el movimiento y la direccionalidad de las personas , desde una mediana a una gran audiencia que se encuentra en el interior de un proceso o acontecimiento , y en el cual para el observador es convertida en una vista de 360 grados ,la cual amplia el accionar de lo que ocurre en el lienzo, generando así un intercambio interior que se ejecuta entre la visión extendida y la psicología de la reflexión.

Es un proceso de cohesión resuelto en el interior del espectador, las connotaciones en su obra son un escape con el cual se rompe la primera experiencia visual al confrontarse con sus obras.

Sus trabajos tienen aquel halo de la pintura tradicional china reconocible en la sutileza del color y el trazo y llevan hasta cierto punto el reflejo de la mirada de un pájaro, aquella distancia necesaria para ver y entender esos eventos sociales que producen variaciones irreversibles en la conciencia de los hombres.

El sentido esencial de sus trabajos es que el espectador sea conducido al medio de la obra , a un lugar entre la realidad y la ficción , en donde conciente o no ,pueda generar coincidencias con su experiencia personal , es posible que una vez percibido tenga un impacto dramático y sin duda surrealista , sin embargo esta alejado de la ilusión ya que todo ello solo encierra un escenario global que tiende a repetirse, y en el cual expresa fehacientemente su propia opinión en base a las cuestiones sociales y las condiciones de vida del ser humano.

Su carácter o manejo de dos fondos naturales da una descripción de lo real, atenuando la experiencia surrealista por un momento para así ir componiendo adecuadamente el valor de las interfaces en su total estructura.

La descripción que el genera de la realidad es posible por los elementos que lo componen, la desolación de los paisajes albergada por sendos personajes irreconocibles , territorios devastados como si fuera el reclamo de la tierra, fracciones de espacio quemadas como papel., sin embargo también se alojan elementos de la vida concreta ,tales como piezas de señalización , escaleras mecánicas , mobiliario, autos en confuso trafico , todo aquello dispuesto en un ámbito particular en el que yace la acción de lo imprevisible, el quiebre del instante que permuta la quietud ,que aleja lo probable del cotidiano , la contradicción del estado pasivo que finalmente nos lleva a preguntarnos si es que realmente, todo estaba bien.

El comunicar la fragilidad del ser y su vulnerabilidad dentro y fuera de espacios trazados por el hombre mismo, nos traslada ha una existencia que no solo se presenta innegable sino mas aun como la propia perspectiva del Yo, dentro de un universo en el cual innegablemente la constante, es el cambio.

Considerado como un “Shooting star” la obra de Zhou Jin Hua obtiene cada vez mas atención en la escena del arte joven,” sus trabajos ya no solo se pueden encontrarse en colecciones publicas y privadas* en China, sino también en países como Suiza y Alemania.

©Pablo Villaizán
Konstanz, Agosto del 2009
Todos los derechos reservados

----------------------------------------------------------------------------------
*Museo Nacional de Arte de China en Pekín (China), Kunstverein de Mannheim (Alemania) , Centre Culturel de Rencontre Abbaye de Neumünster (Luxemburgo)

HORIZONTES DE REMBER

2009-08-07T15:45:00.001-07:00

Gracias a su juventud, persistencia y talento, Rember Yahuarcani, artista joven de la nación amazónica de los Huitoto, se ha hecho de un nombre y un espacio en el panorama plástico, tanto nacional como fuera de nuestras fronteras.

Rember es un verdadero autodidacta, ya que no pasó por academia alguna, pero ha sabido evolucionar su trabajo; formal y conceptualmente su obra recurre cada vez más a estrategias occidentales, sin perder de vista sus orígenes, su identidad.

Si en una primera etapa su trabajo era una traducción muy cercana de su entorno y sus tradiciones, retratando su cosmovisión a través de personajes fantásticos para nosotros, pero casi reales para su cultura, en donde no solo las plantas son capaces de hablarnos sino todo ser vivo, ahora, en esta última exhibición, titulada Horizontes sin Memorias, nos presenta una serie de pinturas realizadas ya no sobre su nativa Llanchama sino con acrílicos sobre lienzo en lugar de tintes naturales. Así, sus colores se muestran más intensos. Vibran.

En esta nueva serie Rember nos sumerge en un mundo onírico, poblado de etéreos personajes femeninos que se desplazan por mágicos paisajes. Así, nos adentramos en la visión de lo femenino y de lo que su presencia significa en su cultura. La mujer no solo es quien da vida, es también quien la mantiene y garantiza su continuidad a través de la crianza y la transmisión de conocimientos.

Por eso, Rember es enfático cuando dice que “esta exposición no es de mitos, historias y costumbres, sino de personajes con una visión propia, la mía, con formas y movimientos amazónicos que no necesariamente tiene un fundamento histórico en la cultura Huitoto, mi cultura”.

Por ello, con gran acierto, crea personajes que se mueven, con delicadeza extrema, en una cosmología de los orígenes, a veces acuática, otras, espacial, (se hace difícil la precisión). Gracias a esta cualidad –casi etérea– de la que están revestidos sus personajes, trascienden la iconografía Huitoto, punto de partida de la obra de Rember, y se vuelven universales.

Consideramos que, con esta muestra, Rember Yahuarcani consigue con creces un objetivo largamente buscado: crear un universo pictórico de gran belleza y perfectamente asimilable desde cualquier perspectiva, sin traicionar sus orígenes. Desde ahora sus Horizontes sin Memoria, son también los nuestros.

Armando Williams y Doris Bayly
Curadores

VIDEO ARTE PERUANO

2009-07-17T12:52:00.000-07:00

Dentro de la extendida mirada heterogénea de las artes visuales peruanas más recientes, sin duda el video ocupa uno de los lugares más resaltantes. Junto con la fotografía, el video supo redefinir el porte de la escena, hasta lograr un régimen de autonomía propia, aquél que sólo obtienen los medios y géneros que se las arreglan por su cuenta para perdurar.

Es así que en principio extendida e inabarcable al ojo desnudo dado su crecimiento, la escena de video peruano parece tampoco agotarse en su renovación. Quizás de ahí que esta nueva muestra tenga nombres y trabajos no siempre reconocibles desde su novedosa aparición. Y sin embargo, es en su diversidad que muestra una vitalidad propia que va más allá de cualquier atisbo temático o formal. De ahí también que esta muestra rápida abarque desde la animación hasta el registro performático, pasando por la acabada pequeña gran producción, o su vertiente más expresiva y ferviente en ejecución.

Sus autores y creadores, no necesariamente están integrados a nivel generacional, andan dispersos por el mundo, en una inevitable diáspora de artistas en calidad altamente móvil y productiva. Desde Berlín o Buenos Aires, Lima o Ciudad de México, esta pequeña muestra de video es por eso un intento por reunir esa alentadora dispersión y así abrir una prometedora rendija a través de la distancia.

Rodrigo Quijano

William Blake : El Genio Visionario del Romanticismo Ingles

2009-06-27T15:35:00.000-07:00

“Los deseos del hombre son limitados por sus percepciones, nadie puede desear algo que no a percibido” William Blake

Le Petit Palais en la ciudad de Paris lleva a cabo en estos días la exposición Le Génie visionnaire du romantisme anglaisen en la cual se puede apreciar y juzgar el valor intrínseco en la obra de Blake.

El poeta británico William Blake, (fines del siglo XVIII, principios del siglo XIX ) era considerado por sus detractores como un iluminado, místico, libertario: "Mad Blake" (el Loco Blake) , como un visionario por sus admiradores.

Organizada por el museo de la Vida Romántica, esta exposición recoge unos 150 dibujos, grabados, iluminaciones, libros y acuarelas cedidas excepcionalmente por los principales museos británicos* cabe mencionar para esta exposicion la colaboracion de Michael Phillips Curador invitado.

Casi dos siglos después de su muerte, William Blake (1757-1827) es el más famoso pero también el más desconocido de los genios británicos. Poeta, grabador y pintor a la vez, este artista debe su fama a sus manuscritos iluminados que son testimonio de su ojo visionario. Sus libros (sobre todo El matrimonio del cielo y el infierno, 1790-1793) han herido la sensibilidad y han roto los cánones académicos del tiempo, tanto por la palabra como por el contenido de sus trazos.

Blake tuvo una influencia determinante en el siglo XIX de los prerrafaelistas y después de la modernidad predicada por André Gide, André Breton y los surrealistas en el siglo XX. Su obra es rica en simbología en la que se reflejan las últimas llamas de las Luces y la secreta alquimia de una sociedad británica en plena mutación y es que en palabras del propio Blake, revela un proceso pictórico de “proporciones de eternidad demasiado grandes para el ojo del hombre”.

Las visiones continuan en Londres

La Tate Britain dedicará tambien a partir del 20 de abril y hasta el 4 de octubre del 2009 una exposición al poeta, grabador y pintor visionario inglés que recreará la que organizó el propio artista hace ahora 200 años.

Celebrada en mayo de 1809 en la tienda que tenía su hermano en Goldon Square, en el céntrico barrio londinense de Soho, la exposición original reunió 16 obras y fue un fracaso. Sólo se publicó en la prensa una crítica, además negativa, y fueron muy pocos los visitantes para enorme decepción del artista. Lo ocurrido con aquella exposición hizo que Blake, que tenía fama de misántropo, se encerrase aún más en si mismo y expresara su amargura sobre el mundo artístico británico.

La nueva exposición conmemorativa incluirá obras de la propia colección de la Tate junto a otras del Museo Británico, del Victoria & Albert, del Fitzwilliam y de la Galería de Arte de Southampton. Según sus organizadores, en ella se pondrá de relieve el uso muy particular de la acuarela y de la pintura al temple, con la que Blake imitó a los grandes artistas del Renacimiento italiano. Entre otras se exhibirá la acuarela Los soldados apuestan por la ropa de Cristo de 1800, y Satán convoca a sus legiones (1795-1800). Se incluirán asimismo otra obras de Blake relacionadas con ésas ,así como pinturas más convencionales de otras exposiciones celebradas también en 1809.

La editorial de la Tate publicará también el titulado 'Catálogo Descriptivo', de Blake (1809), uno de sus más lúcidos comentarios sobre sus aspiraciones artísticas, su simbolismo, y sobre el arte y el mundo artístico en general.

©Pablo Villaizán
Paris ,19 de Junio del 2009

---------------------------------------------------------------------------------
*Fitzwilliam Museum (Cambridge), British Museum, British Library, Tate, Victoria & Albert Museum (Londres), City Art Gallery (Birmingham), National Gallery of Scotland (Edimbourg), University Library (Glasgow), City Art Gallery et Whitworth Art Gallery (Manchester), Bodleian Library (Oxford), de quelques collectionneurs privés ainsi que par le musée du Louvre et le Philadelphia Museum of Art.

Amadeo Modigliani : Un Nadador Outsider

2009-06-24T15:12:00.000-07:00

"Amadeo Modigliani es considerado como un nadador transversal, quien se escapaba de las corrientes de su tiempo con una gran elegancia"

La Bundeskunsthalle de Bonn acoge hasta el 30 de agosto una singular exposición del artista italiano que pone fin a dos décadas de ausencia. Es la primera consagrada exclusivamente a su obra desde que en 1917 fracasara la que se organizó en París debido al supuesto carácter pornográfico de sus cuadros.

Los desnudos de Amadeo Modigliani, uno de los grandes artistas del siglo XX, llenan la Bundeskunsthalle de Bonn, es una de las mayores retrospectiva del artista exhibidas en Alemania y es que en los últimos años solo han habido dos exposiciones anteriores dentro de la Bundesrepublik, la primera en 1963 en Frankfurt y la segunda en 1991 en Dusseldorf.

Más de 40 pinturas, 70 dibujos y hasta algunas esculturas se han reunido para mostrar las tendencias que cultivó entre 1909 y 1919 ,sus años mas productivos, ligados tambien al escándalo y al desenfreno.

La retrospectiva recoge piezas procedentes de todo el mundo ,ya que su obra quedó diseminada por colecciones particulares y museos,los cuales hacen extremadamente difícil dichos prestamos pues aquellos se lucen con los cuadros en sus salas, no se desprenden con gusto de ellos , dijo el director del museo, Robert Fleck.

La exposición que podrá visitarse hasta el próximo 30 de agosto en Bonn, es una de las más importantes de Europa, junto con la que acogió en febrero pasado el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid, que llevaba como título "Modigliani y su tiempo".

Mujeriego empedernido, gran amante de los desnudos y retratos de un estilo inconfundible, caracterizados siempre por el empleo de rostros lánguidos y melancólicos hasta el extremo ;Aqui una semblanza de uno de los artistas que nado contra la corriente de su tiempo ,libre de conseciones, y maracado solamente por la propia voragine de su existencia.

Amedeo Modigliani nace en la ciudad Toscana de Livorno en 1884, en el seno de una familia relativamente acomodada de judíos sefarditas. Es el menor de cuatro hermanos fruto del matrimonio entre Flaminio Modigliani, un comerciante de origen romano, y Eugenia Garsin, mujer culta y progresista que ejercerá una poderosa influencia en el joven Amedeo.

Muy pronto se manifiestan dos de los rasgos que marcarían su vida. Con once años padece una grave pleuritis, de cuyas secuelas nunca se recuperó, dos años después, inicia sus clases de dibujo con la autorización de su madre, que -según confiesa en su diario- ve en esta actividad una salida al "estado de languidez" en el que se encuentra el joven. De esta forma, Modigliani, a diferencia de la mayor parte de sus colegas de origen acomodado, nunca encontrará oposición familiar a su vocación artística.

En 1898, Modigliani renuncia definitivamente a los estudios regulares y comienza a frecuentar el taller de Guglielmo Micheli, un discípulo de Fattori.

En el invierno de 1901, una recaída en su lesión pulmonar hace que viaje al Sur acompañado por su madre en busca de un clima más favorable. Durante este viaje, el contacto con las grandes obras del arte italiano reafirma en él unos deseos de profundizar en la práctica artística que le llevan a inscribirse en la Escuela Libre de Desnudo de Florencia, en 1902, y, al año siguiente, en el Real Instituto de Bellas Artes de Venecia ,puede decirse que en esta ciudad, emancipado de la tutela familiar, Modigliani inicia su vida de bohemio, asiste a reuniones ocultistas y comienza a consumir hachis. Se prepara de esta forma para viajar a París, adonde llega a comienzos de 1906. En la capital francesa alquila un estudio en la rue Caulaincourt, en el barrio de Montmartre. Muy pronto, se inscribe en la Academia Colarossi y comienza a esculpir las piedras que, de forma bastante azarosa, consigue en las construcciones Parisinas.

Modigliani se sumerge en una ciudad que vive sus mejores momentos artísticos: los fauves acaban de provocar un enorme escándalo en el Salón de Otoño de 1905 y Picasso está preparando ya sus Señoritas de Avignon, la obra que será el germen del inmediato cubismo.

Aunque el artista italiano se convierte pronto en un personaje característico de la bohemia artística de la ciudad, siempre se mantendrá al margen de cualquier movimiento más o menos organizado. En 1907 conoce al que será su primer mentor en París, Paul Alexandre, médico que había creado una suerte de falansterio de artistas en un edificio ocupado de la rue Delta. Persuadido por éste, Modigliani presenta en el Salón de los Independientes del año siguiente seis obras en las que se distingue la huella de Cézanne. Esta influencia, junto con la de Toulouse-Lautrec, Gauguin y el Picasso de la época azul, marcan la obra de Modigliani hasta el final de la primera década del siglo.

Otro personaje fundamental en el devenir de la carrera de Modigliani es el escultor rumano Constantin Brancusi, vecino suyo en la Cité Falguiere de Montparnasse. Animado por Brancusi, Modigliani, que nunca había renunciado a su vocación de escultor, decide en 1909 consagrarse a esta actividad. Las obras de este periodo, que se prolonga hasta 1914, están realizadas en talla directa y son fruto de un proceso de estilización que le debe mucho al arte negro -que por esa época fascina a la mayor parte de artistas de vanguardia-, pero también a las estatuas egipcias y griega arcaica.

En el verano de 1912, Modigliani realiza su último viaje a Italia, impulsado por sus amigos, que, ante el deplorable aspecto que el pintor ofrecía, deciden hacer una cuestación con la esperanza de que en el entorno familiar moderara sus hábitos.

A partir de 1914, Modigliani, que cuando estalla la guerra intenta alistarse, pero su mala salud se lo impide, retorna con nuevo ímpetu a la pintura; protagonistas de su obra siguen siendo sus amigos parisinos: Paul Guillaume, marchante que sustituye a Alexandre cuando éste parte a la guerra y que le compra algunos cuadros; Beatrice Hastings, una poetisa sudafricana con la que mantuvo una tormentosa relación amorosa, y, sobre todo, Lépold Zborowski, poeta polaco que, desde 1917, será, a la vez, representante y amigo.

La primera exposición individual la realiza en 1917 a los 33 años en la galería de Berthe Weill, la cual es clausurada por la policía a causa de sus desnudos calificados de inmorales. Ese mismo año conoce a la que sería su última compañera, Jeanne Hébüterne, una joven de diecinueve años con la que tendrá su única hija reconocida, Jeanne. Poco a poco consigue vender obras*, pero su salud empeora y se agrava su dependencia hacia las drogas y el alcohol. Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda ,el pintor muere en enero de 1920 en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el noveno mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso.

©Pablo Villaizán
Bonn, Abril del 2009

----------------------------------------------------------------------------------
*Poco antes de su muerte su obra era ya cotizada y en 1952 uno de sus desnudos fue comprado por un coleccionista en París por un millón de francos. Pero el récord fue batido en el 2003 durante una subasta en Christie’s de Nueva York, que vendió uno de sus desnudos en 24 millones de dólares.

http://www.kah-bonn.de/index.htm?ausstellungen/modigliani/index_e.htm

PABELLON URUGUAYO en la 53ª Bienal de Arte de Venecia

2009-06-19T18:17:00.000-07:00

El guión curatorial busca reflejar las vertientes significativas en las artes visuales contemporáneas del Uruguay. Ofrecer de manera prismática su variedad inherente, fundando líneas que involucren desde el hacer manual al empleo de recursos tecnológicos, relatos que se ubiquen en territorios fronterizos entre lo identitario, lo local y lo global, De esa manera se prevé una utilización no sólo interna del Pabellón uruguayo sino también del espacio exterior, concretamente, la escalinata de acceso. Al mismo tiempo se tuvo especial cuidado en atender aquellas producciones visuales que apostasen a una estética de riesgo.

RAQUEL BESSIO – “La Tierra Prometida (te quiero mucho, poquito y nada)”. La obra de Raquel Bessio alude a valores míticos propios del país y de la región. En el Uruguay, se tiene la sensación de un apocado aislamiento. Esa sensación se proyecta en los comportamientos colectivos y en una actitud hacia lo exterior. La presunta “tierra prometida” termina siendo territorio compartimentado, gris, oscuramente metálico. El encajonado carcome certezas y voluntades, proceso que las piezas de la obra, al oxidarse, irán sufriendo. En el proceso logra autonomía, se vuelve inmanejable.

JUAN BURGOS – “Ciudades (Nuestro amor & Déjeuner sur l’herbe)”. Juan Burgos amplifica los apocalipsis urbanos que proliferan en la cotidianidad. Parte de un libro infantil, y desde él va creciendo un collage delirante. En sus puestas en escena, todo es posible. Con asombrosa destreza, recorta, pega, fotocopia digitalmente, y vuelve a fotocopiar, logrando un alucinante encaje escenográfico. En ese imaginario, entre un nutrido elenco, aparecen elementos icónicos del imaginario nacional.
PABLO URIBE – “Atardecer”. Pablo Uribe concreta un falso documental. De paso, delibera sobre el juego entre realidad y ficción, sobre representación en la representación. Un hombre de camisa blanca imita sonidos diurnos de animales autóctonos. En otra pantalla, con camisa celeste y en pose idéntica, emite sonidos nocturnos de otros animales. En esa polifonía visual y sonora, se gesta el conflicto binario de nítidos opuestos.
Mas aqui:

http://www.uruguayenvenecia09.blogspot.com/

MIGUEL ÁNGEL VELIT, flamante ganador del VII SALÓN NACIONAL DE ESCULTURA ICPNA 2009

2009-06-16T15:52:00.000-07:00

El destacado artista Miguel Ángel Velit, que ha paseado sus estructuras metálicas al rededor del mundo haciéndose merecedor de innumerables premios internacionales, obtuvo el Primer Premio Adquisición dotado de $ 5 mil dólares americanos por la obra “Dirigiendo el tablero de la creatividad”. El jurado calificador estuvo compuesto por Augusto del Valle, Lika Mutal y Martha Cisneros.

–La escultura ganadora así como las menciones honrosas y las seleccionadas serán expuestas en la exposición correspondiente a inaugurarse el próximo 2 de julio en la Galería Juan Pardo Heeren (Sede ICPNA Lima Centro).

Miguel Ángel Velit confiesa que de todos los premios recibidos ha sido el peruano el más difícil de conseguir. Pero por su competitividad y calidad, Velit finalmente se alzó con el Premio Adquisición con su obra “Dirigiendo el tablero de la creatividad”. Dicha escultura fue elegida entre un total de 72 trabajos participantes que pertenecen a 39 artistas distintos. El jurado calificador responsable de la deliberación final estuvo compuesto por el crítico de arte Agusto del Valle y las escultoras Lika Mutal y Martha Cisneros.

Asimismo, por decisión unánime, se otorgó sendas menciones honrosas a las esculturas: “Quiebre 3B” de Michiko Aoki; “Nueva identidad 1” y “Nueva identidad 2” de Diana Lazo Landivar; y “La una” y “La otra” de Carlos Eduardo Risco Huaraca.

Miguel Ángel Velit, el escultor

La hiperactividad de Miguel Ángel Velit (Lima, 1962), su constante perseverancia, o el hecho de “guerrearla en todos los países” –para usar sus propias palabras– ha permitido que el artista vista con sus gigantescas esculturas metálicas, parques de China, Alemania, Argentina, Estados Unidos, Hungría, México, Taiwán, Bolivia, El Salvador, Francia, Perú, etc.

Sus inicios como escultor se remontan a los años que pasó en la Facultad de Bellas Artes de La Plata, en Argentina. Allí “aprendí a convivir en un medio altamente competitivo. Había muchos artistas, muchas obras de calidad, pero también muchos estímulos. Logré ocho premios en un año, pero me presenté a muchos más. A veces me rechazaban, a veces me seleccionaban y a veces ganaba”, así recuerda Velit su estancia en La Plata.

De allí en más el currículum del artista se hace interminable. Entre otras cosas, ha sido merecedor de las becas: “Presidente, Vermont Studio Center (2001)” y “Art Sout Miami FL. 2005 – 2007”. Y ha obtenido premios de escultura en Alemania, Argentina y China. Y por su puesto, cuenta con varias exposiciones individuales y participaciones en las bienales más importantes del mundo.

La obra ganadora: “Dirigiendo el tablero de la creatividad”

Como la mayoría de sus esculturas, la obra ganadora también es de gran formato. Y ella “representa uno de los momentos en los que el creador entra en trance”. Es entonces la representación de una entapa en el proceso creativo. “En ella vuelco el resultado de mi trabajo, de toda mi experiencia como escultor”. Una experiencia que se inicia “comprando chatarra en La Curva de Chorrillos o en Tacora” para luego “arenar” los metales y empezar a trabajar con ellos. “Una experiencia tortuosa y sacrificada, pero gratificante”.

“Trabajo con el metal porque me transmite una energía vital”, dice Velit a propósito del soporte de la escultura ganadora. “En Dirigiendo el tablero de la creatividad quiero rescatar el oficio del metal en sí, de la soldadura, del trabajo escultural de la forma en el espacio: es también un homenaje a metal”, finaliza el artista.

Página web del artista:
http://www.miguelangelvelit.com/

Recordemos que la obra de Velit, así como las menciones honrosas y las esculturas seleccionadas serán exhibidas en la muestra correspondiente a inaugurarse el 2 de julio en la Galería Juan Pardo Heeren

CUBISMO Y ENTORNOS

2009-06-13T07:42:00.001-07:00

El Cubismo estalló en 1908 con Picasso y Braque en colaboración bastante estrecha. Ambos son considerados los descubridores.El Cubismo era el paso lógico e inmediato después del Fauvismo. El espíritu de liberación instituido por el Fauvismo ayudó a hacer posible junto al primitivismo con sus diseñadores y esculturas africanas uno de los movimientos más importantes del arte contemporáneo. Las ideas de los maestros modernos Cezanne, Van Gogh, Gauguin tenían su inmutable conclusión en el Cubismo. Si Picasso y Braque eran los padres del Cubismo, Cezanne era el abuelo. En realidad el Cubismo no llegó de repente: era la culminación natural de una larga y gradual evolución. Se cree que Matisse fue el inventor del nombre al expresar irónicamente su opinión sobre uno de los primeros cuadros cubistas pintado entre Picasso y Braque, en el cual quedó simplificada la construcción de una granja mediante formas cúbicas abstractas. “Miren esos cubitos”, dijo riendo Matisse, a quien le gustaban las líneas graciosas y rechazaba las agudas y los bordes rectos del nuevo estilo. A causa de la observación de Matisse, la nueva tendencia del arte adquirió prestigio. El Cubismo es arte abstracto, derivado o abstraído de algún modo de la naturaleza. El pintor cubista no solo deformaba la realidad, literalmente la partía en pedazos y la recomponía de acuerdo a su capricho y expresividad personal.

Obras incomprensibles

Telas cubiertas con facetas, ángulos y planos sugeridos, pintadas con tonos ocres, grises y verdes. Los cuadros eran totalmente incomprensibles para el observador que los miraba con criterio académico, realista pero constituían un deleite para los artistas que los crearon. Los pintores habían descubierto un proceso nuevo, maravilloso. Las obras de Picasso, Braque y Gris, utilizaron en ese periodo el collage consiguiendo calidades extraordinarias.Entre 1916 y 1919 se desarrolla una etapa muy creativa conocida como “arquitectónica” que se distingue ante todo porque prevalece un estatismo. Esas obras están concebidas como estructuras arquitectónicas en las que los objetos aparecen deformados de modo que resulta muy difícil establecer con claridad de qué se trata, se restringe en ese periodo la gama cromática para trabajar preferentemente con una amplia gama de tonos grises.La temática más desarrollada en sus distintas etapas por Juan Gris es la naturaleza muerta. El artista llegó a especializarse en la copia exacta de materiales diversos como maderas, mármoles de colores y veteados diferentes, así como papeles pintados destinados a cubrir muros. Ese proceso de descomponer las formas de la naturaleza significaba un desafío al cerebro y a las emociones. Les daba una sensación de triunfo.Carácter internacionalLa colección cubista de la Telefónica ha reunido cuarenta y un obras maestras, (entre ellas once son de Juan Gris) que ponen de relieve el carácter internacional del Cubismo y la participación de artistas españoles y latinoamericanos en este movimiento realizado entre 1913 y 1933. Juan Gris, líder fundamental de este movimiento y el más cercano a los fundadores Picasso y Braque, es uno de los cubistas con personalidad más acusada. El estilo de la obra dibujística de este pintor posee evidentes contactos con el modernismo. En ellos se advierte un claro decantamiento del cubismo aunque con soluciones muy personales e independientes. En la obra “Verres, journal et bouteille de vin” se puede advertir zonas en las que a través de un depurado proceso pictórico consigue dar al espectador la sensación de que se halla frente a diferentes tipos de texturas que no solo se distinguen por su hermoso colorido sino también por su magnífica composición. El método de trabajo de Juan Gris, a lo largo de toda su trayectoria artística se basa en la deducción, de tal manera que los temas llegaban a coincidir con la de los cuadros pero nunca a la inversa. A Juan Gris se le considera un representante del clasicismo en la corriente de vanguardia cubista. En cierto modo su simplicidad en los colores utilizados, evocan en el artista un modo de pintar que se halla fuera de las fronteras que impone la innovadora vanguardia.

Cubistas originarios

En esta muestra la escuela cubista originaria está representada por obras de Jean Wetzinger que se había iniciado como post impresionista y la huella se puede observar en su posterior cubismo. Albert Gleizes que adapta las figuras que constituyen su principal tema a un proceso de simplificación cubista. André Lhote batalló con entusiasmo por la nueva doctrina a través de sus escritos pero sus obras, sin embargo, superponían una estructura impuesta por una voluntad constructiva.Los jóvenes internacionales que se adhirieron al movimiento cubista fueron el polaco Louis Marcoussi que evolucionó desde ortodoxo siguiendo a Picasso y Braque hasta una forma más personal. La española María Blanchard merece ser destacada en su paso por el cubismo que la ayudó a organizarse y dar fortaleza interior a sus extraordinarias figuras de gran lirismo y emoción contenida en una muestra que puede ser la mejor de la pintura española contemporánea.El español Joaquín Torres García, brillante teórico, autor del “Universalismo constructivo”. Las composiciones de la rusa Natalia Gontcharova y de la ucraniana Alexandra Exter, de los argentinos Emilio Petorutti y Alejandro Xul Solar y el mexicano que no podemos dejar de mencionar, Diego Rivera que introdujo objetos típicos de su país en sus pinturas.Un caso particular es el pintor peruano Carlos Quízpez Asín que estudió en la Real Academia de Madrid y en 1925 antes de conocer París, realiza su primera muestra en El Ateneo de Madrid presentando una tendencia cubista planimétrica de rico colorido.Es indudable que todos estos maestros enriquecieron con sus planteamientos de vanguardia la cultura plástica de sus países. Y esta muestra excelente de la Telefónica sobre el “Cubismo y sus entornos” quedará como un recuerdo grato para los amantes del arte en nuestro país.

JORGE BERNUY

BARROCO FRIO en Galería Enlace

2009-04-27T19:20:00.000-07:00

“Atención a la criticidad inscrita en las precisas composiciones y en las pinceladas preciosas. Una ardua construcción conceptual y plástica entre cuyos muchos sentidos me importa resaltar su comentario tácito al empobrecimiento de la experiencia vital ante la fascinación por la imagen: esa estetización difusa ya teorizada por otros y que yo ubico bajo un horizonte de mutaciones traumáticas para la condición humana hasta ahora conocida.”(…)“De apertura radical a la mirada. Incluso las más sobrias de estas imágenes aluden, elípticamente, a esa obscenidad: los huacos Moche discretamente alineados en los depósitos que se exhiben abiertos en el Museo Rafael Larco Hoyle. Y los exvotos populares, tosca pero sentidamente tallados en variantes pobres del mármol para hacer públicas las intimidades místicas que recubren el mausoleo antiguo de Sarita Colonia.” (…)“Es un hambre y un hartazgo visuales los que el hiperrealismo impávido de estas pinturas pone simultáneamente en escena con un ánimo casi clínico. A veces de un modo literal. Como en el díptico donde se reproduce el ordenado caos de películas piratas puestas ilegal pero exhibicionistamente a la venta en todos los comercios informales de la ciudad. El resultado en esta interpretación es un mosaico de imágenes disímiles estandarizadas por el diseño de sus empaques y por la obsesión, por la perversión óptica que nos domina. Y nos satura: crucial aquí, como en todas las demás obras, es el recorte y encuadre que repleta la tela con la reiteración de los elementos retratados sin admitir aire ni respiro en borde alguno. ”

(Gustavo Buntinx. Texto del catálogo. 2009)

LITERAL:LA PRIMERA LINEA

2009-04-06T15:15:00.001-07:00

La vanguardia procede del francés Avant-garde, término del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que confrontará antes con el enemigo. Metafóricamente, en el terreno artístico la vanguardia es la primera línea de creación, la renovación coherente y radical en las formas y contenidos para el tiempo mismo, en donde se sustituyen las tendencias anteriores, enfrentando lo establecido , realizando aportes originales, desplegando procesos renovadores y creando un nuevo y original aporte hacia las artes.

Este movimiento aparecido en Europa en las primeras décadas del Siglo XX extendiéndose en gran medida al resto del mundo (reconociéndose su lugar dentro de la historia de la humanidad), Norteamérica, Centroamérica y America del Sur, siendo esta crisol y fermento en respuesta a los tiempos carentes de sustancia y de símbolo liberador; Tomando en ella una postura que anteponga el destino del hombre en relación con sus estadíos internos.

La poesía de vanguardia Peruana entre 1916 -1930 estuvo signada por devenires políticos, sociales y culturales que marcaron la historia de la vida republicana, dentro de estos 14 años en la cual el vanguardismo produjo sus pensadores más representativos, como José Carlos Mariategui quien difundió y promovió la Vanguardia por medio de la revista Amauta desde 1927 y en la cual se extiende la voluntad de crear un Perú nuevo dentro del mundo nuevo.

Mirko Lauer concita en Antología de la poesía vanguardista Peruana algunos nombres si bien no olvidados poco recordados, los cuales también diseminaron su voz y ejercieron un aporte representativo, luego de nuestros vates mas importantes como Cesar Vallejo, Martín Adán, Carlos Oquendo de Amat, Cesar Moro están aquellos como Magda Portal o Alberto Hidalgo con los cuales se recoge la fuerte impresión del arraigo y la importancia que concitó la vanguardia en el interior del país. Lauer nos hace recordar también que si bien el vanguardismo en el Perú tomó elementos de los diversos ismos europeos, en muchas cosas estuvo en las antípodas de ellos.

Entre otros, Nelson Osorio en su estudio sobre la Vanguardia en Latinoamérica, ya había subrayado los rasgos específicos que el movimiento adquiere en el Perú, la cual dice adopta sus propias técnicas, pero también es heredera de los Poemas humanos vallejianos, revelando así su particular luz y sus voces propias de humanismo.

Es importante también mencionar la obra de Jorge Eduardo Eielson quien con su Arte Poética sembró y mantuvo un legado congruente y sin paráfrasis.

En el complejo momento en el que se multiplican las relaciones internacionales, la esencia heredada de la vanguardia se percibe como un movimiento que coincide con la propia evolución del modernismo, siguiendo su particular senda de autoría que a su vez sorprende en sus diferentes campos de creación ,sean estas para las artes de la plástica en sus diferentes campos o la literatura Latina-Hispana-Iberoamericana, y es que decodificar un mundo fraccionado, desfasado e inconexo es ir tras la búsqueda de una unidad equivalente que ajuste correlativamente el quehacer de lo prístino y real , que aborde en sus preocupaciones la lectura de sus transformaciones y la independencia de tornar por cualquier medio lo acontecido en su latitud.

Y es que la esencia de la vanguardia se ve reflejada no solo en las paginas colmadas con fehaciente disposición sino también se pueden encontrar como reflejo vivo y vital en la presente exposición, la que nos dispone a visualizar una vertiente original en la que se reitera y se reivindica un legado de poema y pensamiento, siempre signado con el ritmo de las transformaciones y la claridad que contienen los creadores para interrogarnos e interpelarse a si mismos.

© Pablo Villaizán
Konstanz, Marzo 2009

Los artistas somos personas que nos salimos de las líneas del tren, por lastima frecuentemente acabamos debajo de estas, hechos pedazos y los laureles se quedan en los paraderos como boletos de viaje...

III, de NARRATIVAS DIABOLICAS
Alejandro ROMANI
Director Proyecto Conceptual :La Poesía Peruana Vanguardista

ARTE EN SAN BARTOLO

2009-04-03T18:17:00.000-07:00

La muestra reúne un grupo de jóvenes promesas, quienes desde su sensibilidad personal reflexionan sobre el mundo lúdico en los “Carritos”, de Mónica Ramírez (Lima, 1978); los íconos populares, en “Sofía”, de Joseph De Utia (Lima 1968) y en “Edith”, un tríptico expresionista de Iván Fernández-Dávila ( Lima 1983); la poética visión abstracta en los “Recuerdos”, de Gino Sessarego( Lima 1982) y en la “Cartografía” lírica de Gustavo Emé (Lima 1982); la lectura sociológica y psicológica, en las “Miradas en transición” de Luis Espinoza; y, finalmente, la ecología marina, en la obra figurativa/abstracta de Clavel Mera.

Dentro de tales perspectivas, los expositores, formados en su mayoría en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, continúan apostando por la pintura como un lenguaje que viene marcado desde dentro por una finalidad y un propósito, tanto artístico como ético.

Así, esta puesta en escena puede confirmarnos, sin altibajos, la posibilidad de disfrutar del placer por la imagen, y a la vez recordarnos que las utopías y los sueños siguen siendo rasgos distinguibles en la naturaleza humana.

José Torres Bohl

Miraflores, Abril 2009

Visite:

www.artesanbartolo.blogspot.com

CUERPO PRESENTE EN ARTCO GALERIA

2009-03-18T14:55:00.000-07:00

La muestra tiene un carácter multidisciplinario, sin embargo, predomina la pintura en obras de Patricia Gygax que trabaja brochazos sueltos que configuran grandes retratos, a los que se añade la cuidadosa paleta de Eduardo Fernández-Prada y Denisse Vivanco, junto a la instalación hecha por Patricia López de Romaña. En cambio, Lucía Reátegui trabaja objetos que acompañan al video en una performance realizada en el Teatro Municipal donde un grupo de mujeres hacen un enigmático ritual. Finalmente Armando Marquina investiga con soportes traslucidos la pintura con el objeto de otorgar nuevas profundidades a sus cuadros.

Martín López de Romaña en la presentación sostiene…”La muestra interdisciplinaria Cuerpo Presente es una meditación visual sobre la identidad del ser humano y su relación con el devenir. Las obras que la conforman nos invitan a ver el cuerpo como el lienzo en el que quedan registradas las huellas de la vida y de la pugna por evadirse de la muerte. El cuerpo susceptible de ser vestido, disfrazado, modificado por patrones sociales. El cuerpo como metáfora de uno mismo, como manifestación palpable de lo invisible.

Patricia López de Romaña explora los moldes de perfección ante los que la persona se ve obligada a compararse. La obra de Lucía Reátegui, en el poderoso escenario de un teatro oscurecido por las llamas, da cuenta de la variedad de personajes que pueblan un cuerpo. Patricia Gygax explora la herencia, deseada o no, de la que el cuerpo presta mudo testimonio. El inexorable transcurrir del tiempo, que los relojes miden con indigencia, es el núcleo de la propuesta de Eduardo Fernández-Prada. La pintura de Denisse Vivanco establece una dura comparación entre los estereotipos corporales en la sociedad. Por último, la pintura de Armando Marquina nos habla del vano y laborioso intento de buscar la imagen real de la persona bajo gruesas capaz de imágenes transitorias”.

Recoleccion de Verano

2009-03-04T18:48:00.000-08:00

Roberto Cores siempre claro en lo dicho y lo hecho y al mando de la promotora Calana nos presenta la primera puesta del año, presentada en la Galería Ryoichi Jinnai del centro cultural Peruano-Japonés ,la cual ha llamado Recolección de verano ,entendido en sus palabras como una acción de búsqueda y selección identificando ,experimentando y repitiendo; Buscando opciones que con raciocinio, libertad y comprensión ,además del disfrute y el aprecio ,le permitan ,al reunir y organizar lo escogido sobre un plan de trabajo ,una locacion determinada y hasta un publico estimado.

Cores siempre a entendido que el conjunto en valor esta bajo una conjetura sostenida en los territorios de producción, propiamente tomados indefectiblemente del alcance y del sentido de su orientación.

Figura Humana en cuya ejecución encontramos el valor de las trayectorias y personalidades, unas consagradas, otras con el camino aun fresco, abierto con sus propias herramientas y lenguaje.

El conjunto de obras con las cuales se traza este recorrido esta conformado por José Tola ,Jorge Castilla-Bambaren , José Luis Carranza ,Rember Yahuarcani ,Eduardo Cochachin entre otros exponentes que constituyen la voluntad y el objetivo en sus devenires individuales.

Propio siempre es decir que Roberto Cores ha tenido siempre claro el acercar la obra de los creadores de una manera plausible, que a comprendido el llevar en sus palabras siempre la razón de no confundir y de facilitar para todo publico la vía necesaria que descubre al rubricar, enfrenta y rivaliza al espectador atento y a la obra dentro de su terreno y escenario.

Finalmente como bien dice el, que en todo este conjunto el drama de la realidad cotidiana, la fantasía, la fuerza de la experimentación, son también soportes y guías en la selección que tiene del verano no solo una denominación de temporada sino, mas aun, el signo de la vitalidad.

©Pablo Villaizán
Lima, Febrero del 2009

PERSONA QUE TIENE ALMA

2009-03-04T12:07:00.000-08:00

El proyecto va surgiendo espontáneamente de algunos repasos sobre lasensación del presente. En principio, no puedo imaginarme nuestra sociedad,o comunidad o grupo pequeño de convivencia sin algún tipo de sensación deestar integrado. Y tampoco podría enemistarme con las pautas que se imponenpor consenso, en un estado de libertad y aceptación de la pluralidad, lascuales tienen todo el derecho a marcar una dirección. Pero suele sucederque la llave de entrada a esa sensación, el factor determinante para sentiresa integración y dirección, sea una falsedad, o por lo menos algo dudosamente positivo. Muchas veces lo que atrae a las mayorías de alguna manera se convierte automáticamente en un peligro. El peligro de olvidar lo otro, lo que no se está mirando. Y en relación a esto aparece la mediatización del cuerpo como elemento indispensable en la propaganda contemporánea, una corporalidad impuesta por los medios dominantes del momento a favor del consumo, es decir un espectáculo.

Siempre el espectáculo se basó en la exhibición física, pero cabe preguntarse más aún de lo que ya lo hemos hecho, cómo funciona hoy en nuestra sociedad. Televisión,supremacía del cuerpo,internet, supremacía del cuerpo,carteles, anuncios, envases, todo los días a toda hora, domésticamente.Cabe preguntarse si las mayorías ven la felicidad como un logro o como una obligación. Cabe preguntarse si la estética, el modelo de contemplación, lameta o la utopía no se han convertido en herramientas de represión.Repasando estas cosas pensé en el alma, o en la idea de alma, y supuse que una persona que tiene alma es quién comprende las injusticias de la corporalidad.Persona que tiene alma, el tópico de este proyecto de fotografía, apareció entonces como una idea sobre la corporalidad y con la intención de abordarla prescindiendo del impacto o la imposición que aparecen cuando se apela directamente al deseo. Y sobre la premisa de que fotografiar el alma es imposible, existiese o no, apuntaríamos a fotografiar el cuerpo como elemento significante del alma o su concepto, es decir, revalorizando elretrato, el retrato a secas, en estos tiempos donde la fotografía en granmedida parece haber adoptado el carácter secundario de documentopromocional y de fácil circulación para teatralizaciones efímeras y empalagosas. O porque no, apuntando posiblemente también a los signos del alma.

En cuanto al desarrollo del proyecto, el cual está en curso, creí oportuno convocar a artistas iberoamericanos, pensando que ellos inspiran al mundo o por lo menos a algunas personas en el mundo, y son los que llevan adelante el proceso como una forma de expresión, pero también como una forma deinvestigación.

Los artistas iberoamericanos respondieron positivamenteaportando sus obras para el proyecto. Al mismo tiempo convoqué a intelectuales iberoamericanos y no iberoamericanos, creyendo que los pensadores ayudan a comprender el mundo,y en este caso a comprender el tópico del proyecto. La idea es confrontarlos textos con las fotografías. Curiosamente los pensadores no iberoamericanos respondieron positivamente y los iberoamericanos se excusaron o no respondieron todavía.Por último, convoque a espacios de arte, revistas y medios iberoamericanospara divulgar el proyecto y están respondiendo positivamente.

Los objetivos del proyecto son muchos y se van logrando pero sobre todoapuntamos a la recopilación documental del material artístico, losconceptos vertidos, las experiencias de exposición, las divulgacionesperiodísticas, conferencias, comentarios, debates, etc. y procurar unanálisis para obtener el contenido organizado materializándolo en losformatos libro y video documental.

Ricardo Lescano.

Curador

Antonio Bou: De la isla del encuento a la tierra del fuego

2009-01-22T00:44:00.000-08:00

Vivimos lo que jugamos
la muerte es un juego que perdemos.
Es preciso en tanto no agotarse
arrancarse el pecho del pecho
escondérsele para siempre a la sombra
no dejar ningún aroma en los cuartos
no abarrotar el olvido.
De todas formas,
uno se va a la muerte con hambre.

Andrea Cote Botero

Antonio Bou nace en Santurce- Puerto Rico en febrero de 1944 en la esquina de la calle del parque y la avenida Ponce de León cuando decían aun, no había aquellos monstruos de cemento. Estudio hasta graduarse de la escuela superior, clase 1961 en la academia del Sagrado Corazón, luego fue a la universidad de Puerto Rico en Río Piedras para el Bachillerato, de ahi a España y a New York respectivamente para maestría y doctorado.

Pinto Frente al mar en el Dorado ,donde tenia su estudio ,tuvo bastante éxito fuera de Puerto Rico , donde ha exhibido con los grandes maestros de la pintura Hispanoamericana ,llegando ha ser considerado entre ellos.

http://www.aldocastillogallery.smugmug.com/gallery/2615961_2gkKa#138035744_ftG6e

Una de las últimas grandes exposiciónes individuales se celebró en Puerto Rico en mayo de 1997, auspiciada por Cima Comunications, en los salones de La Casa Olímpica en San Juan. En el programa de esta exhibición titulada "Profeta en su tierra" se le caracterizó así: "Antonio Bou, pintor, poeta y semiota por acumulación, suele darse tanto de semilla como de gancho en una inmensa minoría de los más verticales jardines. Es Profeta en su Tierra, teje con el resurrectante expectador hologramático tapiz de milagros, vírgenes, mesías y conspiraciones.

Ha publicado Las Canciones de Bartolo y Antonio (1972).Libro de poemas; En el 94 compartió el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca con otros dos poetas y fue homenajeado con una fiesta en la Embajada de España en Washigton, distinción que honro con toda humildad; En la primavera del 2002 a un año de cumplirse el primer centenario de la fundación de la universidad de Puerto Rico ,acepto la nominación ante el senado académico para ocupar la mas alta rectoría de la principal casa de estudios del país. Allí cervantino autentico, lidio y sobrevivió –según sus palabras- a descomunal batalla contra los ejércitos del seudofeminismo y los gigantes de la corrupción.

Para del 2004 fiel a sus motivaciones literarias y su siempre oficio por la pintura es que deja la isla una vez mas, esta vez para asentarse en la apacible Mendoza en Argentina, en donde sigue creando un sin numero de nuevas pinturas y en la cual publica Historias de la Isla del Encuento, una antología de relatos selectos de ocho libros de cuentos, todos publicados en prestigiosas revistas hispanoamericanas, europeas y estadounidenses.

Para los siguientes años, posterior a aquella ultima publicación; Antonio Bou sigue ejerciendo de manera sin igual la creación en sus diferentes vertientes, de igual forma para el arte como para la literatura.

Sin ninguna distinción y solo con la invariable llama de pasión y el amor intrínseco a esta Latinoamérica que últimamente recorrió ,es final producto de su continuo quehacer en los distintos campos del pensamiento , la creación y la emoción, pues si de entender el continente se trata no hay duda o prologo que valga ,sino mas aun, ver y leer con atención a uno de los creadores mas relevantes de la Hispanoamérica que hoy nos toca y que en noviembre del 2008 partió con el sentido de haber vivido en profundidad la libertad que demandaba el recorrido.

Su cuento final, Las ganas de comer puede ser leído en las páginas de la revista Ciberayllu, colofón de toda una vida abocada al arte de vivir viviendo.

http://www.ciberayllu.org/Literatura/AB_LasGanas.html

©Pablo Villaizán
Lima, enero del 2009

Juan Diego Vergara y la búsqueda de la estética Punk

2009-01-06T19:50:00.000-08:00

El artista Peruano Juan Diego Vergara sigue una residencia en el 104 Le Cent Quatre en el centro de arte contemporáneo de la ciudad de Paris (http://www.104.fr. ) en el cual viene desarrollando el trabajo que comenzó en Lima hace ya mas de una década , Archivo collage surge , se va desplegando y tomando nuevos matices dentro de su investigación , desde las que inicio en Lima, pasando por las indagación de como aquella década había tocado otras ciudades dentro de la misma latitud; Arequipa y Cusco prosiguieron en aquel sondeo que dio luz a nuevas interrogantes en su trabajo y que ahora son avivadas desde Paris.

Ahora Vergara alimenta aquel archivo collage con nuevas imágenes y referentes constituidos en el mismo periodo desde Paris, en donde las posibilidades que emergen para reconceptualizar su labor se van ampliando y van tomando nuevas formas que van complementando y enriqueciendo su trabajo.

La dinámica en el 104 esta marcada por el publico ,el cual se acerca a la obra de los residentes cuantas veces ellos (previa coordinación con el equipo) abran las puertas del taller para mostrar los avances individuales de sus proyectos ,los cuales concitan siempre la atención de los visitantes , Juan Diego Vergara aquí ha generado un vinculo importante con los visitantes quienes participan con sus experiencias o responden a interrogantes planteadas por el artista, un ejercicio muy libre que seduce a quienes llegan a testimoniar la experiencia francesa de la década de los 80s

El dialogo generado esta constituido por la relación que se a producido a partir de la estética, la cual contiene puntos de inclusión; Punk, post punk, new wave, son la alusión mas elemental, las cuales están ligadas a la música, unida a una estética oscura, melancólica e indudablemente introspectiva, depositaria relación desarrollada en su trabajo entre 1985-1989 y que ahora se torna en Paris en nuevas vertientes comparativas y experimentales.

El punk no ha muerto en Paris

La investigación prosigue su camino, aquí en palabras de Juan Diego acerca de su última Ouverture:

Mi ultimo rendez vous en el 104 se llamo ``El Uso del Blanco y Negro`` en el trabajo de Henri Alekan y Anton Corbjin, ambos fotógrafos, ambos a parte de hacer fotos trabajaron en la fotografía de diferentes Films; tomo el trabajo de Henri Alekan como referente de Corbjin por el uso del blanco y negro y trabajo a Corbjin por la conexión con la new wave inglesa, director de videos de bandas new wave como Depeche Mode, propaganda etc. Hace poco fue director del film "Control" sobre la vida de Ian Curtis, cantante de Joy Division, Alekan por su parte ayudo en la fotografía de films La bella y la bestia de Jean Cocteau y Sobre el Cielo de Berlín de Win Wenders.

http://juandiegovergara.blogspot.com/

Claro advertir que las pesquisas indagatorias van dando forma o lo que se va cimentando, un imaginario que se renueva y va tomando un claro matiz que rastrea los principios de la movida ochentena y los remanentes del exceso de aquellos años, un viaje que se erige en lo interior y que toma esta vez como escenario las calles de Paris.

Para quienes quieran escuchar la entrevista hecha en diciembre a Juan Diego Vergara por Radio Francia internacional podrán hacerlo accediendo a este Link, entre otros en su blog citado líneas mas arriba, un acercamiento a su bitácora y su continuo discurrir por la ciudad luz

http://www.rfi.fr/actues/articles/108/article_10158.asp

©Pablo Villaizán

Lima, Enero del 2009

Del mito al sueño, Rodin… Dalí

2008-12-22T23:37:00.000-08:00

El Museo de arte Italiano en Lima esta presentando gracias al Museo Soumaya de la ciudad de México Rodin…Dalí; Del mito al sueño una muestra de importante valía en la cual se puede contemplar lo mas representativo del arte universal.

Aquí se podrán apreciar las esculturas de Auguste Rodin, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Emile-Antoine Bourdelle, Giorgio de Chirico y las míticas e icnográficas obras de Salvador Dalí

Esta exposición alberga un viaje desde lo más mítico y fantástico en la obra de los presentes maestros, pasando por la inclusión de lo onírico, el acercamiento y la exploración de la naturaleza del inconciente, la modernidad y las vanguardias.

En su recorrido se aborda a través de Rodin y Dalí dos formas de aproximación al hombre en el arte, el primero através de la exploración, en la expresión de las emociones y propiamente en el trabajo del creador y en el segundo el inconsciente como formula esencial para la vida.
Aquí Dalí devela lo que turba la razón, los reflejos interiores del hombre, Sin el inconsciente la realidad seria incompleta, Dalí nos sorprende como muchas otras veces en su pintura, con sus reconocibles relojes blandos, iconos elementales del siglo XX.

Rodin también nos dejo lo suyo en la representación del hombre, una expresión profunda, fragmentando el cuerpo e imprimiéndole movimientos originales en su conformación, como son, los de la danza moderna entre otras las esculturas que tratan de mitos con verdad profunda y sensual en la cual se alberga el encuentro de cuerpos en éxtasis y en donde la mujer expresa el ideal máximo de belleza en el arte

El cuerpo aunado a la mujer y al amor despliega en el baile sus más grandes posibilidades, el movimiento en la danza, la postura natural que siempre intereso a Renoir y la sensualidad inclusa en sus líneas redondeadas.

Inmerso en todo este recorrido concita atención las imágenes en las esculturas de Dalí, convirtiendo los cabellos de sus figuras gemelas en ramas, las cuales manifiestan sumatoriamente en su homenaje a la danza, el inconsciente, Bailarina Daliniana es su ofrenda categórica al flamenco.

Otra de las genialidades se encuentra depositada en los unicornios, que para Dalí son contenedores de deseos reprimidos que en su conformación se enfrentan a un muro y a la mujer; Los caballos asociados a la virilidad que Bourdelle dedico para estudio de caballo sin silla a la figura del general independentista argentino Carlos María Alvear también se podrán encontrarse en la presente muestra.

El resultado es la suma que el tiempo nos a dejado al ponernos cara a cara con obras de una fuerza y factura impredecedera, las cuales no necesitan mayor prologo que el de su propia confrontación, testimonio vivo de un tiempo en constante ebullición que albergo lo mas lucido en el arte y que propio de tal labor nos regalo un arte imprescindible.

Lima,Diciembre del 2008

----------------------------------------------------------------------------------

La presente exposición del Museo Soumaya ha viajado por México, Estados Unidos, Centroamérica, Sudamérica, Europa y Asia, y estará en Lima hasta el 25 de Enero del 2009 en las salas del Museo de arte Italiano, de martes a sábados en horarios de 10 a 5 de la tarde.

EL CONSTRUCTIVISMO DE FRANCISCO GAVILAN

2008-12-22T16:41:00.001-08:00

Hay tanto de Palazuelo como de esa arquitectura-ensayo de la escuela deconstructiva (Coop, Himmelblau, Zaha Hadid, Frank Gehry, Rem Koolhas, Bernard Txchumi, Peter Eisenman o Daniel Libeskind) en estas límpidas y frágiles planimetrías de Francisco Sanz; quizá por ello dudan entre la concepción orgánica de la imagen del primero, con su raigambre clasicista, articulada en torno a algún “centro” formal o conceptual, y esa otra tendencia divergente hacia la transferencia y el reagrupamiento de fragmentos casi inconexos que caracteriza a la segunda. Por cierto, algo que Bárbara Johnson ya certificó como propio del segundo de los elementos que intervienen en la tensión, al afirmar que “la deconstrucción es la provocación cuidadosa de fuerzas opuestas de significación dentro del texto. La diseminación que produce la diferencia se sitúa en un espacio diferente al del pensamiento dialéctico.”

Si exceptuamos su origen gestual tachista, el acoplamiento en nudos de la tectónica de placas de Fancisco Sanz encuentra una analogía sorprendente con las estructuras compositivas habituales del Georges Mathieu de los cincuenta, con su dilatados campos vacíos de fondo sobre los que se tensa una agitada malla paralela al plano del cuadro, la cual tiende a estirarse en algunos de sus puntos hacia el perímetro del mismo, anclando, por decirlo de algún modo, el tejido con un marco que lo sostenga en el aire, al modo de una tela de araña. Algo similar vemos en muchos de los trabajos del Wols de mitad de los cuarenta, donde también tendremos que prescindir para disfrutar de la analogía de todo aquel carácter pulsional de sus signos caligráficos entrecortados que caían en la tela como taquigrafía abstracta. Lo cierto es que ambos casos revelan los esfuerzos de este artista por reprimir un cierto expresionismo de la(s) forma(s) que, no obstante, finalmente se delata y aflora desde su misma estructura profunda, dotándolas si cabe de mayor capacidad expresiva de la esperada en principio.

Pero sin duda es la resolución con que el constructivismo ruso reveló la naturaleza sintética y totalizante del arte la que parece inspirar con mayor fuerza todo el proyecto de este artista segoviano, quien se detiene justo en el punto donde aquellos artista de la vanguardia heroica entraron en conflicto con la “construcción de la vida cotidiana”. Del primer Malevitch a Moholy-Nagy o Rodchenko, pasando por los relieves de esquina de Tatlin o los “Proun” de El Lissitzky reptando por las paredes (dos nuevos tipos de telas de araña que crecen en los rincones), se parafrasea a pleno pulmón toda aquella poética visual de los visionarios de la Revolución Rusa. Y de entre todo su viejo programa, sorprende descubrir la actualidad inesperada que entre sus manos apunta la faktura, el más profundo entendimiento de la naturaleza de los materiales específicos con que se maneja el autor y que le confieren buena parte de su personalidad: aluminios, aceros, chapas...

Es tan lúcida y a menudo intuitiva naturalización de sus referentes lo que facilita la consecución, si no ya de la armonía, la claridad y la unidad, súbitamente sospechosas a la fértil complejidad de nuestro presente, sí por supuesto de la tensión y el dinamismo, “en un Espacio que es en sí mismo abierto, extensible, dilatado”, como aseguraban ellos.

COLECTIVA:ENSAYO SOBRE LA VEJEZ

2008-11-25T06:24:00.000-08:00

La tersa textura de la piel se arruga o debilita pasado un gran tiempo, ¿será por la carga pesada de la experiencia? O es que el límite de nuestra vida se manifiesta bajo síntomas que nos devuelven a etapas indefensas como en la infancia, pero después de ya haber visto “todo”. Se le suele llamar la tercera y hasta cuarta edad, pero en verdad es la fase en que muchos la odian, temen y otros la aprovechan para descansar y esperar los designios del destino. El aire que respiramos nos añeja y a la vez las energías de nuestros sentimientos se vuelven más pausadas y pacientes tanto en alegrías y tristezas como en el amor y el odio; todo mientras lo que nos rodea también muta en nuevas formas, diseños naturales y artificiales, dejando para otras generaciones lo que hemos recibido de las anteriores y que fuimos parte funcional de ese tránsito.La vejez nos hace ganadores de una sabiduría que se vuelve un tesoro para los jóvenes, nos volvemos valiosos libros vivientes de etapas difíciles de revivir perfectamente, pero que ningún documento, video, audio ni nuevo aparato virtual y electrónico puede traspasar en los años las descripciones fusionadas con esas emociones humanas, evidencias vitales para cualquier búsqueda de los movimientos del hombre y la mujer causantes de nuestra historia.
Vejez – Arte.Esta es la oportunidad de reivindicar la mayoría de actitudes ajenas de la gente hacia un abuelo o abuela y que no pasa desapercibidamente entre nosotros. A veces somos dueños de la indiferencia y el cansancio ante un pedido por ellos y a veces terminamos siendo protagonistas de ese momento que alguna vez imaginamos que nos pasaría. Son siete jóvenes artistas que dialogan mediante la imagen que en tiempos cada vez más futuristas, donde la humanidad es desdoblada desde su propio sitio a imágenes reproducidas en aparatos tecnológicos, nos remontan a recrear momentos protagónicos por estos valiosos seres de avanzada edad. Desde visiones nostálgicas, paisajes metafóricos, escenas y situaciones perennizadas como si fueran fotografías para el tiempo hasta mundos particulares en donde el mensaje es claro e inquietante en instantes. Desde aquí surgen preguntas desde sociales como ¿qué queremos comunicar retratando la ancianidad? O artísticas siendo ¿la máxima expresión pura del hombre y la mujer en experiencia y sabiduría es la ancianidad? ¿Tope de nuestros límites? Quizás también sientan lo mismo que sintieron los grandes maestros como Manet (1832-1883) al pintar al The Ragpicker (El trapero) o al ahora anciano Lucian Freud con su Autorretrato Desnudo, cuadro tierno y devastador a la vez siendo un gesto hacia la soledad del ser longevo en su máxima intimidad.
Solamente diremos con nuestras miradas para los cuadros de esta muestra, que los ciclos de la vida, desde el hecho de ser concebidos tienen esa importancia del sobrevivir tengamos la edad que sea, y que cada etapa es creadora de recuerdos, hechos y sentimientos que nos harán personas llenas de vida hasta cuando el cuerpo aguante.
Curaduría

Felipe Mayuri Poma

Fernando Bryce o El historiador Visual

2008-11-11T05:31:00.000-08:00

``En verdad es la idea que tengo desde hace años, siempre que trabajo estas cosas históricas, me parecen siempre de actualidad"

Fernando Bryce es el invitado estelar este año en la Feria Internacional de arte latinoamericano PINTA, la cual abrirá sus puertas en los próximos días (del 13 de Noviembre al 16 del presente mes), a escasos días para el comienzo Bryce expone en la galería Bárbara Thumm de Berlín una serie llamada Die Welt (El Mundo) en la que se ocupa del inicio de los procesos interculturales y de globalización. (La época del imperialismo y la Belle Epoque)

Esta vez son 195 dibujos fiel a su labor en tinta china sobre papel y a su método de análisis mimético que emplea para su producción , en la cual se pueden encontrar desde documentos de época, primeras planas de periódicos , revistas, portadas de libros, textos teóricos, avisos publicitarios, mapas y retratos pequeños , fragmentos de la historia universal entre 1885 y 1920 con los que Bryce (re)construye el gran mosaico de los acontecimientos,dándole una nueva nomenclatura que engasta con el presente.

En los dibujos de Bryce, la imagen se despoja del color y de distracciones para dar lugar al medio de expresión más primario, cuya finalidad es dejar en evidencia el mensaje producto de las ideologías que imperaron en aquel momento , el considera por un lado que la historia en un sentido muy "real" esta vinculada a la certeza de los hechos, sin embargo , cree también que todo aquello que representa la historia es, en primer lugar, algo mediatizado, construido a traves de publicaciones, documentos, que van a parar finalmente al un archivo.

El también es conciente que al trabajar en el campo de las imagenes, estas se valen por su propio peso, pero también se establece un interes, en donde se abarcan los textos, ya que en ellas, como dice el, se vuelven como imagenes generadoras de imágenes.

Bryce ofrecerá en la participación programada que tiene para PINTA una conferencia sobre su obra y presentará un trabajo titulado "Iraqi Art Today", un rescate de un catálogo de artistas iraquíes de 1972, con un texto teórico acerca del arte y la periferia. Acompañan a los 28 dibujos dos objetos: el águila imperial estadounidense parada sobre varios volúmenes de la revista "Foreign Affairs" ("Asuntos exteriores"), y el león del imperio británico, parado sobre una ruma de ejemplares de "Empire Review" toda una puesta que ya a concitado el interés.

Los que estén interesados en ver un poco mas de su obra podrán acceder a ella a través de la Web de la galería Bárbara Thumm en la cual se vienen exponiendo en este momento sus trabajos mas recientes y en donde también se pueden encontrar algunos de los dibujos que presentara en la reciente Feria, entre otros de su red icnográfica global.

http://www.bthumm.de/www/artists/bryce/exhibitions.php

©Pablo Villaizán
Lima, Noviembre del 2008

Imaginar el ejercicio de la contemporaneidad - MAC LIMA

2008-11-11T05:17:00.000-08:00

De todos los panoramas surrealistas que se pueden imaginar y denotar en ejercicio para los devenires del arte ,quizás el más relevante (en este lado del continente) sea la culminación del Museo de arte contemporáneo de Lima -MAC, a decir de él y su compleja problemática para una posible finalización seria para tales fines comprender la puja que ejercen dos extremos, una en descontento por la ineficacia en la conclusión de sus obras y la otra en compensación con la primera para disentir deberes allanados al derecho que compete, de cualquiera de sus dos formas o grupos en ejercicio de competencia o dominio sabrá decirse , que a favor de finiquitar un espacio que traería nuevas márgenes de discusión, lejanas a los litigios seguidos ahora aun por ley, las cuales compensarían las carencias de acercar al gran publico y dejar ver el panorama del arte contemporáneo de las últimas décadas, y contra todo pronostico, de hacer a la luz de los años, mas lejana, la materialización de un proyecto que convendría por demás tener como planteamiento real en lo concreto y no como una suerte de construcción detenida en el tiempo.

El orden de los factores no altera el producto

Quien observa in situ le es difícil de estimar la apatía , de creer al confrontarse con aquel espacio el estado de paralización que deja, el ver en sus estructuras levantadas y sometidas al deterioro, y sin embargo dentro de aquellas aun, para no perder la fe de su consumación, se albergan algunos trabajos en la soledad de la intemperie, casi esperando por las respuestas de las autoridades y los gestores culturales, dejar contener dentro de espacios adecuados los trabajos que propugnen la cara de una realidad diferente para la contemporaneidad.

Los administradores de los espacios, adjudicados para tales fines se verían en la necesidad de comprender la dejadez de una gestión que vienen dejando, producto de puntos de partida mal llevados o planteamientos primarios mal desarrollados y que no concluyeron en caminos adecuados para el verdadero funcionamiento de las formas.

Las instituciones públicas y privadas en ejercicio que se precien de tal deberían proponerse primero ante si y luego incluidamente para un punto de inclusión el acercamiento de obtener el reconocimiento que demanda en lo social, el poner a favor de quienes persisten en la necesidad de alcanzar metas culminativas en las cuales mas allá de su consecuencialidad como procesos finales de gestiones diseminada en los años, se convertirían mas aun, en un nuevo rostro de despolarización que asumiría el nuevo comienzo en las artes participativas y el ensombrecimiento de las políticas que solo facultan perdidas para quienes les es negado un espacio de experiencias y actividades dentro de la aun contemporaneidad.

Al fin y al cabo no solo se trataría en vestir de un análisis consabido en reseñas muchas, mas bien tentar sopesar para quienes el comprender el carácter potencial de un lugar que aun espera en el tiempo, tal vez la dinámica de la discusión ya no solo se centre en el carácter de su funcionamiento dentro de los linderos de la practicidad, sino mas bien luego de su desenlace ahora el de sostener a fuerza de desencuentro la incorporación de un valor social y la integración de las partes.

La discusión de tamaña problemática aun persiste sin pronto resultado y aunque se cree que solo la discusión está en la realidad de su visibilidad, seria también distender de que la otrora discusión que aun esta sin alcanzar se encontraría en lo que se presentaría en ver, tener dentro de sus interiores, por el momento esa expresión se encuentra a la sombra de su desarrollo ,pero si es que aun no es pronto para pensarlo es seguro que ahí también se entenderían los puntos fundamentales jugados para adquirir la significación absoluta que se encontraría en un proyecto de transformaciones sociales y acuerdos por final de políticas de lo real.

©Pablo Villaizán
Lima, Julio 2008
Workshop A-Desk

LA LLAMA DOBLE DE ALHALEL

2008-10-31T17:02:00.001-07:00

Alhalel nos muestra, en esta oportunidad, un corpus pictórico inspirado en el amor y el erotismo como elementos constitutivos de la vida. Esta dualidad se presenta a su vez como metáfora para aludir a la complejidad intrínseca del ser humano y sus manifestaciones, entre ellas el arte. Por esto, el concepto que recorre la muestra es profundamente existencial: una exploración, cuyo punto de partida es la percepción –sensorial, visual, sensual-, que recorre las nociones de ser, consciencia, espacio, alteridad, origen, naturaleza, tiempo, vida, forma, realidad, muerte. Con LA LLAMA DOBLE – préstamo literario de Octavio Paz sobre el amor, -- el pintor nos conmina a sumergirnos en la paradoja ineludible del encuentro. Rescatando para ello un antiguo proyecto personal, Alhalel busca amplificar (en forma evocadora) los principios de la conciencia espacial propia del budismo Zen a la estructura formal de la muestra, de modo que cada espacio de la galería representa el diálogo entre lo interno y lo externo, lo opaco y lo transparente, lo físico y lo espiritual, lo temporal y lo eterno, el objeto y el todo, en un continuo integrador. La temática aborda dos motivos fundamentales: por un lado, el cuerpo; por otro el espacio, en su vertiente de paisaje o vacío preñado, propiciando así una sólida interacción que en ocasiones se dibuja bajo la forma de un erotismo sugerido como vía de conexión con lo absoluto.Los dibujos, las pinturas y las esculturas que conforman esta serie se encuentran poblados de personajes cuya danza, unas veces encendida y vertiginosa, otras calma y continua, remiten al latido de la naturaleza, al abrazo, al instante eterno del encuentro amoroso, a la fusión, la patencia de la otredad y el tiempo, en una oscilación permanente entre el uno y el todo transido por lo efímero. En palabras de Alhalel: “No es la fijeza, dureza o fuerza hierática de los cuerpos la que me interesa resaltar sino la contrastante relación de figura/fondo, cuerpo/tiempo, materia/mente como testigo de un movimiento, de una tensión que gobierna la vida y el arte. Si algo permanece es la impermanencia como referencia última, que es la única lógica que sostiene el universo y sus manifestaciones”.

Jorge Castilla-Bambaren / Pinturas

2008-10-30T06:25:00.000-07:00

El bestiario Imaginario Continental

Jorge Castilla Bambaren constituye en su pintura la suma de todos los miedos, una hibridación constante que lo aleja de la conspiración de determinarlo dentro de una vertiente, ,estilo o tendencia, sus trabajos tienden a reformularse ocupando en su interior la esencia de sus fuentes. Las estructuras elementales que componen sus cuadros ejercen fuerzas que al parecer yacen de manera primigenia en el subconsciente, como si trajera aquellas formas de visiones adquiridas através del fuego de una caverna.

Castilla-Bambaren a sabido amalgamar el caos de las imágenes dando un orden y un valor que lo ha ido acreditando através de los años, haciendo de sus procesos una elaborada y definida reafirmación de sus posibilidades como autor de una fauna humana concertada en espacios medianos que anteponen al observador a inquerirse en su reflejo, como si se tratase de un espejo, que no solo refleja el instante del momento, sino mas aun, toda una vida, como si se tratase de la propia evolución. Con un robusto corpus en su obra, su pintura arremete con colores intensos y enérgicas configuraciones, llenas de movimiento y expresión, a la cual se le ha conceptualizado como síntesis de lenguajes racionales con expresiones primitivistas, la cual puede dar una idea de su accionar, el cual se provee de una certera intuición para el desarrollo de su trabajos.

Y es que el resultado de su sentido humano es la reunión de lo autentico, la anarquía en sus elementos conducen a que emerjan aquellas presencias laberínticas que se perciben por momentos intimidantes, dispuestos a desafiar el raciocinio que se dispone para tornarnos a su lectura.

En definitiva sus figuras se traducen en seres convexos con marcadas delimitaciones en los contornos, los cuales definen como un recipiente aquella transposición visual que contiene el mirar , la liberación del movimiento, la transmutación , la mecánica de la imagen que presume saber algo que en el fondo yace oculto pero diligente y mecánico ,conspirando saber las respuestas a las transformaciones que innegablemente nos antepone la vida; Como si cada uno encontrara dentro suyo el imaginario de un continente joven que lucha internamente y de manera particular para permutar en la compleja y enrevesada historia de lo humano.

©Pablo Villaizán
Lima, Octubre del 2008
Todos los derechos reservados

JORGE CASTILLA-BAMBAREN Y LA IMAGINACION DE AMERICA LATINA

2008-10-27T20:56:00.001-07:00

Calificar hoy a un artista de expresionista equivale a confesar que no se sabe que etiqueta ponerle, más aun si se utiliza ese término antepuesto del prefijo neo. Al hablar de neoexpresionismo hay un implícito reconocimiento: expresionismo es el nombre de un movimiento que ha comienzos del siglo XX se dió particularmente en Alemania pero que tuvo su gran antecedente en las obras de Van Gogh. Por lo tanto, neoexpresionismo significa relacionar con aquella vanguardia a artistas posteriores. De esta manera, ese calificativo impide una real aproximación a ellos, a lo original de cada uno. Pero como se trata, por lo general, de clasificar –como quién agenda nombres en una libreta- la creación artística para contenerla a esta, y poder así dominarla, evitando que nos moleste, se ha instaurado, particularmente en América Latina, un vicio que es el de afrontar lo propio haciendo referencias a la historia del arte occidental y a los países llamados centrales. He hecho, esta aclaración como manera previa a abordar la obra de Jorge Castilla-Bambaren, a quién se lo suele calificar de neoexpresionista como si así se definiese algo respecto a su obra. Ni siquiera este término sirve –como en algunos otros casos- para señalar su pertenencia a una familia artística diferente de la geométrica, porque él también se nutre de esta experiencia. Con esta costumbre viciada se olvida la famosa sentencia de Rimbaud: “Yo es otro. Si el cobre se despierta clarín no es por su culpa”. El término expresionista pone el acento en el yo olvidándose de lo otro que deviene en el acto creativo. Así como uno sabe lo que va diciendo en la medida en que lo va formulando, el artista sabe la imagen que va enunciando en la medida que la va haciendo, y allí surge la sorpresa de la obra. Es así que Castilla-Bambaren, como auténtico artista que es, ha ido conociendo al otro Castilla-Bambaren, el que se va formulando a través de su obra: Él nos revela las presencias que nacen de su mano de pintor, de las cuales es el primer contemplador. Vienen del caos creador -lo que Gilles Deleuze define como “caos–germen”- y quedan así fijadas inmóviles ante nosotros (un nosotros que lo incluye a Castilla-Bambaren) como si fuesen eternas. Con fuerza y precisión, él las define como si viniesen de un cuento para niños, pero para esos infantes que lo somos todos, más allá de las edades. Estas presencias ominosas, amenazantes, él nos las presenta como si fuesen mascotas, ya que a lo largo de su vida ha ido tomando confianza con ellas. Su salvajismo es su dignidad de artista. Castilla-Bambaren se ubica frente al mundo como un primitivo, sintiendo que este lo excede. Pero en este caso, el “exceso de objeto”, del que habla Levi Strauss, es más cultural que natural.

Al negro profundo y grueso del trazo definitorio de su imagen, el color categórico lo complementa (como el adjetivo al sustantivo). No obstante, la fuerza de las imágenes es tal que –como en otra ocasión lo ha hecho- puede definirlas en blanco y negro. Paradójicamente, ellas se estructuran con una presencia de piedra pese a su conformación orgánica.
Su bestiario es la consecuencia de un hombre de América Latina –más precisamente de Perú, a cuyo pasado precolombino el homenajea en su hacer como si aun estuviera presente- que asume su contexto reinventándolo.
Sus imágenes están más allá del drama de nuestro continente pero solo de él pueden haber nacido.
¿Se entiende ahora que el concepto de expresionismo individualista no le corresponde a su obra?
Castilla-Bambaren pertenece al grupo selecto de artistas que contribuyen a imaginar a América Latina.

Luis Felipe Noé
Buenos Aires - Argentina 2008
http://en.wikipedia.org/wiki/Luis_Felipe_Noé

EL ONCEAVO ARTE EN EL GOETHE

2008-10-15T10:54:00.000-07:00

Por: Carlos Campos Serna

Se dice que arte, es todo quehacer creativo que los seres humanos realizan. Pero existe el arte oficial, que para mí, son ideas manifestadas en su mayoría, sobre una superficie blanca.Ya que la arquitectura para poder ser una bella obra arquitectónica necesita ser representada en planos arquitectónicos, la música necesita estar en partituras para ser tocadas como grandes melodías y aunque, actualmente la poesía (literatura) puede ser representada en libros electrónicos: no se puede comparar con el placer de leer un libro impreso. De igual forma, los grandes guiones se escriben con la combinación de dos colores opuestos, para después ser vistos en superficies blancas de grandes dimensiones a través de proyecciones o en escenas teatrales… y así, podemos seguir con la pintura y la historieta, exceptuando los movimientos maravillosos y exquisitos del cuerpo humano transformados en danza y la capacidad de las manos para transformar cualquier material en una escultura.Para el ojo común del observador, el arte puede ser estupendo, deslucido, algo o nada. Por consiguiente, los sentimientos e interpretaciones que pueda despertar este, son distintos.Hace algunos días, al ver una exposición en la que, dos culturas se enlazaron para la transformación de la poesía alemana en pinturas de artistas peruanos, recorriendo la exposición, no leí primeramente la poesía como lo venía haciendo en cada uno de los paneles sinó, que esa noche me interesó más la pintura tridimensional que la poesía olvidada. Definitivamente me había cautivado esta, llegué a observarla excesivamente, más que las otras: con indecisión. Analicé que el artista había construido en un fondo negro algunos volúmenes alrededor del marco, los cuales, se distinguían por sus tapas que se habían pintado con destellos de pintura plateada - fosforescente y en medio se encontraba una figurita solitaria tirada patas arriba sobre ese desierto negro; del techo de la galería colgaban unos cables negros que recorrían un camino hacia la pared para esconderse atrás de la pintura y que salían al centro de esta, es decir, arriba de los pies de la figurilla. Para el artista los cables representaban la vida del universo y la muerte de la figura.Esa noche me fui a la cama con la duda. No pude dormir y para colmo había olvidado leer la poesía.Al día siguiente, me levanté con la impaciencia de mi alma dudosa pero también con el estómago vacío -ceno muy poco para luchar contra el sobrepeso-, así que primero le puse atención al vacío con un rico desayuno, para después trasladarme al instituto (Goethe) donde se encontraba la exposición. Inmediatamente, estando ahí, leí solamente la poesía de Hans Bender: EL PRISIONERO MUERTOLa nieveUn hombre en la tierra,Un curaSin cruzSigue el rastro del trineo.El cieloDetrás de los cuervosLa tierra,HieloEntre el puño yLa hendiduraSe quiebra la palaCadáverAjeno a todo.Eterno,En las garrasDe una nieve extraña.Echando nuevamente un vistazo al cuadro, sorpresivamente había encontrado la respuesta al dilema que no me había dejado dormir la noche anterior, de cómo dos artistas de culturas y épocas distintas, habían interpretado con sus palabras y materiales, elementos que conformaban sucesos de mi existencia, ya que, siendo un arquitecto, encontré la pintura tridimensional como una maqueta arquitectónica y recordé también las palabras que mi abuelo les dijo a sus hijos cuando murió: que la muerte le llegaría cuando ellos vieran sobrevolar doce cuervos en un fondo azul y que ésta, también llega en el sentido inverso de la vida, es decir, por los pies, dejando a la persona sola en un universo indefinido y negro. Por otro lado, cuando yo empecé a construir el sueño de muchas personas, no puse la primera piedra, sino que empecé a limpiar el terreno con una pala, en donde yo iba a construir mi casa; con la primera palada me encontré la misma efigie escondida y solitaria debajo de la arena -que por cábala y aunque soy ateo- la puse sobre el panel de mi auto sin ningún pegamento y que después por efecto del calor del sol, las manos de ésta se quedaron bien sujetas y, que al salir la luna, refleja una silueta en forma de cruz sobre esa superficie también negra, y no obstante de que con ese auto he manejado cuatro años, esa figura desabrigada no se ha movido de su lugar, aunque tenga que frenar intempestivamente en el tráfico de la Ciudad de México. Pero, lo más insólito de esta historia, es la conexión de dos cristos; uno peruano solitario en ese universo negro del pintor y el otro mexicano perdido en la arena de las playas de Acapulco y que fueron los personajes que representaron a mi abuelo, y la construcción de unos de mis sueños: la construcción de mi casa de playa.Y, definitivamente, con todas estas impresionantes coincidencias universales, pude reencontrarme con una conclusión filosófica: La vida es un arte.

Referencia: Bender, Hans: "El prisionero muerto", en: Boso, Felipe: 21 poetas alemanes Vol. 1, Madrid 1980, Pág. 53
at viernes, octubre 10, 2008

Mas aqui: http://arbolaridad.blogspot.com/

LOS BOSQUES DE ROBINSON

2008-10-02T16:21:00.001-07:00

La obra de Jairo Robinson se presenta enmarcada en un clima de misterio; su quietud y su tan aséptica apariencia nos captura desde un inicio y nos lleva a un mundo automático plagado de figuras monumentales de fríos contornos y extraños significados; como en un rito de iniciación, sus figuras participan de una eterna cópula en donde las piezas encajan unas con otras generando nuevas formas y entrando así en un eterno juego cíclico que nunca acaba.Sus bosques, título que encabeza la mayor parte de las composiciones aquí presentadas, no son necesariamente las obvias representaciones del mundo táctil a las cuales estaríamos acostumbrados, son más bien vestigios de antiguas civilizaciones, tótems falicos, lineas ascendentes y ováricos núcleos: escenas todas cimentadas en un muy personal orden geométrico. Un orden geométrico que ya tiene larga data en el arte y que entre las primeras vanguardias artísticas generó obras que postulaban a un cambio del sistema, quedando el arte así como una promesa mesiánica dentro de la conquista de mundos imposibles. Pero la obra de Jairo Robinson, dentro de su coraza geométrica, nada tiene que ver con la impronta suprematista, esta muy lejos de las religiosas composiciones de Malevich o los mundos utópicos de cambios sociales de El Lissitzky dentro del constructivismo, ésta se enmarca mas bien, en la tradición surrealista de juegos automáticos con las formas, y dentro de esto se asocia a las composiciones de Hans Arp y al universo panteísta de Max Ernst.
Las construcciones de Jairo Robinson obedecen a un orden interno que no puede ser parametrado de ningún modo, es por eso que sus maneras automáticas de origen y existencia son siempre latentes. Y esto lo lleva a un modo panteísta de concebir el arte, tributo personal a los elementos naturales que se ramifican y hallan su progreso o su fracaso dentro de los límites del plano.
Su obra es un pedazo de naturaleza y un pedazo de su propia historia personal enmarcada en la clásica ventana de la imagen bidimensional. Su obra es un universo siempre cambiante que nos invita a ser explorado dentro de esta época gobernada más bien por la imagen volátil. La rotundidad de sus formas nos ofrece cobijo o destrucción, la complejidad de sus lineas y tramados nos ofrece vértigo y bienestar, nada se puede dar por sentado en su obra, las apariencias siempre cambian y las posibilidades son infinitas.

Jose Luis Carranza

TOLA EN EL C.C. GARCILASO

2008-09-26T05:17:00.001-07:00

José Tola (Lima, 1943) uno de los más importantes artistas visuales peruanos de la actualidad a presentado a lo largo de este ultimo año tres exposiciones de sostenida factura, fiel a su incansable labor el pintor presento hace unos meses en la Galería Lucía de la Puente su más reciente producción pictórica además de una selección antológica de trabajos sobre papel en la Sala de Proyectos especiales y paralelamente a la misma se realizo una exposición antológica (1965 – 2008) de su obra en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano de Miraflores titulada TOLA: EL ARTISTA COMO DEMIURGO curada por Jorge Villacorta. Con motivo de esta exposición también se edito un libro con textos de Mirko Lauer en el que repasa toda la trayectoria del artista.

El trabajo plástico de José Tola revela una naturaleza incansable, siempre dispuesta a indagaciones en las direcciones más diversas, que son exploraciones en las posibilidades de la forma pintada, entre la abstracción sin representación alguna y la figuración. Refiriéndose a la etapa actual del artista Mirko Lauer reflexiona diciendo: “Hoy Tola está en una etapa de alta madurez en que los elementos se van equilibrando, en que la presencia del pintor como agonista –codificada, pero evidente- retrocede en beneficio de algo llamable un mundo independiente respecto de su persona”.

El doble registro de estructura profunda racionalista y textura sensual
Mirko Lauer nos dice acerca del doble registro de estructura profunda y racionalista:
Es el que hace a los cuadros de Tola tan diferentes. Es mediante él que Tola juega a que está jugando con nosotros. Pero a la vez su dedicación al propio mensaje argumentativo es total. El juego, y el posible engaño, es para quienes se resistan a acompañarlo en su aventura creativa más profunda: la cosa mentale de una lucha con los arcángeles en aquel espacio recurrente ubicado entre la caída y la salvación.

El pasado jueves 17 se inaguro su tercera muestra en el presente año, Sobre Amores y desvaríos nos dice el propio Tola: Sobre los amores que allí se encuentran, solo se vera el vértigo provocado por esa inmovilidad vacilante entre la lucidez total y su contrario y donde el tiempo se desvanece con una falsa inocencia.

La presente muestra se puede apreciar en la galería del Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú. El texto que acompaña a la muestra es de Antonio Cisneros y se puede acceder a el, entre otros, algunas de las pinturas que son parte de la exposición.

http://www.ccincagarcilaso.gob.pe/expoact.asp

Pablo Villaizán

CLAUDIO RONCOLI

2008-09-25T18:47:00.000-07:00

Claudio Roncoli tuvo una infancia que muchos niños podrían haber envidiado: su papá era dueño de una juguetería. Tenía al alcance de su mano un Disney World hecho a su medida: robots, lanchas, monitos músicos, autitos Matchbox, fuertes apaches y soldaditos plásticos, trenes de lata, metegoles y otros tantos. Su universo de juguete alternaba con otro universo no menos fascinante: el de su escuela parroquial. Participaba activamente de las actividades de su iglesia, iba a misa, tomaba la comunión, fue scout y luego acólito. En su adolescencia, Claudio había decidido entrar en el seminario, quería ser cura. Pero después de dos años, con crisis, confusiones y fuerte curiosidades por el mundo, Claudio abandonó el seminario. Tenía quince años. Más tarde nuestro artista ingresó en la Universidad de Buenos Aires para estudiar Diseño Gráfico, pero estuvo allí sólo un año, pues había conseguido trabajo en un estudio de diseño y allí aprendía más rápido que en la academia que abandonaría prontamente. La Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón fue un lugar para completar su aprendizaje, pero también para explorar con sus nuevos amigos- músicos y pintores- las posibilidades que le daba un país que reiniciaba su período democrático.

La obra
Roncoli tiene un extenso corpus de obra que fue madurando progresivamente con una iconografía ligada a la retórica publicitaria de la década del 50 desplegada mediante una técnica mixta que conlleva digitalización de imágenes y pintura sobre tela. En la fase de producción de obra, hay un primera etapa —que podríamos llamar “arqueológica”— que requiere de material de época: revistas y semanarios orientados hacia la mujer, particularmente de los años 50, 60 y 70; una segunda etapa consiste en la selección y recorte de imágenes orientadas fundamentalmente a la figura humana y a diversos objetos de consumo. Más tarde ese material seleccionado se digitaliza, las imágenes añejas se limpian, se pone a nuevo. El siguiente paso es un “collage electrónico” que Claudio diseña en la pantalla de su computadora y luego imprime en una tela a la que retoca con pintura aplicada con espátula. Esta mixtura de técnica no deja de provocar cierta incomodidad en algunas instituciones artísticas, particularmente en premios y salones que siguen teniendo categorías fijas como “pintura”, “arte digital” o “fotografía”. La obra de Roncoli podría incluirse en cualquier de las tres, ya que en rigor su obra es “técnica mixta sobre tela”, y a la vez, una imagen digital intervenida con pintura.
La re-fotografía
Roncoli utiliza el recurso de la “re-fotografía” no con una cámara sino con un scanner. De esta forma participa de algunos topoi (lugares) de discusión teórica, tal como la desaparición del autor o la invalidación del concepto de originalidad. Más que de un autor en particular (como lo hace Richard Prince con la publicidad de Marlboro) Roncoli se apropia de una estética particular (más cercana a la operación de Barbara Kruger) inspirada en un modelo de felicidad pequeño burguesa basada en el consumo y construida por los medios de comunicación en la posguerra del 50 por los Estados Unidos, modelo que luego fue exportada a países periféricos. Elegir fotos, en vez de hacerlas, tiene que ver con otro argumento (de raíz duchampiana) frecuente en el arte del siglo XX, no se trata de seguir agregando objetos —o imágenes— al mundo, sino de señalar los que ya están. No hace falta ser original, es suficiente con una operación conceptual; la selección, en vez de la creación.

La mirada
Roncoli presenta en sus obras un universo reconocible -imágenes que fueron vistas anteriormente- aunque transformado. Estas imágenes conllevan las estructuras patriarcales imperantes en la década del 50 y subsiguientes (incluyendo también nuestros días): la mirada es masculina, heterosexual y de raza blanca. Al retrotraer la mirada a décadas anteriores, Roncoli nos obliga a considerar aquellas revistas donde la mujer “era” (somos optimistas en el uso del verbo en pasado) un mannequin (maniquí o muñeca) donde se cuelga la ropa, la moda y la mirada del varón dominante.
En los cuadros de nuestro artista la presencia del varón es numéricamente inferior, cuando aparece ostenta una clara actitud de dominio (en la cabecera de la mesa, acompañando a la mujer o como piloto) y siempre es de raza blanca (excepcionalmente hay un hombre de raza negra, Qué loco el negro, 2006, un apuesto morocho que abraza por la cintura a dos damiselas). Como podría esperarse, también el varón es heterosexual (la excepción son los dos varones de Luna de miel, 2006) y los niños -mayoritariamente de raza blanca- parecen salidos de un casting para series televisivas como Lassie o Flipper.
Aquel mundo rescatado por Roncoli conserva estructuras de poder que no están agrietadas por ninguna de las mal llamadas “minorías”; mujeres, gays, lesbianas, negros, asiáticos o hispanos cuestionan nada, simplemente porque son eliminados de la escena.

La iconografía
Cada obra creada por Roncoli muestra personajes espléndidos, jóvenes, hermosos y felices. Debe ser lo más semejante al mundo vivido por el príncipe Siddharta Gautama —posteriormente conocido como Buda— en el palacio, en una burbuja cortesana que ignoraba la enfermedad, la vejez, la pobreza y la muerte. Algo semejante sucedía con el pop art de los Estados Unidos, que se desplegaba en paralelo a los horrores de la Guerra de Vietnam. Nada parece macular la felicidad del paraíso creado por Roncoli. Ahora bien, la pregunta es: ¿Por qué no? ¿Qué hay de malo en creer que el mundo es un jardín de rosas florecidas, sin ninguna espina?
Ese bienestar de limbo se acentúa con un detalle iconográfico, las aureolas de las figuras. En la iconografía cristiana existe una codificación clara para las figuras de los santos: las cabezas resplandecen con un nimbo. Desde el Gótico -y particularmente durante el Renacimiento- esa aureola comenzó a dibujarse con tanta precisión formal que muchas veces se olvida su origen simbólico. Roncoli reemplaza el nimbo por el contorno de una galletita de merienda infantil; sus personajes no son santos, sino seres ingenuos, bambis en un bosque de fantasía. En el Paraíso creado por Roncoli no existe el Mal, quizá porque no hay conciencia del Bien. El artista parece rescatar aquel tiempo previo a la Ley, donde no había reglas, moral ni ética, cuando un niño mataba a un pájaro sin saber que eso está mal. En la obra de Roncoli hay niños por doquier, impera la iconografía infantil: ellos (peinados a la gomina con jopo) y ellas (trencitas rubias y mejillas rozagantes) hacen la tarea, festejan el cumpleaños, juegan en ronda, acompañan a sus padres y admiran al abuelo. En los fondos de los cuadros hay dibujos de cuentos infantiles, juguetes, peluches, superhéroes, estrellitas y arco iris. Este repertorio apuntala aquel sentimiento de ingenuidad edénica de muchos niños. Los personajes de Roncoli son intrínsecamente buenos, no en sí mismos, sino por la ausencia y desconocimiento de Ley. En un punto, la obra de Roncoli se pregunta sobre la existencia de un “Mundo Feliz”, una unidad perdida que no distingue entre dicha y desdicha, vicio o virtud.

Epílogo
En la pintura de Claudio Roncoli se conjugan dos importantes aspectos biográficos: su educación católica y los días de infancia en la juguetería de su padre. En sus últimas creaciones, el artista emplea elementos de la publicidad, la historieta, el diseño gráfico y el collage, echa mano de recursos contemporáneos, sean tecnológicas —como la digitalización de imágenes— o conceptuales —como la re-fotografía—. Cada obra puede leerse como el capítulo de una gran epopeya utópica. Roncoli mira las décadas pasadas (del 50 al 70) con cierta conmiseración y perdón. Reivindica un mundo utópico donde no existen conflictos de raza o género, santifica con ironía juvenil aquella sociedad que supo vivir en un nirvana capitalista y se pregunta cuál es el pecado de hacerlo así. En el despliegue pictórico de Claudio Roncoli subyacen preguntas como estas: ¿Es posible la felicidad ininterrumpida? ¿Quién podría vivir en un limbo de bienestar desconociendo la palabra angustia?

Por Julio Sánchez
Crítico de Arte argentino

El Artista peruano Marco Carpio expone en Londres

2008-09-15T17:48:00.000-07:00

En el ‘Premio Threadneedle de Arte Figurativo’
Londres - 2 de septiembre de 2008 - “Hyde Park”, nombre de uno de los parques más extensos y emblemáticos de Londres, es el título de la obra con la que el artista peruano Marco Carpio participa en la exhibición del “Premio Threadneedle de Arte Figurativo”, que se realiza en la capital británica hasta el 6 de setiembre. Lo indicó la oficina de prensa de la Embajada del Perú en la capital británica.
Su instalación, una ardilla gris en una caja de madera parcialmente cubierta de concreto, ha sido seleccionada de un total de 2 700 obras para ser exhibida junto a otros 70 trabajos, varios de ellos pertenecientes a artistas de reconocida trayectoria internacional. Esta es la primera participación del artista peruano en una muestra en Londres y lo hace con un trabajo que adapta una constante en su propuesta a su paso por la metrópoli europea. “Siempre he creído que mi propósito en el arte es expresar de algún modo mi ambición por unirme con el universo. Mi experiencia en los andes y la amazonía peruana ha sido gravitante en mi trabajo”, explica Marco. Antes de venir a Londres, Carpio pasó seis meses viviendo en Tambopata (Puerto Maldonado), donde realizó algunas instalaciones artísticas sobre la relación de los animales con su medio ambiente. “Esta temática la he seguido desarrollando en Londres pero desde otra perspectiva, una que responde a un contexto diametralmente opuesto”. El uso del nombre “Hyde Park” en la instalación del artista alude a los parques que existen en la ciudad de Londres, espacios verdes que han permitido que algunos animales hayan logrado adaptarse a vivir dentro de la urbe. Lo interesante para el artista es ver cómo el color de la ardilla se ha mimetizado con el gris del concreto de la ciudad. La propuesta de Carpio cuestiona la relación espacial entre la naturaleza y la civilización, la conducta humana y animal.Esta es la primera edición del “Premio Threadneedle de Arte Figurativo”, que sin negarle valor al arte conceptual, pretende ser en los próximos años la contraparte en el Reino Unido del “Premio Turner”, concurso ampliamente vinculado a lo conceptual y que ha venido determinando desde hace varios años la tendencia en el arte contemporáneo. Si bien la mayoría de las obras seleccionadas para el “Premio Threadneedle” se ajustan al perfil figurativo, muchas como la del artista peruano tienden al conceptualismo: “el eje de los trabajos elegidos es el tratamiento de la figura, creo que mi obra ha sido leída como una pieza en el límite de ambas tendencias”.Aunque la obra de Carpio no llegó a ser incluida dentro de la lista de los siete finalistas que podrán acceder al primer premio de £25,000 libras (aproximadamente US$50 000 dólares), aún queda un premio de £10,000 libras (aproximadamente US$ 20 000 dólares) otorgado por la Federación de Artistas Británicos que será anunciado el día 3 de setiembre. El artista peruano considera que haber sido incluido en la muestra por un jurado compuesto por algunos de los críticos de arte más influyentes de Londres, ha sido una suerte. “En cierta forma un concurso es siempre un azar, una coincidencia entre la oportunidad y la capacidad”.
Sobre su paso por Londres y planes futuros, Carpio señala: “Para ser honesto, me es difícil explicar el modo en que Londres ha influenciado en mi trabajo. Son demasiadas cosas juntas, lo más sensato sería decir que Londres es una ciudad fabulosa por su actividad cultural, por lo tanto genera un pulso difícil de conocer, abarcar, poseer o dominar. En estos momentos estoy haciendo un poco de “street art” (arte en las calles), objetos y pinturas con una temática similar a “Hyde Park” asociados también a la idea del paraiso que supone el Perú para los naturalistas y al osito Paddington “from darkest Peru”. La obra de Carpio y los demás trabajos incluidos en la muestra del premio Threadneedle se exhiben en la galería “The Mall” de Londres desde el 20 de agosto hasta el 6 de setiembre.Página web: http://www.threadneedlefigurativeprize.com/exhibition

Mirar para mirarse. A propósito de la Individual de Iván Fernández-Dávila

2008-09-05T18:58:00.001-07:00

Iván ejerce como bohemio en un cuarto piso. Allí pinta y vive, vive y pinta. Es un artista que ha iniciado el camino de encontrarse sin recurrir al último grito posmoderno: Usar como inspiración una foto o hacer un lado el caballete. Iván necesita una modelo que le permita hacer suyo el gesto de un romántico. A imaginar entonces que de tanto en tanto, una mujer sube las escaleras que separan la calle y su taller, un recorrido en el que se topa con varios gatos. Y es que Iván no sólo se rodea de esas criaturas de las que Borges decía que no eran más silenciosas que los espejos y que Neruda identificaba como arrogantes vestigios de la noche. Sus animales consentidos suelen formar parte de sus creaciones. Los gatos sólo quieren ser gatos, como también decía Neruda, van y vienen entre lienzos, chisguetes y pinceles. No se oye un miau, a fin de cuentas esos gatos son gatos modelo.
¿Qué anima las variaciones sobre la presencia femenina en la pintura de Iván? ¿Qué sugieren esos personajes ensimismados a los que acompaña la vista de unos techos que apaciguan la mirada? El impulso erótico parece fundirse con una intensidad que hace preguntarse por el lugar hacia el que viajan las fantasías de Teresa, Magdalena, de la figura desnuda con mandarinas, o de aquella que no deja de soñar aunque se encuentre en plena vigilia. Las pinceladas de toque expresionista abren y cierran interrogantes que se escapan finalmente por una ventana. El artista plasma el fondo de sus lienzos desde su buhardilla en Pueblo Libre alcanzando a ver hasta Magdalena, un circuito poco habitual si como hasta hoy se insiste en asociar el arte al distrito de Barranco.
Lo que le haya costado a Iván comenzar a trabajar entre sueño y realidad lo sabe sólo él. Cabe desearle la constancia que se necesita para continuar su exploración. Si es a contracorriente de quienes se empeñan en apartarse de la pintura, no quiere decir que el artista vaya a vivir fuera del presente globalizado. Es un dato contemporáneo mirar el mundo sin doctrinas, guiado solamente por el afán de mirarse a uno mismo , ojalá, hacer mirar a los demás.

LICHI GARLAND
Periodista/Psicóloga
Agosto 2008

Las esferas de lo público - PLASMA

2008-09-03T11:35:00.000-07:00

El público y lo público son conceptos en los que conviven varios sentidos simultáneamente y que se definen de manera auto-reflexiva. Lo público tiene que ver con lo común, con lo estatal, con el interés compartido, con lo accesible. Hay una movilidad histórica en la oposición público-privado justamente a partir de la propia movilidad de los públicos y sus formas de auto-organización. El público tiene un doble sentido de totalidad social y a la vez de audiencias concretas. La idea central es que los públicos son formas elusivas de agrupación social que se articulan reflexivamente en torno a discursos específicos.
Jorge Ribalta [1]

En una época en que la privatización del espacio público es un hecho generalizado, es necesario preguntarse por el estado de lo público, que desde inicios del siglo XX ha perdido su carácter homogéneo y se ha venido transformando en una dimensión cada vez más diferenciada y dispersa, compuesta por una gran variedad de esferas de lo público.
En la “Transformación estructural de la esfera pública”, Jürgen Habermas [2] se refiere a la noción de esfera pública como un ámbito abierto de debate donde los ciudadanos deliberan sobre los asuntos de interés común -y que en el caso del mundo del arte, tiene su origen en los cafés y salones como espacios de encuentro y conversación, los museos, la opinión en los medios masivos de comunicación, las revistas de crítica, los espacios de exposición y discusión.
La versión abstracta e idealizada de la esfera pública burguesa de Habermas, en la que la deliberación de la sociedad civil ha de llevar a consensos que han de incidir en aquellas instituciones que son objeto de debate, es redefinida en años recientes por varios autores, entre ellos, el crítico y curador Simon Sheikh [3], quien señala que al entender el medio artístico contemporáneo como una modalidad de esfera pública, debemos tener en cuenta que no se trata precisamente de una esfera homogénea y consensual, sino de una plataforma en la que prevalece el disenso y el conflicto entre distintas subjetividades, políticas y economías.
En relación con el medio artístico local podríamos preguntarnos ¿deben los debates del medio artístico asumir un perfil didáctico para llegar a un “público más amplio”?, ¿pueden estas discusiones involucrar públicos de otros países y contextos?, ¿en qué medida se ve afectada la esfera pública del arte por los flujos del mercado?, ¿están realmente las instituciones del arte abiertas a la interlocución y el debate?
Como una forma de profundizar en estas preguntas –y no necesariamente como un recorrido histórico por las distintas modalidades de esfera pública- me interesa en este texto resaltar un conjunto de situaciones que develan distintas formas de asumir y articular esferas de lo público desde el medio del arte.

La Era Postmedia - PLASMA

2008-09-03T11:32:00.000-07:00

De Jose Luis Brea / http://www.laerapostmedia.net/
[ ... Acaso uno de los sueños programáticos de las vanguardias que más ha quedado en suspenso, con el transcurso del siglo 20, sea el de generar "comunidades de productores de medios", para utilizar la conocida expresión de Bertold Brecht. Su experimentación con la radio, la de los artistas soviéticos con el cine, la de las neovanguardias sesentayochistas con el vídeo, la tele-guerrila o el cine expandido, todas ellas han fijado un sueño nunca realizado (pero tampoco nunca abandonado): el de desarrollar -a través de la propia práctica artística, concibiendo ésta por tanto como activismo a la vez político y medial- esferas públicas autónomas, dispositivos de interacción social capaces de inducir entre los ciudadanos modos de comunicación directa, no mediada por el interés de las industrias o los aparatos de estado.
La aparición de la red internet ha venido a renovar y actualizar la virtualidad de ese sueño. Cabe incluso afirmar que la aproximación del mundo del arte al de la red ha estado marcada por la cautivadora fantasmagoría de ese programa, revisitado. Entre tanto, han surgido maneras y lenguajes artísticos entregados a experimentar las potencialidades formales del nuevo soporte, dando lugar a eso que ya es habitual denominar net.art. Pero al mismo tiempo, cabe reconocer un espíritu de activismo que concentra sus esfuerzos justamente en el desarrollo de tales "comunidades de productores de medios". En este caso se trata de "comunidades web", que se encuentran e intercambian sus producciones generando sus propios dispositivos de interacción pública, sus propios "medios", en un ámbito independiente de comunicación capilar. En un dominio postmedial en el que la circulación pública de la información ya no esté exhaustivamente sometida a la regulación jerarquizada característica de los tradicionales medios de comunicación, estructuralmente orientados a la producción social del consenso (a la organización de "masa" antes que a la articulación comunicacional del "público"). ... ]
La era postmedia es un ensayo cuyo objetivo es proporcionar los más diversos materiales para abordar críticamente la aparición de ese nuevo escenario de la acción creadora y comunicativa que es internet, analizando desde los más diversos aspectos las relaciones entre arte y nuevas tecnologías comunicativas: desde el análisis más puramente teórico a la guía práctica para familiarizarse con los sites dedicados a net.art, desde el seguimiento de las relaciones entre net.artistas, activistas y hackers hasta la propuesta irónica de un antiglosario con el que orientarse en el conocimiento de este nuevo panorama del arte electrónico y su impacto transformador de la experiencia de lo artístico.

http://www.realidadvisual.org/plasma/blog/

El Retorno del Artista Ingeniero - Marco Encuentro de Arte y Nuevos medios -PLASMA

2008-09-03T11:27:00.000-07:00

De José Aburto
¿Pensamos con el hemisferio derecho cuando escribimos un poema y con el izquierdo cuando calculamos nuestros impuestos? ¿Así de simple es?, parece ser que estamos condenados a estar siempre divididos. oriente-occidente, norte-sur, hombre-mujer, propios-extraños, yin-yan, etc.
Uno de estos complementos excluyentes es el que pasaremos a analizar en detalle: el binomio arte-ingeniería. Es una de las divisiones fundamentales del quehacer y el pensar occidental/postindustrial. La idea de que algunos fuimos dotados con ciertas capacidades y otros con otras se desparrama a lo largo y ancho de todo el sistema educativo y luego del sistema productivo/económico.
Como muchos otros binomios este tiene varios elementos: arte, artesanía e ingeniería. Todas son ¿caras?, ¿partes?, ¿estados? De lo mismo, de nuestra condición de seres que hacemos. Esta es parte de la esencia misma de lo humano aún antes de ser homo sapiens sapiens, antes de ser solo homo sapiens, fuimos primero homo fabers.
Bájate el artículo entero:

http://www.realidadvisual.org/plasma/artista_ingeniero.pdf

La exclusión de Jesús Vilchez

2008-08-31T20:29:00.000-07:00

A propósito de la página once de Buntinx

Todo una polémica desatada en torno a la exclusión del colega Jesús. Bueno, eso sucede muy a menudo, aquellos roces entre artistas y curadores es cosa de siempre. No debiera serlo, en fin siempre existirá esto, pues unos serán los elegidos y otros los rechazados. Es difícil tomar una postura personal por uno. Pero, todo artista que se considera y respeta a sí mismo defiende sus propuestas, porque se mueven en la tendencia cerebral de crear y proponernos algo que considera importante como es el caso de Jesús, más allá si su obra es buena, debiera ser en primer término, analizada y ser curada debidamente y ser propuesta para una determinada muestra si es de orden antológico si asi fuera el proyecto, porque hay una historia o acción que sucedió en su momento y es aquí donde merece ser tomada en cuenta.Aqui existe entonces, el verdadero criterio curatorial y el profesionalismo de por medio. Esto sin desmerecer el criterio de Tarazona. Estas impases sucederán siempre, cada curador analiza la situación en diferentes posturas. El problema sucede cuando se cae en el terreno personal de las preferencias por tal o cual artista. Eso si cada artista es diferente y merece su respeto. Aquí no cuenta los amiguismos y la preferencia por los artistas que son mayores en trayectoria y que merecen que se hablen de el y todo lo demás que ya todos sabemos, y excluir a los menores o menos conocidos. La obra o propuestas de los artistas no debiera considerarse si son de "gran reconocimiento" o porque son "archiconocidos". Lo importante es que si su propuesta es buena: merece ser tomada en cuenta para tal o cual muestra y no que se muestre propuestas caducas o desentonadas. Pues existe artistas que podrían considerarse de peso o ser aceptados por las mejores o mayores galerías de Lima y no ser absolutamente nada afuera.Puro Arte muerto.
Sito aqui lo publicado en: http://www.lapaginaonce.blogspot.com/

donde hay una personal critica, elitista y soberbia que ningunea al colega en cuestión.Que falta de profesionalismo y ponderación de la la señorita que no merece ni siquiera mencionar su nombre.
Lo que cuenta para un artista es seguir adelante y olvidar, seguir trabajando y produciendo, porque aquí se demuestra lo mejor de uno y que llegará su mejor momento. Como dice Jorge Luis Borges: "La mejor venganza y el mejor perdón es el olvido".
Joseph De Utia

NANI CARDENAS: CROMOTERAPIA

2008-08-28T17:33:00.000-07:00

La curaduría está a cargo de la historiadora de arte alemana Antje Ruwisch, quien investiga acerca del uso del Tejido en el Arte Contemporáneo del Perú. Sobre su obra ha escrito Diego Otero (Dominical/El Comercio), en el texto del catálogo que acompaña la muestra y que ha sido editado por Arturo Higa, con fotografías a cargo de Domingo Giribaldi.

“Al interior de las coordenadas que la obra de Cárdenas propone, el tejido ha dejado de ser funcional, genérico, anclado en el clisé (sic) femenino, para convertirse en una representación del dibujo en el espacio: colores puros, trazos libres, nudos y desenlaces. Cada una de las piezas de Cromoterapia actúa rítmicamente; gana volumen y más alla se angosta hasta ser superficie, y se ofrece como boceto de figura humana, animal o vegetal, para luego volver a ser sólo línea corriendo, forma pura.” (Diego Otero: 2008).

“Realizada con cables de diferentes tipos provenientes de la industria de las comunicaciones –en este caso los cables de hilo telefónico–, de diferentes espesores y diámetros, en “Cromoterapia” los distintos elementos se presentan como un bosque de personajes festivos, tal vez por la manifestación de color que cada uno exhibe, sin dejar de lado esa necesidad de interactuar, tan propia de la condición humana. (…) Por otro lado, la fragilidad del material escogido, la referencia al dibujo en el espacio, –con delicadas líneas y sinuosos colores– y el juego de las proyecciones de los personajes, favorecen la creación de esta sutil red de relaciones. Cárdenas, en los últimos años, busca a través de su escultura, despojarse de la fuerza gravitacional de sus elementos, para relacionarlos con la fragilidad de la luz y el color.No en vano, toma como fuente de inspiración, justamente la antigua ciencia de la Cromoterapia que, en culturas milenarias como la de Egipto, India o China, permitía realizar curaciones buscando el equilibrio del color y el aura en la vida cotidiana.” (Armando Williams) Nani Cárdenas (Lima, 1969). Realizó estudios de dibujo y escultura en el taller de Cristina Gálvez, así como en la especialidad escultura en la Pontifica Universidad Católica del Perú. Ha sido merecedora de importantes reconocimientos como el Premio a la mejor obra escultórica otorgado por el Banco de Crédito y fue también Finalista del Concurso Pasaporte para un artista organizado por la Embajada de Francia en el Perú. Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas en importantes galerías de Lima – Perú, España y Alemania.

EL SALON JOVEN DE PUEBLO LIBRE

2008-08-24T17:26:00.000-07:00

Si todos nos dedicáramos a pintar sólo tendríamos palabras para comunicar nuestras necesidades vitales. Felizmente es una utopía. Y no felizmente porque no sepamos pintar y expresar nuestro mundo interior, sino por la felicidad de poder apreciar desde el exterior el producto de un grupo de personas que se comunican hacia nosotros por medio de las formas y colores; elementos de la imagen.
La pintura siempre dialoga, es constante su anhelo de plática con su “víctima”. Victima que no es atacada sino invadida por sentidos no acordes a lo cotidiano. Y víctima de lo inmortal, no acabándose en una suerte de fallecimiento al alejarse de la obra, sino reproduciéndola en el banco del recuerdo, si es que se merece guardarla.
Por eso, en el Salón de Pintura Joven, bajo el apoyo de la Municipalidad de Pueblo Libre, la plática es una cita íntima entre ustedes (espectadores) y los artistas. La percepción de esta naturaleza por este grupo de artistas es la explicación pura de acontecimientos humanos desde un hemisferio surreal, alucinado desde una coordenada solitariamente espacial. El ojo del artista navega desde paralelos urbanos casi abstractos como sucede en “Con los pies en la tierra”, pasando por mega ciudades complejas en "Anunciación”, terrenales en “QEPD”, hasta espiritualizadas como en “La ciudad”. Con esto aclaramos que el hábitat es un referente en las cuestiones personales que nos planteamos a diario. La popularidad también encuentra su esquina, una popularidad más la afición colectiva, tomando íconos mediáticos y masivos como en “Kaká”.
Si llegamos a la introspección onírica la “Alegoría al tiempo y a los sueños” nos remite a la razón del deterioro material inherente a nuestro cuerpo, caso contrario al sueño llevado a la realidad, desde las leyendas y mitos colectivos como “Aima y los dioses”, trabajo importado desde el mundo de la tradición oral hacia la superficie de las representaciones. Cambiando de perspectiva, la abstracción de tales sueños se simboliza en figuras compactas, siendo el título “Miembro es un objeto-N°4” la pista para descifrar los códigos.
Otras cuestiones llegan mucho más próximas a los ideales infinitos o eternos. La inmortalidad de una idea es el principal carácter adherido a la existencia del ser. Como personas queremos trascender más allá de la muerte, por tal motivo creamos los homenajes póstumos, ejemplos de vida que físicamente no están pero que perviven por su legado de virtudes: “Butsudan (A Maria Elena)”.
Otro modo de acabar con la consecuencia de los días es el eterno descanso poético de "Réquiem", que mediante la desnudez, simbología teológica de pureza, se fusiona con la soledad que ésta requiere para engendrarse.
Las personalidades son elementos de las sociedades, cada una de ellas vierten un toque de cordura y locura, orden y desorden, modifican el caos en momentos, estaciones y fases. “El Profeta” ya no está en su tierra, está en el mundo de los cuerdos, de los comprensibles, diferentes a él, como muchos de nosotros, que recibimos miradas rudas, reales, misteriosas y recíprocas, actos humanos y despersonalizados, particularidades de “No lo contradigan”.
El fin de la pintura es meta infinita de la historia. Mediante esta muestra nos damos cuenta que los tiempos no acaban para ella, se regeneran con nuevos lenguajes productos de nuevos sentimientos y circunstancias. En este momento somos testigos de ello.
Curaduría

Felipe Mayuri

ARLEQUINES / JOSE CARLOS RAMOS

2008-08-18T20:06:00.000-07:00

La cosmogonía en la Comedia del arte

La cosmogonía en la Comedia del Arte José Carlos Ramos (Izcuchaca 1946) reconocido artista plástico riguroso en la pintura como en sus devenires escultóricos, esta vez nos presenta una de sus últimas propuestas en su vasto imaginario pictórico, asumiendo como ha venido haciendo la visión global en el proceso de sus personajes, de su trabajo. En lo particular esta vez nos conduce por la ensoñación de la Commedia de´ll Arte, de los arlequines venidos en el proceso globalizado a concluir en ejes temáticos de un espacio circense cosmogónico.

Los arlequines eran personajes femeninos indispensables en las piezas de la comedia del arte en el siglo XVI, conducidos también para requerimientos del Balet cómico en los cuales se apreciaba como es hasta hoy sus dotes en el manejo del sentido del humor, característica elemental presentaba por el artista para esta serie que acomete complacencia entre los márgenes del equilibrio temático y las licencias que se dan en la pintura.

Cuando los arlequines aparecen, sus trajes constituían remiendos de ropa, que poco a poco se fueron estilizando, aquí en estos trabajos los trajes varían hasta adjudicarse en ellos elementos del teatro Kabuki entre otros, producto de los procesos interculturales o de hibridación.

Los arlequines, también buenamente llamados Payasos por Ramos, tienen la potestad al parecer de ver todo desde otro punto, como exiliados de un mundo al que pertenecieron, no desligándose de el, a través de los elementos que componen el universo de la representación, en los cuales ellos ejercen dominio, como entidades, como elementos de la misma natura. No es necesario decir del autor, el menester que conduce en su pincel y en sus más cercanos leit motiv que componen desde hace mucho su pintura, es seguro que los caballos y los huevos fritos que recurrentemente aparecen en sus pinturas nos conduzcan a una familiarización en la medida que van apareciendo sus trabajo.

El arlequín nacido de creencias populares profesa una ambivalente relación entre reyes (King)e infierno (Hell), opuestos concernientes que fueron derivando hasta la palabra en concepto. En Francia aparece en la época de Moliere como un personaje ingenuo y sensible, alejado de las visicitudes demoníacas que había adquirido su nombre.

Finalmente los personajes contemplan desde otros márgenes y espacialidades los cambios emergentes, protegidos tras aquellos paraísos en donde la ciencia viva de lo humano no los ha tocado, es como si aquellos trabajaran como secretos personajes dentro de una trama que procrea el equilibrio universal, sin embargo un mensaje es el que nos queda, y es que el ser humano empeñoso en su destino arremete sin suplir las implicancias de sus actos.

Pablo Villaizán
Lima, Julio 2008

LINEA MUSICA IMPRESION EN EUROIDIOMAS

2008-08-16T10:17:00.000-07:00

Escribo el dulce canto de los pájaros
Del jardín su lindo azul sonido
Música quena alma lágrima viva

Roger Santivàñez

La percepción local permite la re/creación creativa de sentimientos, gustos y recuerdos. Línea Música Impresión exposición bipersonal de los artistas Gustavo Emè y Joseph De Utia visualiza el devenir de vida frente a la cultura actual y de una juventud ávida por mostrarse dentro y fuera de los espacios que los rodean.

En estas circunstancias los artistas Emè y De Utia se enfrentan a nuevas posibilidades técnicas como el ploteo, el arte digital y sus manipulaciones diversas, convirtiendo estos tecnicismos en apropiaciones muy singulares.
De Utia nos muestra actores y cantantes de rock, pintados con tonos contrastados, influenciado por el Fauvismo francés que marcó un cambio radical al inicio del pasado siglo, donde el color era la esencia para sus pinturas.
Emè sintetiza sus diseños e impresiones digitales encuentros lineales, bailarines que oscilan en ancestrales mundos que se entrecruzan originando matices ordenados. Sus personajes se extienden en ciudades imaginarias-futuristas de fresca factura.
En este devenir lo musical y la explosión cromática nos envuelve visualmente, contrastando con una metrópoli gris como nuestra Lima, pero es ahí que Línea Música Impresión se hace notar con su magia mecánica y se extiende como un oasis de frescura y nos envuelve con sus ruidos de color.
Miguel Lescano
Lima, agosto 2008

Vida, Cielo, Mar y Naturaleza de Clavel Mera

2008-08-16T08:26:00.000-07:00

Se encuentra en un majestuoso y contemplativo desarrollo, como si el Big-Bang, génesis más apoyada de nuestros inicios recién se estuviera movilizando y así, engendrando las bases de nuestras vivencias.
Y es así que Clavel, hace un homenaje a la superficie que habitamos, parados encima de una existencia natural, la vida. Su propuesta, de pacífico orden, jerarquiza la conjunción de un proceso de los elementos naturales que son base para poder sobrevivir. Esos elementos que poco a poco, en una especie de fase originaria –como en vida, cielo, mar y naturaleza- empiezan a conocerse por autoridad de la artista para así poder renovar la emotividad plena que siempre dio a los artistas ese preciosismo que solo se encuentra en las bondades intactas del planeta.
Existe también una futura unión cohabitante la cual se inserta dentro del leit motiv de esta muestra. Esa unión que pedirá una recepción valorativa en cuanto a las bondades naturales de ese paisaje, esa generosidad que es primer concepto de agradecimiento cada vez que la artista actúa con el óleo, acrílico y metal. Son elementos tan simples que tocamos, vislumbramos, pisamos, experimentamos y hasta nos alimentamos de ello; sin embargo no reconocemos ese coste incalculable el cual es el fin de vida, cielo, mar y naturaleza.
La lotizada abstracción de sus cuadros tiene como fin no representar el actual desorden humano, el desorden y caos en que trabajamos involuntariamente. Entonces es que esa visión nos invoca a la pausada deliberación por cada protagonista de las pinturas, cada retrato de color cálido en unos, y frío en otros, son las fieles sensaciones que sentiríamos si recién naciéramos a la edad en que estamos visitando esta muestra.
Así que solamente nos fiaríamos de nuestros sentidos de vista y tacto, y ese es el secreto aquí, frente de esta renovada naturaleza; el ver y tocar con los ojos.

Felipe Mayuri

LAS CIUDADES ESCONDIDAS DE DAVID HORNILLOS

2008-08-11T12:38:00.000-07:00

Se dice de los artistas que ven el mundo de forma diferente a los demás. Quizás sea cierto o quizás lo que ocurre es que le dan una importancia vital a pararse en el ajetreo de nuestras vidas y, simplemente, mirar alrededor, observar, empaparse de lo que ocurre, de lo que nos afecta y, así, descubren cosas, lugares, personas, que estaban ahí mismo desde siempre pero nadie les había dedicado un segundo de su tiempo. Si seguimos la ruta trazada por David Hornillos en esta serie, podemos observar rincones, probablemente similares a los que hemos visto muchas veces pero que se nos presentan de un modo muy diferente, a la manera del que mira en torno suyo y ve la extraña vida que nos pasa al lado. Una vida que es en blanco y negro, como la mayoría de los sueños y, como en estos, las ciudades a menudo vacías son conocidas y diferentes a la vez, sordas e inodoras la mayoría de las veces, pero atractivas, atrayentes y geométricas.

Nos preguntamos sobre las vidas que cruzan por estas imágenes, apenas reflejos, incluso sólo dibujos sin color. David Hornillos recorre una ciudad bien familiar, Madrid, para sacar de ella lo oculto, lo onírico y entregarnos en estas fotografías un sueño por construir, unas imágenes que completar con una lectura sin prisas. A esto es a lo que este fotógrafo, como hacen los artistas, nos invita: a pararnos frente a las imágenes de las imágenes, a detener nuestra acelerada carrera diaria, que es, precisamente, lo que no hacen las pocas personas que aparecen en sus fotografías. Nosotros sí podemos ser atrapados por su obturador si le damos una oportunidad y nos asomamos a las ventanas urbanas.
Ventanas o reflejos. Hornillos nos presenta ambas posibilidades: voyeur o receptor. La fotografía es la dicotomía entre lo real y lo irreal, lo que sucedió un segundo atrás o lo que no ha sucedido nunca. Ventanas a un Madrid en blanco y negro, de adoquines y edificios recortados contra el cielo. Reflejos en los escaparates, con gritos que existieron un solo momento. Dejémonos sobrevolar esta ciudad, que podría ser cualquier otra o incluso no haber existido nunca, porque ya se sabe que los artistas ven cosas en las que los demás no reparan o, quizás, lo que sucede es que son cosas que, simplemente, no existen.
Pilar Irala Hortal
Crítico de Arte

STEREOTIPOPS Argentina

2008-07-31T08:42:00.000-07:00

Concepto: “Stereotipops: Mujeres perfectas y hombres imposibles”: a través de las obras de esta muestra los cuatro artistas participantes abordan con humor e ironía los estereotipos de felicidad y belleza típicos de nuestra sociedad, atravesados por la cultura pop y de medios.
Catálogo: se realizó para la exposición un Diario/Objeto de 36 páginas impreso en 3 colores especiales, y solo 500 unidades numeradas y firmadas por los cuatro artistas, el cual se venderá en la exposición y librerías destacadas.
El mismo contiene textos realizados por Rodrigo Alonso y Damián Masotta, más las imagenes gráficas originales generadas por los artistas en exclusiva para este Diario/Objeto.
El mismo rompe con el estereotipo de catálogo de exposición y da lugar a la experimentación libre de los artistas y de aquellos que escribieron.
Five O`clock tea: El sábado 23 de agosto a las 5 en punto se realizará una charla abierta con los cuatro artistas, más Damián Masotta y Rodrigo Alonso. Un estereotipado té con masas acompañará la reunión.
Texto inicial del Diario Objeto:
Teníamos ganas de probar.
De investigar.
De contarnos y contar a los demás.
De mostrar lo que no siempre mostramos.
De hacer lo que no siempre hacemos.
Por ejemplo, este diario-objeto.

Stereotipops.
Ni estereotipo de catálogo, ni de exposición.
Mucho menos con una crítica estereotipada.
Rodrigo Alonso fue invitado y escribió lo que quiso,
no quisimos que hable de nuestra obra, tampoco Damián Masotta.
La galería fue tomada, no la pedimos prestada.
Damián dejó que invadamos el espacio,
al igual que las hojas de este diario-objeto.
En cada renglón, línea o aire de estas páginas están
los pensamientos, aventuras y antojos de cada uno.

Si el arte está estereotipado, vamos mal.
Si probamos otras cosas, vamos bien.

Stereotipops.
Ni siquiera las reuniones pudieron ser típicas;
los mail sirvieron de mesa a la hora de debatir,
y también los pusimos.
Algo así como un “backstage tecnificado”.

Y durante todo este proceso,
Delia sufrió una mudanza tipo, Mónica rindió los típicos
exámenes de mitad de año en su atípica carrera de gastronomía,
Esteban inauguró una típica exposición en la calle Arroyo
(típica zona para el arte) y Claudio estuvo en cama
con la típica gripe de un invierno que cada vez es menos típico.

Stereotipops.
Mujeres perfectas y hombres imposibles.
2008.

Conociendo a Antonio Segui - Argentina (1934).

2008-07-19T09:46:00.000-07:00

Tiene como primer maestro al pintor cordobés Ernesto Farina. Viaja a Europa y Africa, entre 1951 y 1954, período en el cual estudia pintura y escultura. Acude en Madrid a la Academia de San Fernando y luego a la Escuela de Bellas Artes de París. Realiza su primera exposición individual en Argentina el año 1957. Es a partir de 1959 que sus obras adoptarán el matiz caricaturesco que las caracteriza, apreciándose en ellas un tono burlesco y humorístico que se inspira en los recuerdos de su infancia.
Sus obras tienen como eje central el paisaje urbano, de abigarrados edificios que esconden y acogen a anónimos personajes que pululan ensimismados en su rutinaria travesía, todos cuentan una historia, la cual no permite la preocupación o el ingreso del que pasa al lado. Elegantes hombres de sombrero, masculinas mujeres (a veces desnudas) y hambrientos perros, conforman el repertorio iconográfico de este artista, quien plasma bajo un aura de burla y sátira, la decadencia contemporánea de las grandes ciudades y sus habitantes.
Antonio Seguí ha expuesto su obra en importantes museos y galerías de arte de Europa, Latinoamérica y Estados Unidos, entre otras ha expuesto en: Musée des Beaux-Arts, Carcassonne, Centre d’Art Contemporain, Mont-de-Marsan, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (Francia); Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Borges, Museo de Arte Moderno (Buenos Aires, Argentina); Durban-Segnini Gallery – Miami, Art Museum of the Americas - Washington D.C. (Estados Unidos); Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam (Cuba); Museo Rufino Tamayo; Praxis Galería de Arte (Chile); Nishimura Gallery (Japón); el año 2005 el Centro Georges Pompidou, del Museo Nacional de Arte moderno (París, Francia) realizó una restrospectiva de su obra, reuniendo importantes trabajos realizados entre los años 1950 y 2005, convirtiéndose en la primera muestra de este género que la mencionada institución dedica a un artista argentino.

Ha sido además merecedor de reconocimientos como el 1° Premio en el III Salón Anual de Pintura del A.C.A., Buenos Aires, Argentina (1961); el Gran Premio, “National Museum of Western Art”, V Bienal Internacional de Estampas, Tokio, Japón (1966); el Gran Premio, Salón Internacional de La Habana, Cuba (1966); el Gran Premio, Salón Latinoamericano de San Juan, Puerto Rico (1966); la Medalla de honor, VIII Bienal Internacional de Grabado, Cracovia, Polonia (1980); Premio Di Tella a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina (1989); Gran Premio, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina (1990); Premio Konex de Platino - Gráfica, Buenos Aires, Argentina (2002); entre otros.
Desde 1963, Antonio Seguí radica en la ciudad de París, luego se traslada a Arcueil, lugar donde reside actualmente.

GALERIA ENLACE

MIGUEL GARCIA Y SUS FUNERALES

2008-07-15T14:53:00.001-07:00

“Hasta donde la historia tiene memoria, este país ha conocido de manera interrumpida una resistencia. Mirar nuevamente Los Funerales de Atahualpa equivale a pintar unos nuevos funerales; pero la manera de mirar a los primeros determinará la forma de pintar los segundos. Quienes no sean capaces de trascender lo explícito del símbolo ideológico, seguirán aferrados a la vana ilusión de enterrar una vez más al Inca. Quienes por el contrario sean capaces de mirar el cuadro de Montero con ojos inconformes, podrán pintar unos nuevos funerales donde las coordenadas de la pintura sean subvertidas’’, dice Roberto Miro Quesada en el texto. De esta manera Miguel García presenta su trabajo reconociendo que los vestigios, huellas y rememoraciones que hablan del pasado, no son otra cosa que lecturas que de ellas se han hecho con posterioridad. Así, García, nos muestra un video collage-híbrido apropiándose y resignificando la pintura “Los funerales de Atahualpa” de Luis Montero. Desde este punto de vista el artista plantea la necesidad de ser canal de transmisión de otras lecturas e imágenes que la “historia” no ha dejado traslucir. Esto ha determinado un compromiso con su identidad y comunidad de origen, a través de la recuperación-inversión de visiones de la realidad que intentan condensar la memoria e imaginario histórico. En este contexto, el artista asume el papel de un antropólogo que examina capas del tejido social para postular un imaginario desde sus identificaciones.
“La aparición de una forma artística, desde esta perspectiva, es como un documento constitucional de cualquier comunidad. Como una tensión capaz de procesar la experiencia vital de cada hombre con su tiempo, como relato de aquello que anhelamos y que nos une con nuestra comunidad. Es como la necesidad colectiva de existir visiblemente en el relato, es ahí que aparece la necesidad de postular un proyecto artístico”, declara García.
El proyecto, pretende crear una serie de desplazamientos en el espectador que se producen a la hora de desestabilizar e inhibir el significado que se desprende de la imagen primigenia (“Los Funerales de Atahualpa” de Luis Montero), buscando la subversión-inversión de la narración en el orden de lo étnico, genérico y artístico. Tomando así la nueva imagen como un “ideal imaginado”, como un deseo de ficción, respondiendo a las preguntas: ¿Qué pasaría si la obra original no fuera esa que pinto Luis Montero, si no la que produjo Miguel García? ¿Qué significados construiríamos hoy, si esta imagen ocuparía el lugar del original? ¿Cómo nos relacionaríamos entre nosotros hoy?
La acción de “subvertir-invertir” temporalmente la obra de Montero se da en el proyecto a partir de ubicarla dentro de la sintaxis visual de la tradición pictórica occidental, postulando una imitación / inversión cuyo resultado es inevitablemente híbrido. Intentando ofrecer un acercamiento irónico de la historia del arte y un intento de crítica de la manera de mirar el arte occidental. No se trata de una apología a las identidades, más bien, es señalar a través de la acción, nuestra responsabilidad como artistas en nuestro destino colectivo. Asumiendo que cada uno de nosotros, adquiere la responsabilidad como creador de productos culturales, de dar vida al “canto de nuestra generación”, esta vez se trata de escucharlo para poder entonarlo e incluso emitirlo.

Bienal Interamericana de Arte Inofensivo

2008-07-15T08:32:00.000-07:00

Pedro Pablo Gómez escribe:

Hoy 24 de junio de 2008, acabo de recibir por correo la convocatoria a la ” IV Bienal Interamericana de Videoarte”, a celebrarse en diciembre de 2008 en la Galería de Arte del Centro Cultural del BID, en Washington, D.C.
Lo que más llama la atención, de esta convocatoria, es uno de los requisitos que dice lo siguiente: “El contenido del vídeo no puede ser ofensivo para ningún gobierno, individuo o grupo particular. El jurado podrá descalificar cualquier vídeo considerado ofensivo”. Este requisito, causa de inmediato una molestia no sólo por la manera como está enunciado sino, por su contenido mismo. Escrito de la misma manera negativa que los mandamientos, como un dictado del superyó: no robarás, no matarás, puede leerse de manera afirmativa así: el contenido del vídeo debe ser inofensivo; si cumple esta condición no será ofensivo para nadie. De todos modos, si por alguna circunstancia,- a pesar del esfuerzo de los artistas por realizar un video-arte ajustado a esta particular categoría estética del video-arte inofensivo- se llegare a introducir un elemento ofensivo, para eso habrá un jurado que, en representación de cualquier gobierno, individuo, o grupo en particular, podrá descalificarlo.
Uno se pregunta si, en un sentido estricto, puede haber un video-arte que cumpla con esta desbordada exigencia, debido a que casi cualquier cosa puede resultar de algún modo ofensiva para alguien, no tanto por la cosa misma sino por la disposición particular de la persona, el gobierno o el grupo. De la misma manera que el arte de vanguardia resultaba ofensivo para cierta burguesía, un vídeo con una imagen del rey Juan Carlos de España puede resultar ofensivo para el presidente Hugo Chavez, así como un vídeo de Wilson Díaz resultó ofensivo para los defensores de la imagen positiva del país, o un video de José Alejandro Restrepo puede resultar ofensivo para el pastor evangélico Enrique Gómez.
Además, no deja de preocupar que este requisito, dado que viene prescrito desde el Banco Interamericano de Desarrollo, sea rápidamente copiado por instituciones culturales de nuestro país, y que la nueva categoría del arte inofensivo se expanda por doquier como política pública no sólo del video-arte sino de todas las manifestaciones artísticas. El arte inofensivo no puede ser otra cosa que un arte ultra-oficial, que haya pasado por diversos niveles de censura, blanqueamiento y expurgación, (¿museificación?) hasta ser convertido en un perrito faldero, testigo mudo de la historia y de la suspensión política y económica de la estética en general y de la ética de los artistas en particular. No obstante lo anterior, quizá haya que terminar por invitar a los videastas colombianos a participar en esta convocatoria, no sólo por los premios, que dan fe de la generosidad del BID, y ante todo para no correr el riesgo de que esa institución promotora de “desarrollo” pueda resultar ofendida.

convocatoria

http://www.iadb.org/exr/cultural/III/read_more.cfm?language=spanish
Una respuesta:

+ sobre el arte inofensivo
Estimado Pedro Pablo Gómez, no deja ser bastante oportuna su reflexión. Lo que está en juego aquí, son las normas y reglas que regulan las maneras de hacer arte, sobre todo, si este es financiado por fondos privados o grandes emporios bancarios como el BID. En una ocasión hablando con el artista Miller Lagos sobre la convocatoria de una prestigiosa marca de cigarrillos, quienes insistían a los participantes en no utilizar la marca ni el producto en algo que fuese ofensivo y desprestigiara la compañía de tabacos, coincidimos en que en verdad ese tipo de restricciones limitan el campo de acción del artista. Cuáles podrían ser esas realizaciones artísticas que se acomodan de manera inofensiva a ese tipo de convocatorias? Sin duda alguna estamos frente a una situación que pone cuestión un arte crítico o simplemente una postura artística con ciertas libertades. Claro cualquiera podría decir, que es suficiente con no participar y basta. Pero al asunto es complejo si se tiene en cuenta que hoy, esas instituciones como el Banco Interaméricano de Desarrollo, son el verdadero motor del arte contemporáneo. Será que el arte contemporáeno, financiado por estas instituciones, empresas privadas, etc. es cada vez más inofensivo y liviano?

Ricardo Arcos-Palma

las "reglas del arte"
A partir del comentario de Ricardo Arcos, podemos continuar la reflexión sobre lo que hemos considerado el arte inofensivo. Esta no es la primera ni será la última vez que una institución, de manera explícita, trate de imponer las "reglas del arte", no como los procesos de ordenamiento y distribución de capital simbólica del arte, en el subcampo de producción restringida (Bordieu), sino desde afuera, desde la determinación del marché, en donde el capital económico está por encima de capital simbólico. Ahora bien, ese proceso de determinación externa sobre el arte -que por cierto nunca ha sido una esfera completamente autónoma- puede considerarse como algo propio de los procesos de intercambio propios de la sociedad capitalista contemporánea, o por el contrario como un proceso de usurpación simbólica, como lo ha denominado el antropólogo ecuatoriano Patricio Guerrero. La usurpación simbólica es el proceso mediante el cual el poder se apropia de un recurso material o simbólico que no le pertenece, sin tener siquiera derecho a ello. Dado que se trata de un hecho ilegítimo, continúa Guerrero, este proceso se ejerce por medio de mecanismos de violencia material o simbólica, o a través de mecanismos de seducción. ¿La mencionada bienal es entonces un proceso de violencia simbólica, de seducción económica por medio del fantasma del dinero, o un abierto desafío a lo que queda de autonomía en el campo del arte, que se resiste a aceptar ser subsumido por la lógica del mercado? Además, hay que tener en cuenta que la usurpación simbólica puede entenderse como un proceso de vaciamiento de sentido; en otras palabras, de reducción del símbolo -caracterizado por ser una región de multiplicidad de sentido- al signo mercancía que transforma las dimensiones de la realidad provocando su ficcionalidad y virtualización, el triunfo del significante sobre el significado. Todo esto en un proceso perverso que desde la positividad y el valor pretende ser el principio de la totalidad del sentido cuando lo que en realidad busca es el vaciamiento del mismo, haciendo posible la ideologización de los discursos del poder y del orden social dominante. Vale la pena hacer un seguimiento al desarrollo de esta bienal que, como todo evento artístico patrocinado por instituciones que ejercen el poder, está determinada por una concepción política y hegemónica hacia el arte, ante la cual los artistas muy probablemente responderán de manera crítica, con trabajos que hagan resistencia a esos intentos de normalización que nos llegan desde el BID, o quizá con acciones de insurgencia simbólica ante estos actos de control del sentido.

Pedro Pablo Gómez

INTERNACIONAL: THE NET ART OF ROSS ALEXANDER EN GALERIA ESPACIO KUBIKO

2008-06-26T06:32:00.000-07:00

Su trabajo es una fusión compleja del dibujo, de la fotografía y de intervenciones digitales, que es inspirada por la naturaleza, la ciencia y la opinión humana. Aunque he comenzado recientemente a utilizar las herramientas digitales, en la vanguardia de mi práctica es cómo estos nuevos medios se relacionan con una perspectiva más tradicional, y una manera de percibir el trabajo que es primordial en naturaleza. Mis abstracciones del favorito han sido siempre evocadoras, y no creo que la abstracción debe estar a parte de representación. Cuando la gente mira mi trabajo, quisiera que ella enganchara con la manera que a menudo percibimos fenómenos naturales, proyectando la metáfora natural y cultural sobre las formas y tomando ellos mismos en un viaje con lengua. Creo que ésta es una manera más pura de percibir el mundo y el arte, y ésa en su arte abstracto más de gran alcance debe lanzar lentamente su intrincación y significar como un pedazo de música fina, permitiendo que el espectador experimente nuevos viajes y experiencias con cada visión.
Con información recogida a través de la Red se ha elaborado la evolución del net.art, desde su nacimiento hasta nuestros días en el inicio de un nuevo milenio. Aun a riesgo de ser poco riguroso he tomado datos informaciones de páginas web, que en muchas ocasiones se repiten calcadas una y otra vez con las mismas palabras e incluso con las mismas imágenes. En mi percepción a través de la navegación por la Red, nadie siente ningún rubor por tomar lo que esta a su alcance y le apetece; es como una especie de sentimiento aventurero por buscar el tesoro, y si lo encuentras lo coges. Esta percepción la he corroborado en algunas manifestaciones de los artistas mas destacados de net.art, que debaten los conceptos de original, de plagio y reciclaje, de apropiación y copyright. En el desarrollo de este capítulo veremos algunos ejemplos de ello. Según la definición de Benjamín Weil, cofundador de la comunidad artística Ada'web y Curator of Media Art en el San Francisco Museum of Modern Art: " El objeto principal del net.art es Internet".

El net.art se enfrenta a las exigencias del mercado del arte

A finales del milenio, la red se ha convertido en un territorio de inversiones millonarias por parte de las grandes corporaciones multinacionales y los net artistas se enfrentan a las exigencias del mercado. Lentamente los paradigmas del arte tradicional se vuelven a imponer y parecen querer absorber al net.art. La comercialización de este tipo de obras se convierte en tema de debate y también en objeto de acciones de sabotaje simbólico. Ya hemos reseñado que en el año 1998, Olia Lialina se posiciona claramente en el debate sobre los pros y los contras de la comercialización del net.art creando la primera galería virtual. Con el objetivo de rescatar el primer espíritu del net.art, aparece en el año 1999, 0100101110101101.org, un colectivo de artistas italianos, encabezado por el mítico Luther Blisset. Con sus acciones el grupo rechaza la falsa interactividad de muchos proyectos e invita al usuario "a disfrutar de la obra de forma impredecible, alejándose de las previsiones del autor, sacándola de su rutina habitual (artista/galería/museo/web) y reutilizándola en un nuevo contexto.

Ross ALEXANDER

Vida, Cielo, Mar y Naturaleza de Clavel Mera

2008-06-11T16:13:00.001-07:00

La vida del hombre post-moderno ha sido diseñada para resolver y aliviar gran parte de sus problemas inmediatos. Este paradigma en donde prima el principio de vivir el presente ha avanzado velozmente, la constante evolución tecnológica no solo ha perfeccionado nuestra existencia, también ha alterado nuestro ritmo de vida, el cual se acelera cada vez más automatizando al individuo, con cierta dosis de negación existencial. Absorbidos por esta vorágine, hemos sido despojados de ciertos rituales antes acostumbrados y ahora poco valorados como detenernos a leer un libro, caminar, disfrutar de la naturaleza [incluso reflexionar]. Todo este proceso involutivo se evidencia en nuestro panorama actual.

En Vida, Cielo, Mar y Naturaleza Clavel Mera plasma con particular estilo el resultado final de nueve meses de estudio sobre estos elementos vitales, el cual obedece a un proceso de constante búsqueda pictórica y conceptual, la artista elabora una reflexión que se sustenta en dos modalidades discursivas. Por una parte la pintura de Clavel emite un mensaje recurrente que promueve la conexión básica del hombre con lo natural, a primera impresión su obra nos produce goce estético y al observarla podemos sentir en estos soportes de mediano formato toda la calma que nos ofrece el contacto con la naturaleza, gracias a una acertada técnica. Pero también percibimos en su formato cierta división, esta observación nos permite conceptualizar el eje temático de la artista que señala: “vivimos rodeados de todo esto, pero lo vemos como algo tan natural, mirando sin verlos realmente”.

La propuesta artística Vida, Cielo, Mar y Naturaleza, expuesta en la galería de arte: YACANA ARTE & ROCK BAR, ubicada en el centro histórico de Lima, ejecuta un ritual a modo de reflexión, en el cual el tiempo se detiene y el espacio absorbe toda la vitalidad que la obra de Clavel irradia, rescatando así la experiencia de interrelacionarnos y volver a ciertos rituales algún tiempo atrás cotidianos.

Curaduría
Edith De la Cruz

DESAPARECIDA DE LIA

2008-06-11T13:22:00.000-07:00

El singular proyecto artístico emprendido por Cecilia Podestá, busca cumplir con esa doble función —expresiva y sanadora— que puede adquirir la ficción literaria. En efecto, a través de este libro de intervención, su autora, tratando de prescindir de las señas particulares de nuestro entorno, se manifiesta sobre un tema doloroso y desgraciadamente actual y recurrente en las naciones de todo el mundo: las desapariciones de personas bajo regímenes dictatoriales o en manos de gobiernos electos que no merecen llevar el nombre de democráticos. Y la forma en que lo hace —a través de la escritura del imaginario diario de una poeta secuestrada, que es en el fondo el retrato emocional de todo aquel que padece un injusto encierro— nos acerca de una manera distinta y acaso más descarnada a una verdad que, pese a haber sido estudiada y denunciada en numerosas investigaciones y ensayos, no parece haber penetrado aún en la región más íntima de nuestras conciencias.
Salomón Lerner

La vida vista como un viaje

2008-06-08T08:50:00.000-07:00

MIGUEL LESCANO, CURADOR DEL ESPACIO DE ARTE DE LA FUNDACIÓN EUROIDIOMAS, PRESENTA A DOS ARTISTAS QUE EXPLORAN LA TEMÁTICA DE LOS VIAJES Y SU FUERZA TRANSFORMADORA"
Por Marianne Blanco Dejardin
Los viajes terminan siendo siempre mentales. Viaja el cuerpo pero el cerebro realiza su propio vuelo y guarda imágenes que son un producto único, pues son hijas de su subjetividad. Los recuerdos de un mismo hecho vivido por dos seres pueden (y suelen) ser totalmente distintos.
Miguel Lescano, artista plástico y curador de la fundación Euroidiomas, se enfocó en el tema de los viajes (sobre todo en el hecho de que la vida es en sí misma un viaje) y en las reflexiones que estos recorridos (sean físicos o mentales) generaban en sus artistas invitados: Lucía Fernández y Juan Diego Vergara, ambos egresados de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. "En un principio me interesó preparar una muestra que tuviera un eje temático. Convoqué a estos artistas porque me pareció interesante hacer una exposición en la que las imágenes compartieran el espacio con textos", explica Lescano.
En la pequeña sala Lescano ha agrupado los cuadros de Fernández y Vergara por separado. "Quise que hubiera un frente claro de la obra de cada uno", añade el curador. Sin embargo, aunque hubieran estado mezclados no es difícil diferenciar los cuadros de una y de otro.
Lucía Fernández pinta con tinta china y aguada, una técnica que caracteriza su trabajo desde que estudiaba en Bellas Artes y que le da un aire nostálgico a todos sus cuadros, en los que se percibe una similitud con personajes de dibujos animados japoneses, como Candy. Las imágenes comparten el espacio con textos escritos por la artista. "Las palabras no son un accesorio, al contrario, tienen un protagonismo. Los textos son una reflexión sobre el tema del crecimiento y de los viajes y tienen una carga poética", explica Lucía, quien también escribe y ya tiene un libro publicado.
Para la artista, textos e imágenes se complementan perfectamente, es más, el texto es parte de la composición pero no es solo un elemento visual, sino que también es el aporte metafórico y simbólico a la obra. Para hacer estos cuadros Lucía tomó como punto de partida el álbum familiar y se centró en los viajes. Sin embargo, no quiso tomar en cuenta las fotos archivadas, sino que se atrevió a ir un poco más allá. "Pinté las imágenes que no están en el álbum pero que se quedaron en mi memoria. Es lo simbólico de lo que recuerdo cuando miro hacia atrás. Es invisible pero está en mi mente y es real", explica Lucía, para quien el tema de la exposición tiene un contenido universal, pues nos lleva a reflexionar en la vida como un viaje. "Todos los textos hablan de cómo cambiamos conforme avanzamos", añade la artista.
IMÁGENES DE FAMILIA
Juan Diego Vergara también recurrió al álbum familiar para hacer los cuadros que presenta en esta muestra y son un viaje hacia el pasado cargado de ironía y sentido del humor. "A través de las fotos hago un viaje al pasado y recreo mi vida a partir de imágenes de momentos importantes de mis familiares. Escogí las fotos por el humor que las situaciones transmitían porque mi trabajo es muy irónico. Además, me encanta la ropa y los accesorios de los años 70 porque tienen colores y texturas que se pueden explotar mucho con el óleo", afirma Juan Diego.
En sus óleos una línea negra aísla sus textos generando una composición cercana a la de los cómics. "Redondeo mis ideas colocando textos. Sin ellos las obras no tendrían el sentido del humor que quería transmitir", añade Juan Diego.

Post Suprematismo pop

2008-05-27T11:44:00.001-07:00

Joseph de Utia a contemplado dentro de sus vertientes pictóricas el suprematismo como eje principal del acontecer en su pintura, rasgos certeros, aparentes del ejercicio de la no representación, teorizado en 1920 por Kasimir Malevich en colaboración con el poeta Vladimir Maiakovski (el suprematismo o el mundo de la no representación) una tendencia que deriva del cubismo y que se sustenta en geometrías puras y absolutas como son el cuadrado, el circulo o el triangulo y que en principio postulaba un arte basado en la supremacía absoluta de la sensibilidad, plástica pura por encima de todo descriptivísimo naturalista y libre de todo fin social o materialista.

Aquello como punto de partida en su obra ha ido camino a la experimentación y hacia la búsqueda de una nueva forma de lenguaje en su quehacer pictórico, en el cual ha ido derivándose a la figuración de la imagen optando para ello con iconos reconocibles y personajes representativos del medio.
En esta última producción del autor se avizora en la imagen cierta manipulación propia por así decirlo de las nuevas tecnologías, una especie de intervención en la imagen, propia de las nuevas tendencias y la influencia de los medios.
La reducción expresiva del mundo en contraposición con el origen de la vertiente primaria del Suprematismo desaparece dando paso al manejo de las imágenes presentadas, tomando una direccionalidad final hacia el Arte Pop.
Es en este, en donde De Utia alimenta su paleta en un acercamiento a los recursos del arte digital procurando no desligarse por completo de la pintura, obteniendo así un resultado visual
lleno de color y expresión dotando a cada retrato de la impresión requerida.
Los retratos presentados asumen en primera instancia una relación con nuestro entorno más conocido, personajes relevantes dentro de sus determinadas disciplinas, los cuales dejaron precedentes importantes (otros aun) fruto de su continuo discurrir, también están aquí retratados los iconos o personajes mas universales, sin duda una inclinación por abordar el conjunto a partir de la misma substancia.
Producto de la recreación en cada uno de los personajes es que se avizora el cambio que cada uno ejerció en su momento, socialmente a partir de la actividad desempeñada, la presente es a la vez un indicativo del recuerdo en la conciencia por no dejarlos ir, mantenerlos a la vez como el propio autor, en el presente.
Pablo Villaizán
Lima, Mayo 2008

DIGITART Porta/Retratos de la Vida Urbana

2008-05-20T14:54:00.000-07:00